Moderne britische Skulptur an der Royal Academy - Überprüfung

Die Engländer "keine skulpturale Nation sind", erklärt Nikolaus Pevsner. Aber nach dem Krieg begann drei Dimensionen zu dominieren. James Hall an der königlichen Akademie-Ausstellung, die eine Renaissance in der Kunstform feiert

Die meisten Besucher des Museums wäre schwer fallen, einen einzigen britischen Bildhauers vor Henry Moore zu nennen. Beliebige Anzahl von Pre-20th Jahrhundert-Designer könnte in einem Spiel von Trivial Pursuit auftauchen: Capability Brown, Josiah Wedgwood und Thomas Chippendale, zum Beispiel. Aber Bildhauer? Als der Kunstkritiker Roger Fry im Jahr 1934 schrieb, gibt"es keinen Namen der ausreichend Resonanz sofort auf unseren Köpfen steigen". Es war nur dank der internationalen Vorrangstellung der Moore und verschiedene jüngere Bildhauer, der in den 1950er Jahren entstand die Überzeugung, dass es möglicherweise eine unverwechselbare und bedeutende britische Schule der Skulptur. Moores Leistung schien aufgrund der Annahme, dass er ein skulpturales dunkles Zeitalter vorausgegangen war umso bemerkenswerter.

Unsere Unwissenheit über die Geschichte der britischen Skulptur ist nur zum Teil durch die Großhandelszerstörung während der Reformation und Bürgerkrieg. Ein Großteil dieser frühen Skulptur wäre sowieso durch die Elemente und noch mehr durch Veränderungen im Geschmack zerstört worden. Vor und nach der ikonoklastischen Säuberungen gibt es wenig Beweise dafür, dass als eine Nation wir besonders feindselig zur Skulptur waren. Unsere Unwissenheit verdankt viel mehr an die enge der Zweck Skulptur gesetzt wurde. Im 18. und 19. Jahrhundert wurden riesige Summen von britischen Gönnern für Skulptur Provisionen – weit mehr, als zeitgenössische Malerei ausgegeben wurden ausgegeben. Aber die meisten gingen an Gedenk Porträt Skulptur – ob Büsten, Gräber, oder (in der viktorianischen Ära) öffentlichen Statuen. Die Ergebnisse sehen in Kirchen, Plätzen, öffentlichen Gebäuden und Parks über das Land.

Der öffentliche Charakter der Skulptur und ihre Gedenkmünzen Rolle hat sprächen gegen behandelt werden künstlerisch und gegen seine Schöpfer, namentlich bekannt. Westminster Abbey befindet sich eine der weltweit am stärksten konzentrierten und imposante Arrays von Skulptur noch Besucher dorthin für eine Lektion in Geschichte nicht in der Geschichte der Kunst und nur wenige entdecken die Namen der Bildhauer. Besucher scheinen immer mehr Zeit mit dem Lesen der moralisierenden biographischen Inschriften als Blick auf die Werke und Inschriften in Länge exponentiell um der Nachfrage gerecht zu werden erweitert verbracht haben.

In Joseph Zuschauer Essay "The Gräber in Westminster Abbey" (1711) wird ein ganzen Nachmittag verbracht "amüsiere mich mit der Grabsteine und Inschriften". In einem anonymen Essay von 1761 drückt Überraschung, wenn ein älterer Herr "andere Schönheiten als die Inschrift" genannt Denkmal für Admiral Sir Peter Warren, einem riesigen Marmorsockel übergestiegen durch eine Porträtbüste und damit verbundenen männlichen und weiblichen Allegorien bewundert. Dies war kein leichtes Unterfangen, da die Inschrift bis zu Hunderte von Wörtern reicht und das Podest, deckt als wäre es ein weißer Marmor Pamphlet. Die Entwicklung der Poets Corner unterstreicht weiter den literarischen Charakter der Abtei Erfahrung. Es ist bezeichnend, dass die Skulptur von der Geschichte ausgerichtete National Portrait Gallery, aber nicht durch die ästhetische gewissen der Nation, der National Gallery gesammelt wurde.

Der Katalysator für Moores Nachkriegszeit Aufstieg zur Vormachtstellung war eine Einzelausstellung im Jahr 1946 im Museum of Modern Art, New York, die nach Chicago und San Francisco tourte. In den 1970er Jahren gerechnet Moore, dass mehr als drei Viertel seiner Arbeit war im amerikanischen Sammlungen. Ein weiteres wichtiges Ereignis war die British Council-Ausstellung im 1952 Venedig Biennale von Moore mit mehreren jungen Bildhauer. Der Direktor des MoMA, Alfred Barr, schrieb dieser Zeitung darauf hin, dass "Es schien für viele Ausländer die bedeutendsten nationalen anzeigen".

Moores Transformation aus der 1930er Jahre Enfant Terrible, deren unter der Leitung von Pin, perforierte und zielstrebig anonym biomorphe also seiner Zeitgenossen in avuncular Elder Statesman schockiert, ist eine außerordentliche Kapitel in der Geschichte des Geschmacks. Die Tierheim-Zeichnungen von gepuckt Londoner Zuflucht im Untergrund eine entscheidende Rolle beim drehen ihn in eine skulpturale Gegenstück zu der neuen NHS. Moore wurde der nationalen Gesundheit Bildhauer, seine Figuren beschädigt aber ungebrochen Überlebenden, deren Stille und Einsamkeit eine Manifestation von ihrem Stoizismus.

Moores Mystik wurde durch die Tatsache verstärkt, dass er eine unbefleckte Empfängnis – eine Kunst-Gott schien, die aus der dünnsten kulturelle Luft erschienen. In seinem 1955 Reith Vorlesungen, "Englishness der englischen Kunst", die deutschen Emigranten, die Nikolaus Pevsner von Moore, fest im Glauben verblüfft war, "wie viele davor, die Engländer sind keine skulpturale Nation... wenn es stimmt, dass zu keinem Zeitpunkt in der Vergangenheit sie Arbeit, die von Frankreich, Italien nachahmen würden produziert und Deutschland, wie kann es sein haben, dass der größte Bildhauer jetzt lebendig Englisch sein sollte und auf der Oberseite, unvermischt Yorkshire? "

Wenn Moore als britischen Skulptur Giotto gegossen wurde, hat im Alleingang unter uns aus der skulpturalen Wildnis, dann er zumindest der bahnbrechenden Märtyrer-Rolle von Jacob Epstein bestätigt. Epstein bezahlt seine Rechnungen auf die althergebrachte Weise indem man Porträtbüsten, die ebenso wie die mehr öffentliche Aufträge brachte Schmach und sogar Zerstörung für ihre Primitivität und sexuelle Offenheit ist. Moore sagte einst: "Er nahm die Geldausgeben, nahm er die Beleidigungen, nahm er die Heulen der Spott." Zwischen 1939 und 1961 wurden einige der größten Steinmetzarbeiten Epsteins, einschließlich Adam und Jacob und der Engel, als prickelnde moderne Kunst-Freaks auf Louis Tussauds Wachsfiguren auf Blackpool Pleasure Beach gezeigt. Meine Tante ging es mit ihrem Verlobten in der gleichen Weise, die man auf die Flicks gehen könnte.

Moderne britische Skulptur an der Royal Academy ist der neueste institutionelle Versuch, eine Renaissance in der Kunstform zu behaupten. Die Ausstellung wird kuratiert von Penelope Curtis, der neue Direktor der Tate Britain, und sie hat einen Wörterbuch-Ansatz unter Einbeziehung von mehr als 120 Bildhauer, alle, aber eine winzige Handvoll vertreten durch ein einziges Werk. Der RAS britischer Kunst im 20. Jahrhundert (1987) enthalten ungefähr Hälfte dieser Zahl von Künstlern, mit den meisten (einschließlich der Bildhauer) in viel größerer Tiefe dargestellt.

Gibt es eine vorherrschende Thema Curtis Gießkannenprinzip Show, kann es auch die derzeit in Mode der Globalisierung und der Offenheit gegenüber Einflüssen sein. So sind herausragende Beispiele der nicht-westlichen Skulptur im British Museum und V & A studierte von Epstein, Eric Gill, Moore und Barbara Hepworth im Preis inbegriffen. Später ist eine Vitrine Stück aus den 1980er Jahren von New Yorker Jeff Koons mit einem von Leeds geboren Damien Hirst gegenübergestellt.

Noch überraschender ist die Einbeziehung der Keramik von Bernard Leach und "minimalistisch" Keramik der Tang-Dynastie. Interesse an Keramik wurde angeregt, weil britische Bildhauer in der Zwischenkriegszeit sich rühmte auf abstrakte und semi-abstrakten Skulpturen, die "in der Runde" erlebt werden musste – in anderen Worten, das war unterwürfig weder Architektur noch "bildlichen" oder "literarischen" Arten des Sehens.

Roger Fry im Jahr 1920 behauptet nur afrikanische Künstler "wirklich Form in drei Dimensionen zu begreifen", aber der führende Skulptur Kritiker Herbert Read, wer arbeitet in der Abteilung Keramik auf der V & A begann, machte geltend, dass kleine Gegenstände wie chinesische Keramik und Rokoko Porzellanfiguren auch voll "in der Runde" wurden. Solche Kommentare löste ein Bonmot von Bernard Berenson, Gasometer und industrielle Rohre sind auch "in der Runde" – eine Antwort, die fast schon Vorbote die Nachkriegszeit industrielle Ästhetik der konstruierten und minimalistische Skulptur.

Skulptur muss erlebt werden, indem Sie jetzt um ihn herum bewegen scheint selbstverständlich, aber für größere Arbeit war die Erfahrung der Landschaft werden noch wichtiger als die Erfahrung von Keramik, zum Wandern und klettern den ganzen Körper greift. Moores ideal für seine Arbeit wurde die englische Landschaft, und liegende Modus von so vielen seiner Stücke erinnert an sanften Hügeln, anstatt die aufrechte menschliche Figur. Moores größte Student, Anthony Caro, eine vergleichbare Horizontalität in seinen bunt bemalten Stahlskulpturen vermählt, und er wählte häufig pastorale Titeln wie Early One Morning und Monat Mai. Caros Assemblagen wurden mit Stücken von landwirtschaftlichen Maschinen verglichen. Der amerikanische Kritiker Clement Greenberg, sagte, dass er anstatt Moore "Moses" des englischen Skulptur, die "ging in das verheißene Land und breitete sich in ihm".

Während des 20. Jahrhunderts Skulptur nicht nur eine führende Kunstform geworden – kam es zu einen idealen Modus des Bewusstseins darstellen. Dies, so viel wie individuelle Talent und Patronat, erklärt, warum es in unserer Kultur so groß ragte hat. So verehren wir "skulpturalen" Architektur, Möbel, Mode, Gedichte und Gedanken.

Der Leitgedanke hinter eine der Bibeln der swingenden 60er Jahre Marshall McCluhans Understanding Media (1964), war, dass die heutigen Autos, Kleidung, Taschenbücher, Bärte, Babys und Bienenstock Frisuren setzen die "Stress auf dem Touch, Teilnahme, Beteiligung und skulpturale Werte". McCluhan muss von Reads Wert auf Ehrlichkeit – umarmen, kuscheln, streicheln – in Der Kunst der Skulptur (1954) inspiriert worden sein. Die Aktualität der Skulptur galt als Beweis für seine Authentizität und eine Heilung für soziale Entfremdung. Plötzlich traditionelle Tafelmalerei schien nur Handel mit Eisschollen Illusionismus, und viele moderne Maler ihre Bilder in handwerklichen, dreidimensionale Objekte verwandelt. Frank Auerbach, mit seinen Zoll dicken Impastos und Howard Hodgkin, mit seinen klobigen, aufgearbeiteten Holzstützen, hätte leicht kooptiert in die RA-Show. John Latham, mit seinem Buch-verkrusteten Reliefs ist im Preis inbegriffen: Hier wird das Wort dreidimensionale gemacht.

Für alle die Post-Moore visuelle Pyrotechnik ist die Skulptur, die mich am meisten freut sich auf Ihren Besuch ein Staatsporträt von den vermeintlichen Wildnis Jahren von Alfred Gilbert (1854-1934), die neurotische Dark Horse von britischen Skulptur. Am besten bekannt für die viel geschmähten und sabotierte Eros Brunnen in Piccadilly, war es Gilbert soviel wie Epstein, nahm die Geldausgeben. Er landete im Exil in Brügge, Konkurs, hungrig und allein. Bei der RA, er wird vertreten durch die herrliche bronze Jubilee Denkmal für Königin Victoria (1887), im Auftrag für die Stadt Winchester und fast sofort geschändeter und bedeckt in planen; Es endete in einer Ecke des mittelalterlichen Rittersaal. Es ist ein Neo-Barock-Spektakel in dessen Herz die Königin, ein brütendes Buddha sitzt. Es ist so eindringlich wie Bacons Päpste oder Hirsts Haie.

Moderne britische Skulptur ist an der Royal Academy, London W1, vom 22 Januar bis 7. April.