"Computern haben die musikalische Landschaft völlig verwandelt" - gegen und den Zustand der digitalen Musik

Digitaltechnik hat sich verändert die Art und Weise hören wir Musik – aber was über die Art und Weise ist es gemacht? Gegen, eine Band, die analog/Digital Divide, straddle diskutieren die ungute Gelände der modernen Musik und probieren Sie einige der fortschrittlichsten Ausrüstung zur Verfügung.

Als Musiker Tipp-toeing spielerisch entlang der analog/Digital Divide Metronomy zusammenzufassen Popmusik konfliktreiche Beziehung zur Technologie. In der Mitte der 2000er Jahre, sie waren der Inbegriff eines elektronischen Aktes: drei Jungs hinter elektrischen Keyboards, spielen auf einem Laptop Backing-Tracks. NME beschrieb ihr zweite Album als "ein Electro Record" mit "synthetischen Tetris Wonk-Pop" und "Psycho Geschwindigkeit-Synths", und sie wurde berühmt für die Ausführung mit druckempfindlichen Lichter um die Brust geschnallt: eine komische Note, die schien zu verkünden, dass sie ein Band des digitalen Zeitalters, und keine Angst vor darüber lachen waren.

Seitdem Metronomy scheinen jedoch stetig zurück in der Zeit bewegt haben. Nach der Rekrutierung ein Schlagzeuger und Bassist im Jahr 2009, begann die Band erscheinen in passenden Uniformen – Reich Burgund Blazer, weiße Sporthose gedrückt – als ob beschwören Erinnerungen an die Versuchungen oder frühen Beatles Fotos und ihre Musik auf eine Tönung mehr Zeit nahm. Die Transformation gipfelte in der Veröffentlichung ihres vierten Albums, letztjährigen Love Letters.

"Ich denke, die paranoide Teil von mir gedacht, dass Menschen Vorurteile über eine Band wie Metronomy, hatte", sagt Frontmann Joe Mount, ", dass wir nur eine"moderne Band"waren, dass jeder diese Art von Musik machen konnte." "Ich wollte etwas, mich auch zu beweisen." Bestehend aus 10 Rowdy, Sehnsucht Liebeslieder, jeweils aus einem einzigen aufgezeichnet, Love Letters wurde aktualisiert am: Toe Rag, ein Studio in Ost-London, ausgestattet mit antiken 8-Spur-Kassettenrekorder, ein Mischpult aus den späten 1950er Jahren und keine Computer-Bildschirme überhaupt. Eine seltsame Leistung für eine Band einmal als Teil der "Nu-Rave" Szene.

Mount gibt zu, dass Liebesbriefe war "vorsätzlich rückwärts"-ein reaktionär experimentieren in unentrinnbar Digitalzeit – und viel Popmusik die gleiche Weise beschrieben werden könnte. Ein Medium im ständigen Streben nach einen neuen Sound, Pop erfordert ständige Innovation, aber es kann auch sein zutiefst nostalgisch, sogar in seiner Haltung auf die gleiche Technologie, die es ermöglicht, zu entwickeln. Rock-Musik stützt sich auf die grobe Gusto der Ventil-Amps und Gitarren der 50er Jahre; Haus-DJs streben für die heimische Vinyl-Sounds der 80er Chicago; Hip Hop verehrt, und ständig Proben, eine eigene Oldschool.

Dank des Internets und die rasanten Entwicklungen im Bereich Software, ist fast alle Popmusik jedoch geschrieben, aufgenommen, produziert, ausgestrahlt und auf Computer verbraucht. Digital audio Workstation (DAW) Software wie Avid Pro Tools oder Apple Logic Pro – die Maschinenräume der meisten Tonstudios – erlauben Benutzern, gleichzeitig mehr als 100 Audiospuren bearbeiten, Tonhöhe und Timing anpassen und fügen Sie eine unendliche Vielzahl von Effekten. Unmengen von Instrument Proben und Software-Synthesizer heruntergeladen werden, für einen Hungerlohn, die dem Laien Ohr zumindest aus echt kaum erkennbar sind, und moderne Musiker üben als wahrscheinlich verbringen ihre Zeit mastering Lexicon PCM Native Reverb, wie sie vielleicht ihre Finger-Picking.

Sogar eine Aufzeichnung wie Liebesbriefe, aber analoge und geschontes-mit, werden die meisten Hörer als MP3, seine analoge Wellenform übersetzt in eine binäre, digitale Signal erreicht haben. Viele moderne pop-Songs könnte mit Sepia-Ton Fotos geschossen auf die neueste digitale SLR verglichen werden; erstellt durch anspruchsvolle digitale Innovation, sondern künstlich getönt mit dem Gefühl einer analogen Vergangenheit. In der Tat ist oft die neueste Technologie im Dienst der alten, setzen, wie Software-Instrumente und digitalen sound Modellierung bemühen, Vintage Jazz-Orgeln, alte Mikrofone oder das unaussprechliche Ding namens "the ' 80 s" neu zu erstellen.

Metronomy kennen dieses Paradox, und obwohl Liebesbriefe der Band ihre höchste Chartposition bisher verdient, hat nicht der Erfolg des Experiments machte sie Ludditen. "Es war kein Armutszeugnis für die digitale Aufzeichnung," sagt Bassist Olugbenga Adelekan, "Es war nur eine andere Herausforderung". Weit davon entfernt, anfangs über Vintage musikalische Prozesse, Metronomy sehen ihre Karriere als ein sorgfältiger Verhandlungen über die Grenze zwischen ihren musikalischen Wurzeln und die unvermeidlichen Grenze des neuen. "Sie können nicht aufhören," sagt Adelekan, "so gibt es keinen Sinn, es darum zu kümmern."

Neben der Entwicklung von DAWs wie Pro Tools und Logik, die kostengünstiger und effizienter jedes Jahr wachsen, ist digitale Entwicklung gekommen, um an fast jeder Ecke des Musikers Routine zu tragen. Auf der Bühne, eine Band mit einem klassischen Gitarre-Bass-Schlagzeug-Setup auf winzigen, verlassen könnte, ausgestattet in-Ear Monitore, jeder läuft auf einer eigenen Frequenz von einem digitalisierten sound-Modul. Die Lautsprecher unter ihren Verstärker mit simulierten Entsprechungen ersetzt werden könnte, oder Verstärker mit insgesamt anstelle von raffinierten Klang-Modellierung Software beseitigt werden könnte. Instrumente selbst Digital ergänzt werden könnte: Selbstoptimierung Mechaniken der Gitarren, Hybrid-Trigger Compoundierung Trommelfelle, Tonhöhenkorrektur und EDV-gestützte Verzögerung auf den Gesang.

Die anhaltende Sorge ist, dass zu viel von dieser Technologie zum Preis von Authentizität kommt. Für seinen Film 2013, Sound City, der ehemalige Nirvana-Schlagzeuger Dave Grohl montiert eine Clique von eingefleischten Rocker, darunter Mick Fleetwood und Neil Young, beklagen die Weitergabe eines traditionellen Tonstudios, Schuld insbesondere den Aufstieg von Pro Tools für die Trocknung von Fonds und den Tod der Seele im Rock ' n ' roll. Eine Befragte Person geht sogar so weit zu sagen, die DAWs "ermöglicht Menschen, die kein Geschäft Wesen in Bands oder Sterne in der Musikindustrie zu werden", aber diese Haltung setzt voraus, dass die vor-digitale Zeitalter zur Verfügung gestellt der optimalen Bedingungen für die Musikindustrie zu gedeihen. Adelekan ist weniger zielstrebig: "Ich fühle als Berufsmusiker, Schicksal und Trübsinn über den Tod der Branche – ist einer der Gründe, warum wir soviel Tour, weil wir weniger Geld aus Musikaufnahmen – aber was wir wirklich meinen, ist der Tod gewissermaßen, dass Leute Musik konsumiert haben, ist nur ein kleiner Ausrutscher in das Gesamtbild : der Tod des mid-20th Jahrhundert Plattenfirma Modells. "

Auch Anna Prior, Metronomy Schlagzeuger, der sich selbst als die Band "mindestens" Elektronikkomponente beschreibt, ist philosophisch über die Zukunft der Musik. "Ich fühle, dass, wenn Sie eine Idee für ein Lied haben und es irgendwo, in dir – tief in Ihrem Kern, Ihr Gehirn, dein Herz, irgendwo herkommen hat – und Sie die Möglichkeit haben, dieses Gefühl auf jede Art von Instrument zu übersetzen und erstellen Sie ein Musikstück, das authentische,", sagt sie. "Es spielt keine Rolle, wenn es alle elektronischen ist oder alle analogen oder Bits und Bobs von beidem."

Metronomy unterstützen werden Unschärfe im Hyde Park am 20. Juni im Rahmen der British Summer Time festival .

Joe Mount – Sänger und songwriter

Testing: Waldorf Zarenbourg und Helicon Voicelive 3

Arbeit in analog auf Liebesbriefe war teurer und viel mehr technisch anspruchsvoller als Digital aufzeichnen, aber funktioniert auf diese Weise merkt man, wie viel sich verändert hat.

Wenn Sie Digital aufzeichnen, haben Ihre Aktionen Konsequenzen; Sie können alles versuchen und haben so viele "Rückgängig"-Taste-Hits als Cache oder Ihre Start-CD können. Das ist eine erstaunliche Sache, es bedeutet, Sie haben keine Angst zu experimentieren, aber in gewisser Weise ist es bedeutungslos, wenn Sie es anders erlebt haben.

Da das Studio mehr Software basiert nun Leute sind nicht wirklich entwerfen Instrumente für die Aufnahme, und neue Tastaturen, sind zum Beispiel oft auf Leistung ausgerichtet. Der Waldorf Zarenbourg ist eine wirklich geniale live Tastatur und es sieht unglaublich, aber, sobald Sie ihn einstecken, aufnehmen, es schien alles sehr markanten, bieten während der berühmten Stadium Klaviere der 50er und 60er Jahren, ein Wurlitzer oder Fender Rhodes, uns eine ganz andere Dynamik gab. Das wichtigste für mich über ein neues Instrument ist, dass es für Menschen, die versuchen gemacht zu erfassen und Freigeben von Musik, denn so wird es mehr als nur ein lustiges Spielzeug.

Als ich mit Logik gab es-Plug-ins, die Sie kostenlos bekommen anfing, dass Sie nicht mehr bekommen, und wenn Sie die Mühe, sie zu finden machen Sie wieder erkennen, haben sie ihre eigene Qualität. Es gibt eine aufkeimende Welt von Software, die fast Sammler – Retro-Software – immer ist und diese Plug-ins sind die moderne Alternative zum klassischen Instrumente. Gibt es eine Soft-Synth [digitale audio-Workstation] für Ableton genannt NI Massive, zum Beispiel, das ist im Grunde die Soft-Synth, die geformt EDM (elektronische Tanzmusik)-Produzenten wie Skrillex drauf verlassen. Das ist das seltsame: Massive geworden das Äquivalent der [80er Jahre Synthesizer] Roland Juno 60 – ein moderner Klassiker – aber es gibt nirgendwo, im Inneren des Computers.

Ich fühle mich genauso über Tonhöhenkorrektur und vocal-Effekte. Jemanden, der selbst ein Fan von Musik hält die Helicon Voicelive sehen und sagen: "Oh das ist nicht sehr authentisch" oder "Eurgh! Warum würden Sie das tun wollen?", aber ich denke, Auto-Tune ist ein weiteres gutes Beispiel für ein"moderner Klassiker"in der Software. Es wurde erfunden, um sehr subtil eingesetzt werden, halten Menschen in Einklang, sondern Sänger wie Cher und Produzenten wie Brian Higgins in etwas verrückt herausstellte offensichtlich, und jetzt ist es einen legendären Klang.

Olugbenga Adelekan – Bass, keys

Testing: Roli Seaboard und Continuum Fingerboard

Menschen sprechen über die Suche nach einer neuen, bahnbrechenden Musikinstrument, aber es ist tatsächlich passiert. Computer und DAWs wie Ableton Live haben völlig verwandelt die Musiklandschaft und verändert die Art der Musik, die wir, wie wir wir denken über Musik und hören sie Musik, komponieren hören. Als Musiker müssen wir über die Art und Weise anders denken Menschen wird uns, zu hören, so, wenn wir ein neues Album veröffentlichen wir akzeptieren, dass da die meisten Spotify verwendet wird, ist es sehr unwahrscheinlich ist, dass Menschen auf diesem Album Anfang bis Ende zu hören. Diese Situation hat Live-Shows einen sehr wichtigen Teil von Metronomy gemacht; bekommst du 45 Minuten Menschen auf ein Album-ähnliche Reise zu nehmen, die sie wahrscheinlich zu Hause erleben würde nicht.

Es ist immer interessant, die neue Ausrüstung, die dabei helfen kann, und ich denke die beiden ich getestet-Roli Seaboard und Continuum Fingerboard-Tasteninstrumente sind interessiert, wie ihre Schnittstellen revolutionär sind. Das ist, was macht Sie anders und auf diese Weise können Sie auf Dinge, die Sie sonst gefunden habe, würde nicht getroffen zu spielen.

Die Roli ist einfacher, mit zu beginnen – Sie können einstecken, installieren die Software und spielen innerhalb von fünf Minuten. Es hat eine weiche, kontinuierliche Oberfläche, sondern hat Tasten wie ein Klavier, angehoben, so dass es mehr ansprechbar ist. Es dauert etwas gewöhnungsbedürftig, auch sein mag – das Gefühl, es zu spielen wie Eindrücken in jemandes Bein.

Beide haben ein hohes Maß an Optimierung, so dass Sie viel mehr Parameter – wie laut und leise zuordnen können, sind sie, wie sie reagieren auf die Art und Weise, die Sie spielen, ob sie vibrieren, wenn Sie sie gedrückt. Sie können die Form des Klangs durch den Druck auf die Tasten und wie Sie schieben Sie Ihren Finger nach oben und unten das Board steuern. Das Kontinuum ist sogar stärker als die Roli – Sie können drei verschiedene Achsen der Fingerbewegung Parameter zuweisen: oben und unten, links und rechts, vor und zurück. Es ist sehr techy – das Handbuch ist voll von mathematischen Gleichungen – aber es gibt viele Presets, die Sie kennen und erfahren dann anpassen können. Es ist ein ähnliches Konzept zu eine modulare Synthesizer, Customizing aber kann man viel, viel weiter nach unten in die Funktionsweise, den Klang zu manipulieren, und ich denke, es wäre besonders nützlich für Sound-Designer und Soundscape Künstlern.

Sie sind beide interessanten Ergänzungen zu einem Musiker, aber ich weiß nicht, ob sie sind genau verdrängt, was vorausgegangen ist, und hast du zwei grand verbringen auf einem Kontinuum Sie wahrscheinlich ganz schön Klavier schon.

Keiner von uns sind analoge Puristen, aber wenn es um neue Technologien geht, musst du einen Weg der Verwendung finden, der ist nicht selbstverständlich, die einen individuellen Charakter, es hat. Das ist alles es ist, ob es ein Klavier, eine Stratocaster oder ein Kontinuum Griffbrett ist: sind Sie eine Art von Persönlichkeit durch sie projizieren, oder sind Sie nur dahinter versteckt?

Anna Prior – Schlagzeug, Gesang

Test: die Porter & Davies BC2 und Roland Hybrid Trigger

Ich bin im Zweifel, als auch über die Tronical Roboter-System-tuning. Wir waren erstaunt, als wir zum ersten Mal Herumspielen mit ihm, und ich habe keine gegen die Idee von automatischen tuning Einwände – ich glaube nicht, dass es ungesund ist. Ich jedoch etwas befürchten, dass die Technologie nicht ganz hundertprozentig zuverlässig noch sein könnte. Nach einer Weile fing es reagiert weniger schnell, so dass ich weiß nicht, ob ich auf ihn auf der Bühne verlassen möchte. Trotzdem, glaube ich, dass dieselbe Technologie, in einer anderen Weise verwendet oder näherte sich mit einer anderen Einstellung etwas wirklich cooles einem Gitarristen könnten – Umschalten zwischen Stimmungen und driften in die und aus der Melodie. Sie können es selbst, also programmiert werden vielleicht, die ist, wo es noch spannender wird.

NEUE GADGETS, DIE MUSIKALISCHE ZUKUNFT IN IHR ZIMMER ZU BRINGEN

Korg Cliphit , £99

Handeln wie eine DIY Hybrid drum-Kit, die Cliphit kommt mit drei wenig gefederte Sensoren, verdrahtet bis zu einer kleinen zentralen Kuppel. Durch das Anbringen der Clips, die Sie wiederum Ihre nahe gelegenen Möbel, Geschirr, Verwandten usw. in Funktionsweise Schlagzeug, mit 11 voreingestellten Kits zur Auswahl. Das Gerät verfügt über eine eigene Lautsprecher, aber Sie könnte es in eine Stereoanlage laufen, wenn Sie wirklich Ihre Nachbarn verachten.

Keith McMillen QuNeo , £159

Viel können wie jede andere kleine MIDI-Controller, die Tasten auf der QuNeo zum Auslösen Sounds über USB von einem Computer oder Tablet programmiert werden. Was es auszeichnet, ist die Tasten selbst, die sind sehr empfindlich und reagieren auf Druck und Multi-Touch und um mehrere separate Funktionen unterteilt werden können.

Jam Hub , £360

In einer Band aber wollen nicht zu £20 pro Stunde in einem Kerker Elend, Lager-gefärbten Proben bezahlen? Der Jam Hub ist ein Raumalter Halbmond Arbeitsstation, die bis zu sieben Personen einstecken und Proben zusammen tragen Kopfhörer ermöglicht. Jedes Bandmitglied kann ihre eigene Mischung perfekt eliminiert das Risiko von "Volume Wars". Keine zu gesellig, obwohl.

Jamstik £219,95

Die Jamstik ist ein bisschen wie eine e-Gitarre mit dem Körper aus gehackt und den Hals in zwei Hälften geschnitten. Es hat echte Saiten und Fingersatz über seine fünf Bünde mit Infrarot-Sensoren erkennt, gibt es etwas von seinen Vorgängern. Eine interessante Ergänzung in der Welt von MIDI-Controllern, die dominiert wird von Tastaturen und Probe-Pads.

Kleine Stückchen synth , £99

Lagerten sich an Kinder, ist das kleine Stückchen Synthesizer Kit eine wunderbare Einstiegspunkt für alle, die neugierig auf die interne Schaltung eines analogen Synthesizer. Die Komponenten, die magnetisch zusammenpassen, basieren auf die Elektrik im klassischen Korg Synthesizer und umfassen einen Step-Sequenzer und zwei Oszillatoren. Wie eine Chemie für musikalische Getriebeköpfe festgelegt.

Novation Launchpad Mini, £69

Der Markt überschwemmt mit speziell entwickelten Controller für Ableton Live, der Hüfte, bunte DAW Geliebte des DJs und Produzenten zu leben. Dies ist eine der billigsten und einfachsten – ein Raster, das ordentlich mit der Software synchronisiert deren 64 Pads können als Sequenzer, Trigger und Schieberegler handeln.

Teenage Engineering Pocket Operator , £49

Diese ausgezogen-Back, Rechner-Größe digitale Synths, entwickelt in Verbindung mit einer schwedischen Denim-Marke, sind weniger frivol als sie aussehen. Billig und sehr funktionell, können sie zusammen, um Beats, Bass und eine Leitung Linie verkettet sein. Die Funktionen des Synth werden in twee Karikaturen visualisiert.

IXY Mikrofon Rode , £139

Dieses paar senkrecht gerichtete Kondensator Mikrofone hilft Sie den Großteil der beeindruckende audio-Software zur Verfügung stellen auf iOS, Bereitstellung von professioneller Qualität Stereo-Input in einer dauerhaften, störsicheren Einheit. Es ist teuer, aber es ist sehr effizient für die on-the-Fly-Aufnahme. Nützlich für Journalisten, zu.

Yamaha THR10 , £217

Dieses hübsche "Desktop-Amp" ist die Größe des einen Laib Brot, aber deutlich höheren Tech. Es gibt ein Stimmgerät, Metronom, USB-Eingang und on-Board-Einstellung Speicher, aber die Hauptattraktion ist die "Amp-modelling", imitiert die klassischen Ventil Verstärker. Ein Drehknopf und – theoretisch – wird es sofort einen Fender Twin, ein Marshall Plexi oder sogar einen Bassverstärker.

Pedaltrain Volto , £79

Eine geniale und diskret auf der Bühne Lösung kann diese winzigen weißen Batterie macht eine Kette von fünf Gitarren-Pedale für bis zu 36 Stunden Leben leichter zu machen, denn wer Weg von einem Stromnetz zu spielen will. So ist es ideal für den Tourbus, oder ein Festzelt oder Sie wissen, das Tor von Superdrug am Samstagnachmittag. Bist du große Zeit.