Kunst Links: Wie sich die Werte verändert Making 1789-2013 – review

Tate Liverpool

Ideen haben Vorrang vor Bilder – auch großen – in diesem chaotischen wenn zweifellos interessante Erforschung des Einflusses der linke Werte auf die Produktion und Rezeption von Kunst

Marat wurde nur durch das Herz erstochen worden. Der Revolutionsführer liegt tot in seiner Badewanne, einerseits die Spitze seiner einst mächtige Feder auf dem Boden, die andere noch in der Hand ein falsch Empfehlungsschreiben von seinen Mörder Charlotte Corday roden. Die einfache Holzkiste, die er benutzte als Schreibtisch nur wenige Augenblicke vor ist ein Denkmal für seine Tapferkeit geworden: übersät mit seinen Schriften und eingeschrieben mit der Hommage des Künstlers – "Marat, unterzeichnet David".

von Jacques-Louis David ist Anlage A der revolutionären Kunst. Es war ein Märtyrer-Denkmal, durchgeführt durch die Straßen von Paris. Es war eine Nachrichten berichten so viel wie eine Historienmalerei, Protest, sondern auch eine Verherrlichung, die voll und ganz die Hälfte der Leinwand hält nichts anderes als eine Art von seligen Twilight, drehen die blasse Leiche in einer säkularen Pietà. Ein Werk der verblüffende Originalität, ist das Bild eines unbestrittenen Meisterwerke der europäischen Kunst –, aber nicht wie sie es bei Tate Liverpool sehen möchten.

Davids Gemälde ist wie ein Punkt auf einer überfüllten Schwarzes Brett, gegenüber einer Wand verputzt mit Zeitungen und neben angenagelt Marats Kopf nicht eine, sondern vier identische Drucke zugrunde. Für das, was die Kuratoren betrifft ist nicht das Bild selbst, sondern die Tatsache, dass David seine Kunst in den Dienst für die republikanische Sache ermöglicht eine Print-Maker stellen, das Bild in eine grobe Masse-Reproduktion-Bild zu konvertieren.

Das Thema dieser dornigen, chaotisch, schlecht ausgewählt, schlecht präsentiert, aber zweifellos interessante Show wollte nie Kunst selbst zu sein. Sein Thema ist der Einfluss der linke Politik auf die Produktion und Rezeption von Kunst. Der Fokus liegt auf Genossenschaften, kollektive, Anarchisten und Situationisten auf underground-Kunst, anonyme Kunst, Kunst und Gemeinschaft Freizügigkeit. Es ist schwer auf Slogans, Dokumente und Plakate. Es geht darum, Kunst für alle.

Jedes Werk ist hier eine Frage aufwerfen, eine Theorie zu präsentieren oder ein Argument (in vielen Fällen ist die Arbeit das Argument, in Großbuchstaben geschrieben) vorschlagen. Jede Arbeit wird exemplarisch behandelt.

So hat die Show Kunst von vielen Händen – großen politischen Allegorien von Tim Rollins und sein Teenager Kinder überleben gemalt; und es ist Kunst, die pointiert anonym – ist Drucke und Gemälde von niemand unterzeichnet, so dass ihr Wert durch des Künstlers Ruf gesteigert werden kann nicht.

Es hat Arbeit ganze Gemeinden – große Tranchen der britischen Folk-Kunst aus dem Archiv von Alan Kane und Jeremy Deller zusammengestellt. Und es ist Arbeit, die jemand hier und jetzt in der Galerie, machen kann subversive Epigramme auf Zettel – mir gefiel vor allem "Suchen ohne zu bezahlen ist Diebstahl" – Stanzen oder Bilder auf einem goldenen Tuch sticken.

Gibt es Farbfelder von William Morris-Tapete, setzen Sie im Geist der Anti-Industrialisierung, die Arts And Crafts-Bewegung und die Socialist League, und konstruktivistischen Kleid Entwürfe von Rodtschenko-Familienwerkstatt. Die Show zahlt obligatorisch eine Hommage an das Bauhaus und der Begriff der absoluten Gleichheit zwischen Stoff, Aschenbecher, Fotografien und Gemälde. Und es hat Walter Crane Banner für die Holloway Zweig der Gewerkschaft, aber immer noch ausdrücklich trotzig angeschlagen.

Und Schlag in der Mitte ist ein Büro, wo Menschen gehen können, um die Nützlichkeit aller dieser Kunst – Kunst, diskutieren, natürlich angeblich keine verwendet.

Dies ist ein Sinnbild für das gesamte Projekt: alles dreht sich um Argumente, nicht die Bilder.

Kann Kunst Auswirkungen auf alle, ist es wichtig, ob wir den Namen des Künstlers kennen, ändert der Geschlechter wie Kunst entsteht? Kunst drehen links behandelt die Themen, Zecken Weg der Künstler, Pflüge fleißig durch seine Themen. Manchmal kommt es mit einer Arbeit zur Wirkleistung, aber im Allgemeinen ist es, dass die meisten erschreckend Kunst erlebt: eine Doktorarbeit unter dem Deckmantel einer Ausstellung.

Also fragt es, ob Kunst Gesellschaft, zum Beispiel – eine ganz gute wenn archaische Frage infiltrieren kann. Aber es ist naiv zu großen Textil-Designs von Lyubov Popova als affirmative Instanz, als ob die russischen Avantgarde hatte nicht atrociously manipuliert und missbraucht von den sowjetischen Regimes bieten.

Und es fragt, ob Kunst alternative Vertriebssysteme außerhalb der Markt- und Galerie finden, und dann eine Wand fast parodistisch obskuren Artist-Run Zeitungen, stellt als ob jede Art von Antwort war.

Wie können Künstler das kapitalistische System Bock? Sie können ihre Bilder verkaufen, Meterware, veröffentlichen ihre Werke in Form von Kettenbriefen, machen Kunst, die nicht gekauft werden kann, weil es schmilzt, brennt, explodiert oder nie in erster Linie als ein greifbares Objekt existiert. Die Fragen, die jeder Abschnitt gestalten Lust zeitweise ein Pub-Quiz für Kunststudenten Geschichte.

Aber die Show nie beschäftigt sich mit der Tatsache, dass ein unersättlicher Markt für diese angeblich unbuyable Arbeit existiert. André Caderes gestreiften Stöcke, die Pilger Stäbe, mit denen er die Welt ging, werden gekauft und verkauft. Die vorgekaute Reste der John Lathams berühmten Protest – Kauen bis eine Kopie von Clement Greenberg, Kunst und Kultur im Jahr 1966 – wurden eifrig vom Museum of Modern Art in New York gekauft.

Einen Hauch von Freiheit, es ist wahr, einige von der Kunst der 1960er und 70er Jahren durchläuft. Es ist gut, die Guerilla Girls radikalen Parolen noch einmal – "sollst du kein Museum Kurator und auch der Chief Aktionär eines großen Auktionshauses sein" – sehen, ob chillen um zu denken, wie relevant sie bleiben. Und wer war nicht etwa der Zeitpunkt kann genießen Sie die festliche Stimmung der King Mob kollektive, deren Mitglieder versucht zu verschenken alle Weihnachts-Spielzeug in Selfridges an kleine Kinder im Jahr 1968, und wurden schnell verhaftet.

Die Tatsache, dass die meisten Künstler in dieser Show haben sich vehement für kostenlose Verteilung und Kunst für alle, nebenbei bemerkt, ist ein Paradox, das nicht auf jemand verloren gehen, die den £8,50 Ticketpreis bezahlt hat.

Je tiefer Sie in die Show, desto größer die Divergenz zwischen Ideen und Bildern. Es kann faszinierend, des Königs von Schwedens Alchemist, eine geheime Anarchist lernen, zielte darauf ab, den Markt mit so viel Gold überschwemmen, dass Geld letztlich wertlos werde, aber die begleitende Skulptur (eine Replik seiner Maschine) ist nicht überhaupt interessant.

Und wie man die kollektivistischen Grundsätze der Neo-impressionistischen Maximilien Luce bewundern kann, ist das Gemälde der Stahlarbeiter am Ofen, während unter Angabe seiner politischen Sympathien kaum seine meisten elektrisierenden arbeiten.

Es gibt Ausnahmen, besonders die hervorragende Schwarz-weiß-Holzschnitte des deutschen Künstlers Georg Arndt, kondensierte Visionen von Europa in den 1930er Jahren, die irreduzibel einfache grafische Formen – Bunting, Feder, Boot, Melone, Faust bereitstellen – mit außergewöhnlichem Flair und Subtilität der kommenden Katastrophe zu warnen. Sie sind eine Offenbarung, große Kunst als eine Form der öffentlichen Adresse, und sie erhöhen die ganze Tenor der Ausstellung.

Arndt glaubte an eine universelle Sprache, für das Gemeinwohl der Kunst. Bis zum Ende dieser Show setzt eine gewisse Nostalgie für eine Zeit – und eine Kunst – solche Idealismus in. Natürlich diesen Traum lebt noch (es gibt viele Fälle in die hervorragende Ergänzung von Tate Liverpool veröffentlicht), aber so ist der genaue Vorderseite einer Kunstwelt, symbolisiert durch das groteske gieren nach der Investitionen, das das jährliche shopping-Erlebnis der Kunstmesse Frieze ist.