Gilbert & George: Leben in der Kunst

"Leute sagten Sie nicht ihre Kunst kaufen, weil sie nicht zusammen sein sehr lange. Jeder teilt sich, nicht wahr? Aber wir haben nicht "


" Mann Frau. Mord." Gilbert beginnt zu intonieren. "Addict. Erdrosselt. Vergewaltigung." "Perverser", wirft George, "Selbstmord. Angriff." Es ist fast beruhigend zu hören, Gilbert und George über ihre aktuelle Ausstellung, London Bilder sprechen, die in allen drei White Cube London Galerien nächste Woche im Rahmen einer Weltreise 13 Galerie öffnet. Die Show besteht aus 292 Bilder basierend auf den 3712 Zeitung Verkäufern Plakate sie in den letzten gestohlen haben sechs Jahren – "Wir haben sie gezählt am Ende" – durch Überschrift Worte zusammengefasst und in ihren Entwürfen Marke Raster angeordnet. "Und wenn Sie beginnen zu sehen, die Worte zusammen – Schule." Geheimnis. Rohr – beginnen Sie, die außergewöhnlichste Stadtbild von London zu sehen. Und nichts davon ist erfunden. Das sind echte Menschen."

Ihre Arbeit hat lange auf die Schönheiten, die Schrecken und die Beschäftigungen des Lebens rund um ihre Ost-London-Haus abgestimmt wurde. Die Route zum kurdischen Restaurant wo sie gewöhnlich Essen passiert einem großen Wohnblock. "Manchmal sehen wir einen Polizisten oder eine Frau eine Tür läuten. Sie denken "Mein Gott. Was ist geschehen? " Das wäre ein Albtraum Generationen nachhaltig. Der Tod. Tragödie. Haft. Sie sagen, dass die Scham, ein Mitglied der Familie ins Gefängnis für drei oder vier Generationen dauern kann. Was sagen Sie die Schule? Was sagen die Nachbarn? "Und alle, die mit einem Wort auf einem Plakat Zeitung erfasst werden, das dauert nur einen Tag, bevor etwas anderes daherkommt und sie ersetzt."

In einem Schritt weg von der bunten Arbeit, die sie für den letzten Jahrzehnten produziert haben, verwenden Sie die London Bilder nur schwarz, weiß, rot und US-amerikanische. "Es kam zu uns mit brutalen Einfachheit. Das einzige, das alle Plakate united war die Menschheit, und so wir Fleisch Farbe hinzugefügt." Bestimmten Farbton des Fleisches, ist natürlich im Wesentlichen die Farbe ihres Fleisches und Bilder der beiden Männer lauern hinter den Texten, da sie in weiten Teilen ihre Arbeit in den letzten 45 Jahren erschienen sind.

Ihre unverwechselbare Optik, Gegenstand und Neigung, Bilder von sich selbst in ihrer Kunst zu verorten ist sichergestellt, dass Gilbert & George gehören zu den wenigen Künstlern, die Anerkennung durch die Öffentlichkeit zu genießen. Wenn sie außerhalb ihrer Heimat sie durch die Kunsttouristen fotografiert werden, die neu gentrified Bereich heimsuchen Spitalfields Wagen. Es gibt Fan Graffiti an den Wänden gegenüber ihrer Haustür. "Wir sind sehr stolz darauf,", sagt George. "Die Leute sagen Hallo. LKW-Fahrer rufen Sie uns an. Eines dieser riesigen LKW liefern Stahl einmal beendet und dieser mittleren Alters Skinhead rief aus dem Fenster "Oi. Mein Leben ist ein Moment, ficken, aber Ihre Kunst ist eine Ewigkeit "."

Die Formen und Themen dieser ewige Kunst wurden viele und verschiedene im Laufe der Jahre seit ihrer ersten als Studenten an der St. Martins School of Art im Jahr 1967 Begegnung. Sie begann als "lebende Skulpturen", manchmal ihre Gesichter bedeckt in metallic-Lackierung, singen Flanagan und Allens Musikhalle klassische "Underneath the Arches". Ein Stück 1969 "Magazin Kunst" genannt "George die Fotze und Gilbert die Scheiße", gab ersten Hinweis auf ihre Fähigkeit, Schock, sowie zuvor die mögliche Kritik, die gegen sie gerichtet sein könnte. Sie machten großen Kohlezeichnungen – die sie dennoch Skulpturen beharrt – basierend auf Fotos von sich selbst waren. Sie weiter erforschten Tabu Sprache und Bilder, da sie in Filmen zogen und Fotografie richtig durch die sie, mit zunehmenden grafischen Klarheit, gefunden in der Nähe ihrer Ostende Basis wie Arbeiterklasse Jugend, Einwanderung und Obdachlosigkeit sowie Aspekte von sich selbst einschließlich mikroskopische Aufnahmen von Blut, Sperma und Kot, oft begleitet von Bildern von sich selbst in ihrer Marke passenden Themen sondiert passt , oder in unterschiedlichem Maße von auszuziehen.

"Wir haben zwei wichtigsten Privilegien", sagt George. "Wir können verriegeln die Tür des Studios und Bilder, die sagen, genau das, was wir wollen. Dann nehmen wir Sie sie heraus in die Welt und niemand kann sagen, nicht dieser oder jener nicht. Sie können nicht einige dieser Gedanken auf der Straße schreien. Sie würden verhaftet werden." "Aber es ist alles Teil der Sprache der Menschen", sagt Gilbert. "Menschen erfuhren, dass Scheiße schockierend war. Scheiße ist nicht schockierend."

Ihre Arbeit hat ordnungsgemäß ausgelöst, mehr als seinen Anteil an beide real und manchmal hergestellt Empörung, und ihre bekennenden Konservativen Sympathien haben gleichermaßen auf innerhalb der Welt der Kunst verpönt. Aber mehr als oft nicht sie kommerziellen und kritischen Erfolg sowie Einrichtung Anerkennung genossen. Sie gewann 1986 den Turner Prize und das Vereinigte Königreich an der Biennale in Venedig 2005 vertreten. Die Royal Academy suchte einmal juristische Ratschläge, ob es zwei Personen für eines seiner begrenzten Mitgliedschaften zugeben könnte. "Alle zwei Jahre Telefon sie um zu Fragen, ob wir Mitgliedschaft akzeptieren würden", erklärt George. "Wir sagen"Fragen Sie uns. Schreiben uns und wir Antworten". Aber sie sagen, dass es nicht wie das funktioniert. Sie müssen sagen, Sie akzeptieren und dann werden sie Sie bitten. Nicht sehr ehrlich, ist es? "

Im Jahr 2007 wurden sie zum Thema eine große Retrospektive der Tate Modern. "Wir fühlten uns wir es verdient", sagt Gilbert. "Aber wir wollten es in der rechten Ecke Tate, nicht den falschen Tate." Als die Idee zuerst vorgeschlagen wurde, wurde ihnen gesagt, dass Tate Modern nie einen britischen moderneren Künstler gezeigt und keine Pläne hatte, dies zu tun. "Dann wussten wir, dass wir auf eine Reise. Wir hatten etwas zu schlagen. Und wir gewannen durch durch langsame Zureden. Wir haben es schwer für sie, Nein zu sagen, weil Museumsdirektoren hasse keine im Falle zu sagen, was sie in Zukunft falsch bewiesen werden."

Sie sagen, dass sie nicht in der"rassischen" zwei Tates glauben. "Sie Kunst von Passport, nicht tun können", sagt George. "Gilbert ist aus Italien, Lucian war aus Deutschland, Francis Bacon wurde aus Irland. So hier ist die Welt der modernen Kunst. Und sie haben eine Entscheidung über zwei Gebäude, die für immer gefickt werden. Eine Katastrophe. Zeigen, sagen wir, eine Postkarte von Caro Skulptur niemandem trefft ihr auf der Straße und sie werden sagen, das ist moderne Kunst nicht britische Kunst. So sollte es im Tate Modern bestimmt." "Jeder englische Künstler, eine Ausstellung in der Tate Britain hat, zwei Wochen später abgeschlossen ist", sagt Gilbert. "Es ist der Kuss des Todes." Haben Sie Tate Modern, muss dem andern Tate altmodisch sein. Sie versuchen zu sagen, dass sie nicht wirklich in der britischen moderne glauben." Es ist ein Thema, das lange George ausgeübt hat. "An meinem ersten Kunsthochschulen kam die Kunst nur aus Weinbau-Ländern. Lehrer erwähnt nie einen Künstler aus dem Norden. Sie konnte nicht später ein Künstler sein, es sei denn, Sie aus New York wurden. Das fühlte sich schrecklich. In diesem Sinne war zu sagen, dass Sie Englisch und Künstler sind eine neue Idee."

Dieser Verweis auf seine frühen Kunstleben – er listet nur halb im Scherz seinen Teenager Einflüsse wie "Jesus, Mutter, Van Gogh und Terry-Thomas" – erinnern uns daran, dass während G & G im Jahr 1967 geboren wurde, es eine Zeit vor Gilbert und George gab. In der Tat George Passmore wurde 1942 in Plymouth geboren und wuchs in Totnes in Devon. Er hatte einen abwesenden Vater, larger-than-Life Mutter und einen älteren Bruder, wurde von Billy Graham zum evangelischen Christentum konvertiert und wurde Pfarrer. (Einige Jahre später "gespeichert sein Bruder" ihre vermissten Vater wenn er Christ wurde.) Georg verließ die Schule mit 15 in einer lokalen Buchhandlung zu arbeiten, aber nahm Kunstunterricht in den Abendstunden an den progressiven Dartington Hall School wo Lucian Freud gewesen war ein Student vor dem Krieg. Seine Anlage zum Zeichnen und malen aufgefordert eine Einladung zu einem Vollzeit-Student und der Plan war für ihn, auf der Bath Academy of Art in Corsham weiterzugehen, wo Howard Hodgkin ein Tutor war. Corsham lehnte ihn und London, wo er verschiedene Jobs-arbeiten in der Selfridge, in einer Varieté-Bar und als Tagesvater – vor der Einschreibung an der Kunst Schule Oxford Fachschule unterwegs, Ankunft in St. Martin im Jahr 1965 hat, George verlassen.

Gilbert Proesch wurde 1943 in einem Dorf in den Dolomiten in Norditalien geboren. Er entstammte einer Familie des Dorfes Schuhmacher und seine frühen Kunst offenbart sich durch traditionelle Alpine Holzschnitzerei. Er besuchte die Kunstschule Wolkenstein in das nächste Tal zu sich nach Hause und dann, statt die erwartete Route Süd nach Florenz oder Venedig weiterhin seine künstlerische Ausbildung, wandte sich nach Norden an die Kunstschule in der mittelalterlichen Stadt Hallein bei Salzburg in Österreich bevor ich auf die Kunstakademie München wo er sechs Jahre lang studierte.

"So sind wir sehr in hohem Grade ausgebildet", sagt George. "Wir haben sieben oder acht Jahre naked Ladies", fügt Gilbert. Aber es gab wenig Anhaltspunkte für ihre traditionellen Hintergrund mit der Zeit trafen sie auf St. Martin auf seinem berühmten Skulptur-Kurs ist. "St. Martin war ein besonderer, denn kurz, es die berühmteste Kunstschule in der Welt war. Und dieser Abteilung im besonderen. Es gab Fernsehteams aus Venezuela. Wir fühlten uns sehr arrogant über dort zu sein. Wir fühlten uns sehr geehrt." Aber Gilbert und George, zusammen mit einigen Kommilitonen wie Richard Long und Barry Flanagan, gegen die Orthodoxie der Zeit reagierten, vielleicht am besten durch Anthony Caros großen abstrakten Werke, gekennzeichnet und eine frühe Produkt ihrer Partnerschaft eine gemeinsam inszenierten Diplom-Show auf zwei Tabellen in einem Soho-Café war: "Aber wir Ihnen Tee und Sandwiches, als sie dort ankam." Später fotografierte sie sich halten, Skulpturen vor der Realisierung, die sie die Skulpturen nur entfernen konnte den Menschen verlassen. "Es war unsere größte Erfindung. Wir hatten uns das Kunstwerk gemacht."

Der Widerstand gegen diese Strategie enthalten St Martins schreiben für potenzielle Sponsoren Beratung, die nichts mit ihnen zu tun. "Und wir fühlten uns sehr stolz", sagt George. "Wir wussten, dass wir auf eigene Faust. Es war schwer, aber das ist, warum zwei ist eine gemeinsame Vereinbarung. Es macht dich stärker. Leute sagten Sie nicht ihre Kunst kaufen, weil sie nicht zusammen sein sehr lange. Jeder teilt sich, nicht wahr? Wir aber nicht. Es war uns gegen die Welt, die einzige Galerien ausstellen zur Zeit nur minimal waren. Figürlich durfte nicht wirklich. Farbe war tabu. Emotionen waren Tabu. Alles hatte einen Kreis oder ein Quadrat oder eine Linie sein. Und grau oder braun oder schwarz oder weiß. " "Und wir selbst zu sein in der Arbeit war nicht mochte," ergänzt Gilbert. "Das ist jetzt nicht der Fall, jeder ist in ihrer Arbeit. Aber dann waren wir zwei wie eine Festung. "Sie werden irgendwie unantastbar."

Die genaue Art ihrer Beziehung seit langem eine Quelle der Spekulation, da zusätzliche Würze in den 90er Jahren, als sich herausstellte, dass George hatte als junger Mann verheiratet gewesen und zwei Kinder hatte. Im Jahr 2008 Gilbert & George eine zivile Partnerschaft eingegangen, aber sie sagten damals dies war in erster Linie mit dem praktischen Geschäft schützen die anderen Interessen zu tun, wenn einer von ihnen sterben. Auch ihr Freund und Biograph, der späten Daniel Farson Schluss in seiner Studie von 1999, die "ehrlich gesagt, ich habe keine was vor sich geht Ahnung".

Und alles andere als schwul Sprecher sie sagen, sie "genau das Gegenteil". Sie lehnen ihre Arbeit als Homo-erotischen, behaupten es nur "erotisch" bezeichnet wird. "Sex ist nur Sex. Wenn Sie, für ein Steak in einem Restaurant Fragen nicht gefragt, ob es ein Mädchen oder ein Junge ist." Das heißt, sie beschwerten, als ein Kritiker sagte, dass bei St Martin sie sich lebende Skulpturen genannt während "jeder, der Augen im Kopf sehen konnte, dass sie eigentlich zwei fruchtig Schwule in Anzügen waren". "Ich rief den Editor, nicht der Schriftsteller", sagt George, "und sie sagte, dass es als Kompliment gemeint war. Ich sagte "Frau, du bist ein Lügner. Guten Tag. " Aber ich nehme an, dass es eine andere unsere Schlachten in einer Art und Weise ist. Also, warum nicht. Wir beschäftigen uns mit allem."

Im Jahr 1970 wurden sie eingeladen, einige ihrer Holzkohle Werke in Düsseldorf zeigen. "Die Händler gefragt, des Preis und nicht für eine Sekunde denken, dass jemand es kaufen würde, sagten wir ziemlich groß-headedly,"£1000". Am nächsten Tag verkaufte er das Schiff. Wir waren begeistert und hatten genug Geld, um für ein Jahr daneben benehmen." Bald, nachdem sie ihren Gesang-Skulptur in Brüssel in einem geliehenen Teil einer Galerie – durchgeführt "würde es heißen einen Pop-up-Raum nun" – und wurden aufgefordert, an Ort und Stelle, Ileana Sonnabends neuen Galerie in New York führte zu das NYPD zu steuern, die Massen in einem der ersten Innenstadt Kunstevents öffnen. Zu dieser Zeit lebten sie in der Fournier Street-Haus, das sie seitdem beschäftigt haben. Sie sagen, wenn sie das erste Haus gekauft im Jahr 1972 bekamen eine kostenlose Studio auf der Rückseite, als später erweitern wollten, und kaufte das Studio nebenan sie effektiv ein frei Haus.

Die Änderung in der Nachbarschaft wurde in den vergangenen 40 Jahren tiefgreifende – "Wir kennen Leute, die hier leben und wer war noch nie in Oxford Street. Es ist nur ein paar fern und langweiligen Ort."– und die Transformation der Kunstwelt wurde ebenso dramatisch. "Wenn wir waren Baby Künstler, Sie könnten Menschen auf der Straße Fragen, um ein Künstler zu nennen und sie möchte nur lange Toten; Michelangelo, Leonardo, Van Gogh. Wenn Sie sie fragte um einen lebenden Mörder nennen, würden sie wissen, zwei oder drei im Gefängnis. "Aber das hat sich alles verändert."

Sie sind einfach in ihrem bekehrenden glauben für Kunst im allgemeinen und Ihnen insbesondere. Am St.-Martins sie machten eine Schleife einfach sagen: "kommen zu sehen, eine neue Skulptur" Tonbandaufnahme und Marshmallows und Zigaretten verwendet, um Leute zu locken. "Wir haben das, denn ich erinnere mich Richard Hamilton hereinkommen und zu sieben Personen zu sprechen, weil niemand die Schüler gesagt hatte. Wir denken wie Elend. Wir wollten nie den Fehler machen. Zumindest machen Sie sicher, dass Menschen Ihre Arbeit kennen. Niemand hat ein Kunst-Event gehen, aber wir wollen sie wissen, dass es da ist, wenn sie gehen wollten. Und wenn Sie eine Ausstellung in einer Stadt und 20 oder 30.000 Menschen die Show zu sehen, Ihre Arbeit bleibt für immer mit ihnen. "sie werden ein bisschen anders als hatte nicht, wenn sie zur Messe gegangen."

Gilbert und George und ihre Arbeit sind auf der ganzen Welt einschließlich Reisen nach China gereist und Russland in den frühen 90er Jahren und die meisten Orte an anderer Stelle seit. "Wir waren vor kurzem in Danzig, wo nur die Idee, zwei Männer, ein Künstler noch etwas zu verschmerzen ist. Möglicherweise gibt es ein Gefühl von Menschen, die sagen "hier gehen sie wieder" in London, aber an anderen Orten fühlt es sich als Pionier als wir begannen. "

Die meisten ihrer frühen fotografischen Arbeiten wurde in der in der Nähe von verlassenen Küche in der Fournier Street. "Es war sehr primitiv", sagt Gilbert, "aber diese Stücke sind nun einige der teuersten. Und wir wussten nicht wirklich, wie es zu tun. Es war eine neue Art von Kunst, erarbeiten von negativen und Fotos zu machen. Damals bedeutete Kunst Ölgemälde, besonders für Museen. Um dieses neue Werk zu einer Kunstform zu machen dauerte Jahre."

Sie sagen von Anfang an, dass sie ein Auge auf die Nachwelt und der Vergangenheit gehabt haben. "Wir glauben nicht modern ist es allein. Wir haben eine Kunst zu machen, die in die Zukunft überleben wird, und unsere Bilder darauf vorzubereiten. Und zur Berücksichtigung der Vergangenheit ist wichtig." Nicht das sie in einer Nationalgalerie jahrelang einen Fuß gesetzt haben. "Wir wissen es alle,", sagt Gilbert. "Aber wir wollen das Leben vor uns und nicht diese Art von Gehirn-Verschmutzung inspiriert werden." Viele Künstler zu einer Galerie gehen und sehen ein Bild und dann Kunst. "Wir haben das nie getan." "Haben Sie in einem Museum ein Landschaftsgemälde, Menschen vorbei gleiten", sagt George. "Aber wenn gab es eine kleine Polizist am Horizont und ein Landstreicher in der Vordergrund masturbieren, dann wird es ein unglaublich interessantes Bild. Wir haben Gedanken und Gefühle in unseren Bildern, obwohl, die einen Preis haben. "

Die große Menge an Material, das die Bilder von London wurde die Vorbereitung war eine körperlich anstrengende Aufgabe, "aber Sortierung durch alle diese"Mann stirbt""Frau stirbt"verließ uns irgendwie verrückt", sagt George. "Da wir diese Bilder, die wir durch sie gelebt haben. Sie begann wirklich zu fühlen, diesen Tod. Aber es ist sehr wichtig, dass wir weiter die Wahrheit zu sagen, soweit wir es trainieren können. Wir machten dann Bilder und wir machen ihnen jetzt. Es ist sehr einfach. Wie werden wir morgen ist wie unsere neue Bilder werden. Aber es ist immer eine lange Reise, die anstrengend und lohnend sein kann. Aber am Ende davon, wir wissen es kommt eine Zeit, wenn wir uns stehen in der Mitte des White Cube, hält ein Glas Weißwein und wird überall von Jugendlichen leckte finden. Es ist ein magischer Moment, und das wird sein, dass."

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