Volkskunst: "Schließt sie Ihre Nan stricken?"

Pub-Schilder, Toby Krüge, Schiff Galionsfiguren und ein riesiger Lederstiefel... Tate Britain Ausstellung von Volkskunst verschwimmen die Grenzen zwischen hoher und niedriger, Kunst und Artefakt

Die Herrlichkeiten der Tate Britain-neue Sommer-Show gehört einem einzigen, massiven Lederschuh, fast 3ft lang und offiziell Größe 74. Es sieht genauso aus wie etwas, was eine Riese tragen würde. Knorrigen und bauchige noch detailreiche ist auch jeder Stich genau richtig, die Sohle fest abgeschlossen, die hohe Knöchel Manschette fast zart. Es ist aus guten starken Leder geformt und geschwärzt innerhalb eines Zoll seines Lebens. Die erste Frage ist – warum solchen intelligenter Riesen nur ein Boot braucht? Und das zweite ist, was es hier trotzdem tut? Dies ist nicht Tate Modern Tate Britain und kaum das offensichtliche Zuhause für Konzeptkunst.

Sogar wenn Sie lernen, dass der Titel dieser Sommerausstellung British Folk Art, sinnvoll nicht die monströse Boot sofort. "Volkskunst", wenn es etwas mehr als leere starrt, zaubert wird davon ausgegangen, um Sampler, Mais Dollies und Steppdecken, die Produkte einer nachdrücklich ländliche Kultur zu bezeichnen. Dieser Stiefel von irgendwoher rauchiger im Gegensatz dazu kommt: es außerhalb Northampton Schuster, ein Zeichen für die ungebildeten, die hing jahrzehntelang hier war ein Ort, um Ihre Schuhe fixiert. In der Tate Ausstellung es verträgt sich schlecht mit anderen Treibgut aus der industrialisierten Welt: Pub-Schilder, Toby Krüge, Schiffe Galionsfiguren, alle hergestellt durch Handwerker und Arbeiter, die zumindest angelerntes berücksichtigt werden können. Es ist eine Welt entfernt von Stick-schnitzen und Patchwork.

"Wir beschlossen nach hinten weg von Definitionen der Volkskunst bereitstellen", erklärt Co-Kurator Martin Myrone. Sehr sinnvoll, denn sobald Sie anfangen, wo Sie am Ende? Jedes Mal, wenn Myrone wagte sich sozial während der Entstehung der Ausstellung fand er sich fielding eine Flut von Fragen: "werden Sie werden auch Tattoos, Reisenden Kunst, meine Oma ist stricken?" Anstatt zu antworten versuchen, unternahm Myrone und seine Kollegen Ruth Kenny und Jeff McMillan eine landesweite stöbern in Museum Gewölbe für Objekte, die bereits als "Folk" von lokalen Kuratoren bezeichnet worden war. In der Praxis bedeutete dies oft Elemente, die Jahrzehnte zuvor gekommen war, dass niemand jemals genau gewusst hätte, was mit zu tun: eine sportliche Druck, eine Wetterfahne, ein Pferd-Wirbel, die um Aussehen – von allem – der Methodistenprediger John Wesley gemalt worden ist.

Die Kuratoren gezogen auch Tates-Regal für Gegenstände, die nicht zu den kanonischen Kategorien passen mit denen wir normalerweise "Kunst Sinn" (sogar die Tate hat seinen fairen Anteil an Merkwürdigkeiten im Laufe der Jahrzehnte erworben) erschienen. Ein offensichtliches Beispiel hier ist Die Cholmeley Damen (1600-10), ein Gemälde von zwei Hofdamen ausgeführt nicht von einem benannten professionellen Künstler, sondern von einem Handwerker deren mangelnde formale Technik Ergebnisse in ein Stück Arbeit, die ist so lebendig, wie es rätselhaft ist. Sind die Frauen Schwestern, sogar Zwillinge? Warum haben sie sich ein Baby? Und warum ist die Perspektive so flach? Es ist einfach weil die Künstler nicht wissen, wie Tiefe zu tun?

Die Tate-Ausstellung, die von der Cholmeley Damen bis hin zur Mitte des 20. Jahrhunderts geht, gehört ein neues Interesse an traditionellen Formen. Vor über einem Jahrzehnt reframed Jeremy Deller und Alan Kane des Folk-Archiv Morris tanzen, Flohmärkte und Kuchen-Herstellung als ernsthafte Gedanken und einen zweiten Blick Wert. Und zeitgenössische Praktiker in diesen Tagen nicht genug bekommen von den althergebrachten Dinge zu tun. Grayson Perry durchbrach mit Töpfen, Tracey Emin macht jetzt Steppdecken und Bob und Roberta Smith hat winkten Malerei sein Erkennungszeichen.

Ein ordentlich Zirkularität gibt es auch in der Weise, die viele Elemente in der Tate British Folk Art Ausstellung nicht fehl am Platz in einem Raum widmete sich zeitgenössische Arbeit aussehen würde. Die Boudyware aus dem Nordosten Englands ist aus China klebte an der Außenseite der Tontöpfe, die dicken Fugen mit vergoldeten Farbe zurückverfolgt werden, als ob auf ihren eigenen ungeschickt machen aufmerksam gemacht. Und Bangor-Schiefer, geschnitzt mit abstrakten Bildern, konnte leicht erscheinen in einer zeitgenössischen Kunst und der Umwelt gewidmet.

Die Grenzen zwischen hoher und niedriger, Kunst und Artefakt, wurden beunruhigt und beunruhigend, seitdem Menschen auswählen, was an ihren Wänden hängen. Als die Royal Academy im Jahre 1769 gegründet wurde, machte es einen Punkt erklären, dass "keine Handarbeiten, künstliche Blumen, Papier, Schale schneiden oder solche Kugeln zugelassen werden sollten" innerhalb seiner elitären Bezirke. Kein Platz für die Arbeit von Mary Linwood, die aus dem 18. Jahrhundert Stickerin deren gestickte Bilder in der Tate-Ausstellung sind. Linwood, hergestellt aus Leicester, ein Vermögen aus ihrem "Nadel Gemälde" des bekannten zeitgenössischen Werken von Reynolds, Gainsborough und Stubbs.

Neu angeschaut, steht Linwood Arbeit zwischen der geradezu naff und schlau schlau. Sie können leicht Fehler ihrer Bilder für eine clevere Untersuchung, was passiert, wenn die niedrigeren Status Medium der Stickerei High-Art Bilder, wie Rembrandts Mutter oder Gainsborough es The Woodman mutieren. Alternativ könnten Sie auch einfach sie stolpern beim heraus Ihre verstorbenen Großtante Bungalow ausgleichen.

Arbeiten von Alfred Wallis ist versteckt in Tantchens Bungalow – es sei denn, Sie sehr glücklich sind – was Sie wahrscheinlich nicht finden. Wallis bildet die einzige große Ausnahme von der Regel, dass Autodidakt Künstler historisch durch den Kunstbetrieb übersehen wurden. Seine Gemälde von Booten und Hütten, oft hin und her gerissen-Up Kartons, haben lange in der Tate hing. Gelehrte schreiben Bücher über ihn. Er verkauft. Er zählt.

Der Grund dafür ist, dass in den späten 1920er Jahren der Kreis der formal ausgebildeten Künstler, lebte und arbeitete in St Ives, zufällig auf Wallis "primitiv" Arbeit stolpern und nahm es mit Leidenschaft. Vor allem im Wallis Ansatz seine Materialien und die formalen Eigenschaften der Bildgestaltung etwas, dass Ben Nicholson entdeckt stimmte mit seiner eigenen modernistischen Agenda. In anderen Worten, hat Wallis egal, weil er in einer großen Erzählung, die Malerei des jahrhundertelangen März aus dem gegenständlichen und figürlichen zur Abstraktion charts zusammengefasst werden kann. Wie interessant, dann wiedereingesetzt, Wallis zu sehen als Folk-Künstler in der Tate-Ausstellung. Sah sich noch einmal, seine grobe kleine Welle warf Boote werden weniger eines Arguments über Perspektive und mehr über die große Tradition der Hochsee-Malerei (bevor er ein Tuch-und-Knochen-Mann war, Wallis diente auf einem transatlantischen Schiff). Und dadurch, dass er Farbe – anstatt der üblichen Knochen, Stroh und Wolle begünstigt durch Seefahrer – benutzt ihn nicht aufregend "primitiven" aber wirklich eher biederen.

Linwood und Wallis sind ungewöhnlich, was Museumskuratoren Anruf "genannt-Macher". Volkskunst ist in der Regel angenommen anonym, expressive einer ganzen Kultur eher als eine Person Absicht und Design. Aber betont Myrone, es ist unmöglich – um nicht zu sagen, politisch beunruhigend – vorstellbar, dass Sie ein kollektives Bewusstsein hinter einen Körper der Arbeit, die gerade geschieht erkennen können, nicht signiert werden. Bei der Auswahl welche Stücke, Funktion, sah die Kuratoren für die Eigenheiten, die eine einzelne Vorstellung bei der Arbeit oder Spiel vorgeschlagen. Sortierung durch Dutzende von ähnlichen Objekten in den Schubladen und Regalen der Museum Lagerräume, ist es der Tabak-Shop Highlander mit den Augen der Chef oder der Sampler mit die Fehler, die den endgültigen Schnitt gemacht haben.

Die Kuratoren sind auch gerne Anregungen einfachen Wisch über denen Geschlecht in der Herstellung der traditionellen Kunst Taten. Einige der schönsten Handarbeiten in der Show wurde von der butchest von Männern produziert. Zwischen 1850 und 1910 wurden genesenden Soldaten aufgefordert, alte Serge zerschnitten und Köper Uniformen um helle Patchworks zu machen. Kaum ein Beruf für schwache Nerven oder Finger: die Dicke und das Gewicht des Tuches bedeutete, dass piercing und Nähen von Quilts wurde das Äquivalent von einem energetischen Route-Marsch. Das ist, warum die Regierung förderte die Praxis als eine Möglichkeit der Soldaten von Schnaps und Würfel zeichnen. Im Jahre 1875 der monatlichen Zeitschrift der britischen Arbeiter veröffentlichte einen Artikel zitiert ein Soldat Quilten nahm, als er trinken aufgab: "Ich muss eingesetzt werden, oder komme ich Unfug." " Eines seiner Patchwork Quilts läuft auf mehr als 28.000 Exemplare.

Handarbeit war nicht einfach als ein Mittel zur Ordnung und Kontrolle verwendet. Soldaten und Matrosen waren durchaus in der Lage, untergraben Stitchwork um ihre zartesten Gefühle auszudrücken. Sie machten oft ausgelassene herzförmigen Nadelkissen, an ihre Freundinnen, mit Fransen, Pailletten und Pompons extravagant fertig zu senden. Eine besonders leidenschaftliche Seele hat sogar Perlen verwendet, um den Slogan "Remember Me" herausgreifen und datierte es für eine gute Maßnahme.

Weitere Artikel in der Ausstellung scheinen fast entworfen, um eine Diskussion über das Wesen und die Grenzen der Volkskunst zu provozieren. Nehmen Sie das Leder Toby Krüge. Sie folgen das Standardformular eine sitzende Figur in einem übergroßen Dreispitz Hut und Kniebundhose raucht eine Pfeife. Aber im Laufe der Zeit hat das Leder verzerrt und verbogen, so dass die Tobies begonnen haben, zu hocken und finsteren Wasserspeier ähneln. In der Tat zeigt bei näherer Betrachtung, dass die Nägel halten sie zusammen oft maschinell hergestellt sind und aus dem frühen 20. Jahrhundert stammen. Die beste Vermutung ist, dass diese beunruhigende Objekte ein Witz aus dem Fag-Ende des britischen Industrialisierung sind einen Moment als eine helle, ironische Seele dachte, dass es lustig sein könnte, die Praxis des Exports Knock-off Keramik Toby Krüge auf der ganzen Welt als Symbole der englischen guten Mutes zu verspotten.

Wie Myrone sagt, ist es vielleicht die Schiffe Galionsfiguren, die die kühnsten über die Grenze zwischen handwerklicher und künstlerischer Produktion Fragen. Im 18. und 19. Jahrhundert waren Galionsfiguren in hoch organisierten Werkstätten von erfahrenen Handwerkern hergestellt. Dennoch gibt es in der Regel ein Element der Knock-about Rohheit zu ihnen: die vollbusige Floozy, jolly Teer, der schnauzbärtige Mandarin. Und dann was passiert, wenn diese massiven Strukturen in trockenes Land, Ladenschilder, Denkmäler oder sogar Skulptur zu werden zurückgezogen wurden? Nicht mehr breasting die Wellen, haben einige sogar unglaubwürdig Beine auf die ins Wanken erhalten. Für Myrone macht ihnen die Galionsfiguren rutschig Status – ein seltsames Wort vielleicht auf etwas so hulking Nutzung – "die vorbildliche Form der Volkskunst".

• British Folk Art ist vom 10. Juni bis 31 August. Ort: Tate Britain, London.