Warum hassen wir modernen klassischen Musik?

Avant-Garde-Kunst und Architektur werden geliebt, aber in der Musik wir klammern uns an die Vergangenheit. Wir sind nicht


Ein volles Jahrhundert nach Arnold Schönberg und seine Schüler Alban Berg und Anton Webern ihre harten Akkorde auf der Welt entfesselt bleibt moderner klassischer Musik eine unschöne Angelegenheit für viele Konzertbesucher. Letzte Saison bei den New Yorker Philharmonikern, mehrere Dutzend Menschen ging aus einer Aufführung von Bergs drei Stücke für Orchester; etwa die gleiche Anzahl beendet Carnegie Hall vor der Wiener Philharmoniker schlug Schönbergs Variationen für Orchester.

Die mildeste des 20. Jahrhunderts-Tarif kann hörbar mit den Zähnen knirschen. Brittens Serenade für Tenor, Horn und Streicher ist ein mehr oder weniger vollständig klangliche Ergebnis noch im Jahr 2009 im Lincoln Center, es versäumt, einen Gentleman Sitzung hinter mir zu gefallen. Wenn jemand ein "Bravo!" an anderer Stelle in der Halle rauszulassen, knurrte er: "Ich wette, das war eine Pflanze." Ich der Versuchung widerstanden, ihn mit meinen Pocket Score swat.

Einige der dieses Verhalten kann auf die notorischen schlechten Manieren bestimmte New York Gönner verantwortlich gemacht werden, aber das Problem ist weit verbreitet, wie jeder Musik-Administrator mit einem Yen für 20. Jahrhundert Repertoire wird Ihnen sagen. Einige Prommern sind traumatisiert durch den Schock der Begegnung mit Harrison Birtwistles ultraviolent Stück Panik bei der 1995 letzten Night of the Proms. Jahrzehntelang haben Kritiker, Historiker und sogar Neurowissenschaftler nachgedacht, die Frage, warum sogenannte moderne Musik scheint die durchschnittliche Hörer verwirren. Immerhin haben abenteuerliche Künstlern aus anderen Bereichen sehr unterschiedlich aufgenommen worden. Der höchste Preis Malerei in der Geschichte ist Pollocks swirlingly abstrakte Nr. 5, 1948, die im Jahr 2006 für $140 m verkauft. Magnaten und Emire Begehren Avantgarde Architekten. James Joyces Ulysses begeistert weltweit trinkende Parteien alle 16 Juni.

Sobald diese kulturelle Unberührbaren als Scharlatane – Händler von "des Kaisers neue Kleider," abgetan wurden, eine Phrase zu beschäftigen, die alltäglich unter undankbar Konzertbesucher bleibt. Ein New York Times Editorial warf eine "neue Kleider" an Duchamps Nude Descending eine Treppe zu beleidigen, wenn es im Jahre 1913 zeigte. Die gleichen Einbildung wurde 1946 von einem Kommentator trabte, die keinen Unterschied zwischen einem Picasso und Zeichnung des Kindes wahrgenommen. TS Eliot The Love Song of J Alfred Prufrock wurde für seine "inkohärenten Banalitäten" zitiert. In diesen Tagen würden Sie verwirrt starrt ziehen, wenn Sie bei einer Dinnerparty angekündigt, dass Pollock ein Topf. Aber wenn Sie das gleiche von John Cage gesagt, Sie könnten kein Argument.

Erklärungen für die andauernde Widerstand zur musikalischen Moderne haben sich stark vermehrt ihre Mannigfaltigkeit darauf hindeutet, dass keiner ganz den Schlüssel hält. Eine Theorie besagt, dass eine Vorliebe für einfache Tonalität in das menschliche Gehirn verdrahtet ist. Versuche, diese These zu testen haben mehrdeutige Ergebnisse produziert. Zum Beispiel einige Studien legen nahe, dass Säuglinge Konsonant, dissonanten Intervallen bevorzugen. Noch Säuglinge hören tonalen Musik fast vom Moment der Geburt, und haben so konditioniert worden, als "natürlich" zu akzeptieren. Darüber hinaus zeigt bildende Kunst Forschung, dass Kinder zu den abstrakten gegenständliche Bilder bevorzugen. Die 327.000 Menschen, die kamen, finden Sie unter düsteren Ende Mark Rothko in der Tate Modern in 2008 und 2009 überwand diese Neigung; das gleiche kann passieren, mit Musik.

Es gibt auch eine soziologische Erklärung: weil Konzertpublikum im Wesentlichen auf ihren Plätzen für einen bestimmten Zeitraum gefangen sind, neigen sie dazu, ungewohnte Arbeit ablehnen leichter als Galeriebesucher, wer frei bewegen können über die Konfrontation mit seltsamen Bilder in ihrem eigenen Tempo zu tun. Doch wenn die Art der Darstellung der Reaktion bedingt, würde man erwarten, Tanz, Theater und Film Publikum würden die gleichen Abscheu gegenüber neuen Ideen zeigen.

Die relative Beliebtheit von George Balanchine, Samuel Beckett oder Jean-Luc Godard etwas anderes hin. In der Tat fällt auf, dass Filmemacher verschwenderischen gleichen Dissonanzen genutzt haben, die Konzertbesucher so befremdlich gefunden haben. Stanley Kubricks 2001: Odyssee im Weltraum, mit seinen halluzinatorischen György Ligeti Soundtrack fasziniert Millionen in den späten 1960er Jahren. Scorseses Shutter Island, die Musik von Cage, Morton Feldman, Giacinto Scelsi und Ligeti erneut bereitgestellt werden, wurde eine aktuelle Kassenschlager. Michael Giacchinos Partitur für die Fernsehserie Lost ist eine Enzyklopädie der Avant-Garde-Techniken. Wenn das menschliche Ohr Dissonanz instinktiv feindlich gesinnt waren, wäre diese und 1.000 andere Hollywood-Produktionen gescheitert.

Komponisten: tot besser dran?

Der Kern des Problems ist, vermute ich, weder die physiologische als auch die soziologischen. Moderne Komponisten haben vielmehr eine lange schwelende Gleichgültigkeit, die eng miteinander verknüpft, um klassische Musik götzendienerischen Beziehung mit der Vergangenheit ist zum Opfer gefallen. Schon vor 1900 besuchten Menschen Konzerte in der Erwartung, dass von den schönen Klängen vergangener Tage massiert zu werden. ("Neue Werke nicht in Leipzig gelingt," sagte ein Kritiker der Premiere des ersten Klavierkonzerts von Brahms im Jahre 1859.)

Der Musikerberuf wurde konzentrierte sich auf die manische Polieren einer Anzeige der Meisterwerke. Mit der Zeit, Schönberg, Strawinsky und Unternehmen ein neues Vokabular der Akkorde und Rhythmen eingeführt, wurde das Spiel gegen sie festgesetzt. Auch Komponisten, die nach hinten umgebogen, eine Vorliebe für romantische Tonalität begegnet Skepsis unterzubringen; Sie nicht überwinden konnte, außer durch drastische Maßnahmen, den Nachteil des lebendig-Seins.

Museen und Galerien hat einen deutlich anderen Ansatz. In Amerika, das Museum of Modern Art, Art Institute of Chicago und anderen führenden Institutionen für moderne Kunst propagiert. Wohlhabende Gönner umfaßt einige der radikalsten neue Arbeiten; Händler, gepeitscht bis Werbung; Kritiker romantisiert Pollock und Unternehmen als Go It alone Helden. Die Idee nahm Einfluß, dass Museen Sehenswürdigkeiten intellektuelles Abenteuer sein könnte. Auf einer kürzlichen Reise nach MoMA, fiel mir ein Plakat am Eingang: "Belong to etwas brillanter, elektrisierend, radikal, neugierig, scharf, widerspenstig, visionäre, dramatisch, Strom, provokativ, Fett Bewegung......"

Autoteile als Schlagzeug

Derzeit ist keine große Orchester in der Lage oder bereit sind, sich mit denselben Worten zu beschreiben. Aber ein paar Organisationen sind in diese Richtung bewegt. Anfang 1992, Esa-Pekka Salonen gab dem Los Angeles Philharmonic Orchestra ein mutiger Profil, und er wendet nun das gleiche Modell, dem Philharmonia Orchestra in London. Jüngere Massen von 1.000 oder mehr zeigen sich für die Chicago Symphony MusicNOW Serie, die Rolle eine Ergänzung des kostenlos Pizza und Bier bietet. Londoner Southbank Centre und die Barbakane haben eifrige Scharen, Abende von Edgard Varèse, Iannis Xenakis, Luigi Nono und Karlheinz Stockhausen gezogen. Auch in New York nicht die Situation völlig hoffnungslos. Alan Gilbert, der als Musikdirektor des New York Philharmonic letzten Saison übernahm, hatte verblüffende Erfolge mit solchen Rowdy Tarif als Ligetis Le Grand Macabre, Varèses Amériques, und zu Beginn dieser Saison Lindbergss Kraft. Erfahrene Beobachter waren beim Anblick der Philharmonie Abonnenten jubeln Lindberg Stück, das enthält kaum eine Spur von Tonalität und erfordert den Einsatz von ausrangierten Autoteilen als Schlagzeug gespannt. Was für einen Unterschied macht war Gilberts Geschenk für Publikum durch unbekanntes Gebiet zu sprechen: in einem Mini-Vortrag, die Struktur des Stückes vorgezeichnet, demonstriert ein paar Highlights, machte Witze auf seine Kosten und in der Regel Menschen gab die Idee, dass, wenn sie früh verlassen sie verpassen.

Alle Musik ist ein erworbener Geschmack; keine Musik ist überall Geliebten. Ein paar Monate her, die Blogger richtige Zwietracht gemerkt: das meistverkaufte Album in den USA diese Woche – Katy Perrys Präzision gestimmten pop Medley Teenage Dream – nur eins in 1.600 Bürger erworben hatte. Sicherlich, einige Gattungen sind beliebter als andere, aber individuelle Geschmäcker verändern sich dramatisch. Als ich jung war, liebte ich das 18. und 19. Jahrhunderts Repertoire unter Ausschluss der Musik des 20. Jahrhunderts, Klassik und pop. Dann, sobald ich die Kraft der Dissonanz anerkannt, ging ich von Schönberg, Messiaen, Xenakis und den Pfad der Lärm, weitergezogen, Post-Punk-Sound von Sonic Youth. Einige meiner Zeitgenossen finden klassischen Musiklebens von Verfahren in die entgegengesetzte Richtung: sie begann nicht mit Mozart aber mit Steve Reich oder Arvo Pärt. Um das Publikum der Zukunft zu bauen, sollten klassische Institutionen mehr unerwartete Brücken zwischen den Genres.

Was abfallen muss, ist der Begriff der klassischen Musik als zuverlässige Kanal für Schönheit – eine Art Spa-Behandlung für müde Seelen trösten. Eine solche Haltung untergräbt nicht nur Komponisten des 20. Jahrhunderts, sondern auch die Klassiker, die sie vorgibt zu schätzen. Stellen Sie sich Beethovens Wut, wenn er gesagt hatte, dass eines Tages seine Musik in Bahnhöfen, Pendler und fahren weg Delinquenten zu beruhigen geleitet würde. Hörer, die daran, Berg und Ligeti gewöhnt finden neue Dimensionen in Mozart und Beethoven. So wird auch Darsteller. Zu lange haben wir die klassischen Meistern in einem goldenen Käfig gelegt. Es ist Zeit, sie heraus zu lassen.

Alex Ross wird in der British Library, London, morgen sprechen. Details hier.

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