Das Urteil: Es ist groß, Fett und schön

Es ist groß, Fett und schön: Es ist das größte Museum für moderne Kunst in der Welt und es ist endlich, das öffnen. Über vier Seiten, salutiert Guardian Kunstkritiker Adrian Searle als ein Wendepunkt im kulturellen Leben der britischen Tate Modern

Ich habe eine Fantasie zu Fuß in die Tate Modern, in einem Aufzug hinauf, dann links, eine rechts, eine links wieder, wobei machen einen langen Spaziergang zu finden, eine Sache, ein einsames Kunstwerk betrachten, dann verlassen. Gerade jetzt ist das nicht möglich ist. Die Königin wird am Donnerstagmorgen Tate Modern in Bankside geöffnet. Sie wird kaum, vielleicht erkennen die Bedeutung des Gebäudes, sie öffnet. Die meisten was Tate Modern enthält werden eine leere zu ihr sein. Es gibt viele Dinge hier zweifellos wäre sie beunruhigt, verblüfft, schockiert und verwirrt. Es gibt viel hier, um uns alle zu verunsichern.

Die Eröffnung der Tate Modern ist ein Wendepunkt im kulturellen Leben des Landes. Es signalisiert die Bedeutung der Kunst unserer Zeit, und seine zentrale Rolle in unserer Kultur. Im Gegensatz zu den meisten größeren Städten und Metropolen der westlichen Welt London hatte noch nie ein Museum die ständige Ausstellung der internationalen modernen Kunst gewidmet, und es gab nie ein Museum überall in ganz dieser Größenordnung. Tate Modern ist nicht nur eine Erweiterung eines bestehenden Museums; Es ist wichtig ein Venture als das Museum of Modern Art in New York oder das Centre Pompidou in Paris. Tate Modern ist größer als die beiden. Heißt das es besser machen?

Es ist riesig. Es ist das größte Museum für moderne Kunst in der Welt. Die Hälfte davon ist ein riesiges, hallenden Raum. Hoch oben hinter den Stufen und Lichtgaden sind mehr als 50 Galerien, Hälfte-Galerien, doppelter Höhe Galerien, kleinere Zimmer und Ante-Kammern bestehend aus sechs Suiten zeigen Räume auf drei Ebenen. Die Galerien sind praktisch, flexibel und oft sehr schön.

Nichts bereitet Sie dafür. Ein Moment, den Sie in einer verdunkelten Videoinstallation, die nächste gestürzt werden, finden Sie sich in einen Fluss beleuchtet Pause zwischen den Galerien, die Themse und die Millennium Bridge unten, steigt St Pauls über den Fluss. Sie gehen von killer Versatzstücke - ein Raum gewidmet der Schweregrade des Minimalismus, sagen, kleine und elegante Kammern mit einigen Werken. Schalten Sie wieder ein, und ein Blick in die Turbinenhalle stürzt das Auge in einen Raum, der alles fühlt sich je größer für seine Beherrschung.

Danach fühlt sich Tate Britain in Millbank eng, sparsame und ein bisschen schäbig. Seine Unzulänglichkeiten für die Arbeit, die es zu tun gehabt hat, sind plötzlich allzu offensichtlich. Stehend im Tate Modern, könnte Millbank genauso gut als Berkshire so weit vorgelagerten sein. Und was ist mit der Kunst, jene Teile der Tate-Sammlung, die die Tate Gründen zweifellos politische sind ästhetisch, beschlossen hat, sind moderne eher als Briten?

Gemeinsam mit den meisten modernen Kunstmuseen hat die Tate in der Vergangenheit seine Sammlung in Bezug auf Bewegungen, Theorien und historischen Determinismus zusammengefasst. Sie wissen, wo Sie mit einem Ism sind. Impressionismus zeugte Postimpressionismus zeugte Kubismus, dem Futurismus, Expressionismus und allerlei fahrenden Abstraktionen gezeugt. Dieses Modell, das war nie ganz klar und wurde von allerlei Bolt-on-Vorbehalte und Widersprüche besucht, hat mindestens drei Jahrzehnten angegriffen worden. Künstler sind seit jeher misstrauisch, wenn sie es verwendet haben, um zu beweisen, dass sie sich an vorderster Front der eine unvermeidliche Streben nach Perfektion waren. Kunsthistoriker, die einmal ihren Weg abwärts evolutionären künstlerischen Entwicklung, unsicher, stapfte welchen Weg nach vorne, war nun ihr Thema vor dem Hintergrund sozial-und Gesellschaftsgeschichte, Philosophie, Psychoanalyse, Linguistik, feministische Theorie und postkoloniale Politik ansehen.

Tate Modern Kuratoren haben die Notwendigkeit, Kunst auf eine andere Weise zu präsentieren, auch wenn Gemälde noch an Wänden hängen, und einige Skulpturen auf die Seltsamkeit der Sockel bestehen übernommen. Die 17. Jahrhundert Genres Landschaft, Figur (einschließlich Porträts und nackt), Historienmalerei und Allegorie und Stillleben als seine Kategorien hat, die Tate vier verschiedene Stiche präsentiert seine Sammlung gemacht. Landschaft wird Landschaft/Materie/die Figur ist jetzt nackt/Aktion/Körper und Stilleben Stillleben/Objekt/Real Life. Geschichte/Speicher/Gesellschaft steht, denke ich, für alles andere. Jeder dieser Abschnitte richtet Teile der Sammlung der Tate, sowie eine beträchtliche Anzahl von Darlehen, erzählen die Geschichte der modernen Kunst auf vier verschiedene weisen auf zwei Ebenen der Tate Modern.

Wir sind mit unterschieden, Allianzen, Konkordanzen und Lücken gelassen. Die verschiedenen thematischen Gruppierungen in der Tate Modern sind austauschbar, vergänglich und Kontingent. Ich bin sehr zufrieden mit diesem als eine Idee, wie es die einzige Richtung scheint erstrebenswertes Ziel sein. Aber eigentlich ist es ein Ersatz für eine eigene Karte. Es ist auch offensichtlich, zu Fuß in einem Raum mit der Tate surrealistischen Sammlung, das Aufrufen dieser Sammlung Innenwelten und suchen sie im Abschnitt Landschaft ist etwa so willkürlich wie Sie bekommen können.

Die Aktivität der Kunstbetrachtung verlangt, dass als Zuschauer, wir unsere eigenen Verbindungen machen. Einige der Konjunktionen und Achsen-wahrscheinlich zu viele - sind so schrecklich, dass man hofft, sie sind sehr vorübergehend. Die meisten grell schrecklichen Augenblick, ist vielleicht der Saal mit der großen, zitterndes wunderschönen Monet Waterlily Malerei, die seit vielen Jahren hing in der National Gallery, gegenüber einer Wand-Füllung schwarz / weiß Splattery Zeichnung von Richard Long. Was teilen diese beiden Künstler, abgesehen von einem Interesse an der Natur? Das Wahrnehmungsfeld der Monet und die all-over Effekt der langen Wand-Zeichnung haben nichts brauchbares zu sagen oder über einander. Was lange dauert wird roter Schiefer Kreis, unten auf dem Boden wie ein Miniatur-Gebirge für sich selbst sagen? Plötzlich ist es ein Stein Seerose. Das ist krass.

Aber man gewöhnt sich die Stöße. In einem Raum, die intelligente Objekt genannt befindet sich Michael Craig-Martin Glas des Wassers, das denkt, dass es eine Eiche ist mit einem Gemälde von Georges Braque eines Glases auf einem Tisch, eine Zeichnung von Duchamps Kaffeemühle (Bachelor schleift seinen eigenen Kaffee ho ho), einen Computer designed by Richard Hamilton und ein wenig Giorgio Morandi 1946 Stillleben. Craig-Martin findet sich wieder, mit einem vereinfachten Linie gezeichnet und farbig-in Gemälden, neben Patrick Caulfield, Roy Lichtenstein und einige Möbel-Skulpturen von Richard Artschwager. Hier stehe, fühle ich mich wie ich in Tintin drehen bin. Wenn ich nach unten schaue, finde ich mich umgeben durch einen Umriss.

Aquarell Frauenfiguren von Marlene Dumas gegenüber Matisse Serie Relief-Rücken ist ganz fröhlich: die Leichtigkeit des Dumas Wäsche Figuren und die schokoladigen schwere Matisse Relief Bronzen ausspielen einander zum gegenseitigen Vorteil. Der große, doppelte Höhe Galerie mit klassischen Werken der Minimal Art - Robert Morris verspiegelten Würfel, eine Senkung und gefährliche Richard Serra, eine schöne

Eva Hesse, Don Judd und Carl Andre - ist atemberaubend. Diese Arbeit ist in der Körper-Suite, und es macht Sinn, nur, dass diese quasi-industriellen und geometrischen Formen uns bewusst was etwas unbeholfene, klumpigen, seltsamen, zusammengesetzten Wesen machen wir sind.

Rückkehr in die Geschichte / Speicher/Gesellschaft, bewegt man sich von einem Raum widmet sich Picassos weinende Frau und des spanischen Bürgerkriegs, ein kleines Zimmer namens The Grid. Es, sind Carl Andre berüchtigten Ziegel, Sol LeWitt-Wand-Zeichnung, eine ruhige lineare Malerei von Agnes Martin und eine atemberaubend schöne Jasper Johns weiß-auf-weißen Zahlen Malerei von 1959 (ein neues Darlehen von Davros-Stiftung), alle abgesperrt auf der einen Seite, so dass man eigentlich nicht sehen die Johns oder der Martin frontal. Das ist schlimmer als frustrierend. Die Andre Ziegel lag halb über eines der industriellen aussehende (aber falsch) Gitter im Boden, Bestandteil der Galerie Klima-Steuerung. Das gesamte Zimmer ist eine Wiederholung des Rosalind Krausss 1978 Essay in der Startaufstellung, Recontextualised, markieren Sie das Raster metaphorische Beziehung zur sozialen Ordnung. Immer sei es was die Künstler im Sinn hatte, ist eine andere Sache.

Weiter geht es zu Fuß durch einen Raum von Frank Auerbach Gemälde direkt in Joseph Beuys. Was gemeinsam diese beiden Künstler? Der Glaube an unsichtbare Kräfte, vielleicht, was in Auerbachs Gemälden durch eckige Vektoren in den Himmel belegt sind. Das Beuys-Zimmer ist eines der schönsten Museen in Tate Modern. Diese hohen Raum mit Tageslicht strömt durch Giles Gilbert Scott ursprünglichen Ufer des schmalen Fenstern beleuchtet ist wunderschön, aber viel zu voll. Beuys überwältigend Blitz mit Hirsch in seiner Blendung, mit seiner riesigen abgehängten Kloß und kleinere, zarte Elemente angeordnet auf dem Boden, ist irgendwie vermindert und verwirrt durch die verstopften Steinen sein ebenso monumentalen Ende des zwanzigsten Jahrhunderts und alle anderen Bits des Beuysabilia, Vitrinen und Tafeln, die das Zimmer teilen.

Aber man kann sehen, warum die Tate anzeigen so weit wie möglich, und seien Sie misstrauisch von Kunst als Spektakel präsentieren möchten. Vor allem - schleicht die lieblose Gedanken in meinem Kopf - wenn so viele Kreditgeber Werke und Spender der Sammlungen in der Stadt sind. Die Wohltäter will sehen, was sie übergeben habe.

Ich bin nörgeln. Ich weiß nicht wirklich Sinn, diese problematische Momente. Dies ist sicherlich, alle Teil der endlosen Arbeit Sinn der Vergangenheit und der Gegenwart. Nie zuvor hat ein Großteil der Tate Bestände gezeigt. Einige der Zimmer für Personen - Tony Cragg, Andy Warhol und Bruce Nauman - sind groß. Die Verbindung von Giacomettis Skulpturen mit zwei Barnett Newmans Gemälde ist herrlich. Ich bin so glücklich, Absalon hier eines seiner einzigartigen weißen Wohnungen - sehen, auch wenn Sie nicht drin - gehen und es ist gut zu sehen, die Wiederbelebung der 40er und 50er Jahre französische Kunst, vor allem Fautriers Geisel Köpfe, seine düstere, verwischten Anklänge an Medardo Rosso. Sarah Lucas trifft schließlich Hans Bellmer in einem herrlich böse Zimmer unangenehm Objekte, die auch eine makabre Chapman-Brüder-Maschine mit Dali-Hummer-Telefon kollidiert. Robert Gober Bein stochert aus der Wand nach unten am Boden in einer Ecke. Manchmal kleine Momente haben die größte Wirkung.

Die Sammlung unter Umständen seltsam angeordnet, aber insgesamt den letzten 100 Jahren oder so der Kunst stellen eine Art von breiten Sinn hier. Machen Sie Ihre eigenen Gedanken über das Layout und die Kunst betrachten. Diese Ausstellung Suiten sind keine Zonen, und Tate Modern ist keine Kuppel. Möglicherweise gibt es eine Tendenz, zu viele falsche Verbindungen machen, aber es spielt keine Rolle. Wir sind frei zu gehen, wohin wir wählen, zu schauen und zu ignorieren. Unser Gefühl der Geschichte und der Gegenwart ist in der ewigen Krise und begleitet von einer endlosen Zweifel, die kein Betrag der kuratorischen Spin oder versuchen-zu-sein-hilfreiche Info-Tafeln geschrieben von Kuratoren, zerstreuen wird. Denken Sie daran, sie sind so verwirrt von Kunst und Geschichte, wie der Rest von uns.

Die Anzeige, fehlerhafte und problematische wie es ist, erinnert uns daran, dass moderner Kunst immer noch ein Experiment, sondern als eine lineare Abfolge von unbestreitbaren Meisterwerke. Gibt es hier irgendwo eine moralische. Was fühlt transiente und mangelhaft, oder modisch und umständlich über die Displays im Tate Modern, ich bin unverschämt meine Begeisterung für den Großteil der Arbeit hier kann ich fast alles verzeihen. Das ist großartig.

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