Hedda Gabler; König Lear; Der Judas-Kuss – Rezension

Old Vic; Almeida; Hampstead, London

Hedda Gabler endet mit einem berühmten Knall hinter verschlossenen Türen. Werden würde nicht es, einem Freund einmal vorgeschlagen hat, Rippen, wenn die Türen auf einem Hedda, die Frustration nicht mit einer Kugel, sondern geöffnet durch knallende offen beendet hatte eine Flasche Champagner?

Er hatte einen Punkt. Das schreckliche ist mit der lächerlichen in Ibsen, Partnerstadt, wie Anna Mackmins spannende Produktion beweist. Aussteigen an der Hysterie und Absurditäten, die durch das Spiel führen, und unterstützt durch außergewöhnliche neue Version des Brian Friel, welche Fänge in einem Schwarm von Anachronismen, sondern macht den Dialog und die Aktion überspringen und gefährlich effet, Mackmin für Ibsen tut was viele Autoren (einschließlich Friel) und Direktoren für Chekhov getan haben: sie hebt ein Pall von Frömmigkeit und zeigt, dass ein rasche comic Touch als einen starken Auftritt als störend sein kann.

Sheridan Smith macht nicht so viel Verschleiß durch die Titelrolle als Klirren, Hinweis auf die Angst, die diese Frau zu einem Monster gemacht hat. Sie ist eine zierliche Dämon: ein verwöhntes Kind mit einer leichten Stimme, schnelle Bewegungen und festen strahlend, das aus dem Gesicht fällt, als sie alleine ist. Sie befasst sich, Mobbing und double entendre mit bissig Genuss: Es ist nicht nur ihr Name, die sie heraus als ein zukünftiger Star der Restaurierung Comedy markiert. Wie viele begabte Schauspieler, sie das scheinbar unmögliche reißt: sie macht Detail dominieren die Bühne. In Smiths Fall ist es ihre Augen: sie glitzern gigantisch und vieldeutig, erleuchtet von Bosheit, Freude und Tränen.

Die Behendigkeit und Wryness dieser radikalen Produktion werden durch Lez Brotherston Design, verstärkt in denen Wintergarten Zimmer mit Glas verkleideten Türen voller Licht und voller Hindernisse sind. Sie werden durch Paul Englishbys bedeutungsschweren Musik untergraben: Wellen für das Vergehen der Zeit, Smulchy Sounds in einen Kuss, beunruhigend Akkorde wie Hedda die Flammen des Ofens schürt. Sie sind mit einer tollen Besetzung gestärkt. Adrian Scarborough ist eine rührende, zum verzweifeln Tesman, geduldig Registrierung den Charakter der Scheuklappen Dumpfheit und zeigt Blitze von Comic-Flair: He Turns eines Friel der meisten übermäßige Episoden – eine extravagante Reaktion auf die Ankündigung von Hedda Schwangerschaft – in einem Hochgeschwindigkeits-Riff implantiert.

Dies ist eine Produktion, die deutlich zeigt, dass es nicht Hedda ist, wer das Spiel neue Frau. Fenella Woolgar Thea – offenbar klein und ängstlich (das ist um zu sagen, Arme) – ist eine beträchtliche Zahl: ängstliche und stählern. Sie beginnt unter der Leitung von wackeln Flut; Sie endet mit einer überraschenden Tat Stealth – eine außergewöhnliche, gerechtfertigt, undisclosable Ergänzung zum Spiel. Es ist eine der viele kleine explosive Handlungen hier praktiziert.

Es gibt Schauspieler, die Sie wachsen mit: Schauspieler, der Punkt, den Sie in Richtung Meilensteine in Ihrem eigenen Leben und wer Sie theatralische Meilensteine zu erkennen. Jonathan Pryce gehört zu jenen Akteuren für mich. Im Jahr 1980 wurde ich von ihm als einem Weiler im Besitz seines verstorbenen Vaters verzinkt; jetzt bin ich von ihm als Vater nahm seine Töchter gepackt.

Richard Eyres revolutionären Hamlet (mit Harriet Walter als Ophelia) hatte Pryce Ventriloquising ermordeten Königs, Raspeln väterliche Ermahnungen aus seinen eigenen Hals. Dann war er dünn und Glaubensleben. In Michael Attenboroughs vorsichtiger Produktion von König Lear ist er weitere Rollen, und seine Stimme ist tiefer, mit einen Haken, der dem Schluck von Emotion und eine beginnende Schlaganfall suggeriert.

Ken Loach hat festgestellt, dass es schwer zu glauben in einem Lear (z. B. John Gielgud) vermittelt, die kein starkes Gefühl des Seins ein Vater. Pryce ist ein aufmerksamer Vater, auch over-aufmerksamer, in der Tat fleischige sieht: er bis zu seinem älteren Töchter, Zoe Waitess Goneril fluchen, indem Sie auf seine Lippen auf Ihre und später Jenny Juless Regan geben die gleiche Behandlung nahe kommt. Nur Phoebe Fox zu offensichtlich pert Cordelia – ein bisschen von einer Frau – unbehelligt geht: kein Wunder, dass ihre Schwestern ärgern sie.

Dennoch ist die Macht über seine Leistung nicht abhängig von Konzept. Es ist mit den Erinnerungen, die ein verblassen Geist Klammern, zu tun. Er stottert schon früh in seinem zuckenden Todesahnung. Er geht wütend, dass er in der antiken Spiele zurück spielte er einmal mit seinem Narren. Diese Episoden sind besonders eindringlich, weil Trevor Fox Geordie Tor wunderbar ätzend und müde ist: er sitzet seine hohen Rahmen um Pryce, wie Efeu Runde einen Baum: Es ist ihm Lear spricht sein Plädoyer, dass er nicht verrückt gehen sollte. Als er die Bühne prophezeit Untergang geht, zieht seine Coxcomb Fox, als ob er selbst zu entdecken waren.

Diese Momente erstrahlen in einem festen, oft biederen Produktion. Tom Scutt Design umhüllt die Aktion in einem unsympathisch gemauertes Schloss, die gleichen Sepia-Tönen als die männlichen Leggings und Jerkins: perfekt für den Transport von feuchten dynastischen Dysfunktion, weniger gut, wenn Menschen auf Armen gegabelten Dinger reduziert werden und hoffnungslos, wenn es um Rasen zu sprießen beginnt. Die Meisterleistung des Designs ist Jon Clarks komplizierte Beleuchtung der Zeichen auf der Heide erfasst, als wären Blitz den Pinsel eines alten Meisters. In einem brillanten Punkt Pryce mit nur ein paar Zeilen von seinem Gesicht und Gliedmaßen mit Silber ausgesucht spricht: Es ist als ob seine Meinung waren seinen Körper in die eigene Dunkelheit ziehen.

The Judas Kiss ist ein subtiler und original Spiel als ich es vor 14 Jahren Kredit gab als Richard Eyre Liam Neeson als Oscar Wilde und Tom Hollander als Lord Alfred "Bosie" Douglas gerichtet. Es ist die Kargheit, die so überraschend ist. David Hare schreibt gegen den Strich seines Faches. Die Reden des endemischen Dramaturgen sind nie Früchtekuchen von Bonmots. Ein Leben, das vom Cafe Royal, Reading Gaol sped ist durch eine Szene im Cadogan Hotel (wo Douglas Wilde bleiben überredet und riskieren Verhaftung), und eine andere in Neapel, wo er ihn haben verwüstet, wildes Leben verlassen, zu sehen. Es gibt keine Fans – entweder Art – und einige gedeiht. Hase, wer das Spiel Teil einer Trilogie über "aufopfernde Liebe" sein soll, wird nicht betroffen, Wilde Bühne Äußerung zu replizieren, aber der Privatmann hervorrufen.

Neil Armfield Produktion ist eine gewaltige Show aber dezente Skript Hares überspielt. Rupert Everett Wilde und Freddie Fox Bosie sind üppig: Es gibt keinen Moment wenn sie sind nicht Nieten, aber beide Verhalten, als ob sie in eine Wilde spielen anstatt in diesein ausgeführt haben. Gebeugt, Dewlapped und magnetische, Everett ist einer schleppenden Clubman, sklerotischen mit Oberschicht, sehr Englisch Verachtung. Er sieht aus wie Wilde, mit einem Smatter von Gore Vidal, aber Stämme für Gleichgültigkeit, stürzen sich auf die sanfteste Phrase, es als ein Epigramm zu präsentieren. Fox ist ein Finicking, flouncy, künstliche, unsympathisch Arbeit, die geschickt legt nahe, dass seine Faszination in seiner sehr selbständigen Rausch liegen kann: Es ist giftig und fangen.

Die Leitungen wäre mit weniger offensichtlichen Anstrengung weiter gegangen. Es gibt viele eindrucksvolle Details anderswo. Alister Cameron Hotelier ringt ein Geschirrtuch um Aufregung bei der Aussicht auf Disziplinierung einen Kellner zu unterdrücken. Dale Ferguson Design ist üppig: Maroons für die Cadogan und neapolitanische hauchdünnen weißen zerknittert. Hares abgespeckte Skript braucht nicht Wags sowie Girlanden.