Delacroix und Rise of Modern Art Review – einige erstaunliche Werke

National Gallery, London
Die stürmische Gemälde von Delacroix stehen im Widerspruch zu ein Mann, der die vollständige Kontrolle hatte. Du musst suchen, hart, aber in diese längst überfällige Show zu finden


Wild aber Selbstdisziplin, feurig, aber cool: Eugène Delacroix ist der härteste der Künstler in den Vordergrund zu bringen. Seinem Wesen und seiner Kunst scheinen grundsätzlich dagegen. Klassik im Temperament – stoisch und prinzipientreue, war er äußerst fleißig und eigenständig – seine Bilder Stamm in ganz andere Richtungen. Bilder, die auf eine literarische Vergangenheit zurückblicken, sind extreme, leidenschaftlich, turbulent, manchmal erschreckend und doch fast immer schön. Wenn es je eine Show warten lohnt sich, wäre es einen allmächtigen Überblick über die volle Fremdheit von Delacroix.

Und Großbritannien hat eine sehr lange Zeit gewartet. Wir hatten keine Show hier seit mehr als 50 Jahren – und ich bin mir nicht sicher, dass wir jetzt haben. Fast sind zwei Drittel der Gemälde in der National Gallery von Künstlern, die angebetet Delacroix (Odilon Redon und Gustave Moreau), Kopien seiner Gemälde (Manet und Gauguin) oder Bilder von ihm gemalt. Eine hingebungsvolle Fangemeinde aus dem 19. Jahrhundert Franzosen drängen sich die späteren Zimmer mit peinlich kränklich Hommagen.

Dies könnte nicht egal ob Delacroix nicht so gründlich gemischt u.a. alle diese Künstler musst du für ihn suchen war (seine Badegäste ist praktisch in einer Ecke versteckt), und wenn die gewählten Bilder von ihm waren, auch nur eines seiner monumentalen Meisterwerke – Das Massaker von Chios, sagen aufzunehmen, oder Freiheit führt das Volk. Aber vermutlich ist der Louvre nicht verleihen ihnen und gibt es nur eine beträchtliche Arbeit in der Show, so dass eine neue Generation von Zuschauern vorstellen könnte, dass Delacroix im Maßstab vergleichsweise zierlich gearbeitet.

Delacroix (1798-1863) hatte seinen ersten Salon Erfolg im Jahre 1822 mit



, in dem der Dichter erträgt einen erschreckenden Transit des Flusses Styx in der Gesellschaft von Virgil, ihr Schiff, umgeben von toten Seelen windet sich wie Aale und rotäugigen Dämonen beißen das Schiff. Es ist eine erschütternde Bild, die Elemente alles im Fluss, den Bildraum in Aufruhr; Baudelaire sah dort was er später als die definierenden Eigenschaften Delacroixs Kunst identifiziert: "die Atmosphäre des menschlichen Dramas und der Zustand der Seele des Schöpfers". Aber alles, was wir in London ist bescheiden Manets Kopie.

Es ist auch ziemlich schwer, die volle Schock der Tod des Sardanapal aus der reduzierten Replik von Delacroix 1846 erhalten. Das Original beleidigt den Salon so vielen es eigentlich zensiert wurde, aber zumindest gibt es ein Gefühl für seine völlige Fremdheit – die Fertigspritze Oberfläche, die flackernden, aufgeregte Pinselführung – in der Öffnung Raum dieser Show, wo die 1846-Version in engen Kontrast zu Delacroix anspruchsvolle Selbstporträt hängt, wenn er in seinen späten 30ern war.

Stattliches größer als das Leben, aber Superfein, so dass der Hintergrund und die Kleidung fast zum Dahinschmelzen scheinen, diesem schwersten Bild ist. Mit seinem ordentlich abgeschnitten Schnurrbart und makellose Jacke erscheint Delacroix stilvoll und geschlossen. Das Gesicht wendet er sich an die Welt ist sorgfältig kontrolliert, alles, er ist bereit, zu geben. "Die Maske ist alles" ist eine Phrase und eine Philosophie, die alle durch seine hervorragend beredte Journalerneut auftritt. Aber noch gibt es die Art und Weise, in der er malt – die Pinselführung ist nervös mobil.

Redon, ihn auf einer Party zu treffen war fasziniert von Delacroixs leonina gutes Aussehen und Loslösung von der sozialen Welt. Sie sehen, dass beide in diesem Selbstbildnis eines Mannes, den niemand außer ihm selbst gehört. Delacroix hat nie geheiratet und seine engsten Begleiter scheint seine Haushälterin gewesen zu sein. Eine isolationistische distanziert sich auch von Bewunderern wie Baudelaire begangen, er fand seine Bilder nicht im heutigen Leben, sondern in der romantischen Literatur von Scott und Byron. Auch wenn er die Barrikaden von 1830 malt, Rast der junge mit der Waffe nach vorne hinter eine mythische Figur der Freiheit. Für echte Menschen bevorzugt Delacroix die Marokkaner auf eine seltene Reise außerhalb von Paris beobachtet, weil sie scheinen fremd und edel teilnahmslos.

Die eine Möglichkeit zur Beschreibung des assyrischen Königs Hamlet sein könnte, mal eine kleine Figur auf einem weiten, wogenden Bett, Gesicht fast unlesbar, tief zurückgezogen aus der Szene alle um ihn herum – die im Wesentlichen das Ende ist für jeden an seinem Hof. Sklaven, Konkubinen, Pferde, alle sollen in seinen Selbstmordgedanken Scheiterhaufen angezündet werden, als der Feind am Tor kommt.

Das Gemälde fällt Leinwand links oben nach rechts unten in einem Fluss von roter Seide, ein Umbruch, der Körper und Architektur Dreschen lässt. Es gibt keinen festen Boden, der Krampf fühlt sich fast kosmischen, und es ist nicht schwer zu erkennen, warum Cézanne war also gezwungen, durch diese außerordentlich ursprünglichen Konzeption des Raumes.

Delacroix war ein Eisbrecher für die moderne ist nicht in Zweifel. Renoir liebt seine Farben und malt seine exoticised Algerier-Versionen; Manet ist fasziniert von der Struktur seiner Kompositionen; Van Gogh ist durch seine strahlende und flackernde Pinselstriche gezwungen. Gauguin führte eine Reproduktion einer Skizze von Delacroix bis hin zu Martinique; Es scheint, dargestellt an der Wand hinter üppigen Stillleben mit Obst. Aber denke, wie viel mehr Gauguin von Cézanne und Van Gogh gelernt.

Anita Brookner, unvergleichliche Kunsthistoriker, hat geschrieben, dass Delacroixs direkten Einfluss auf seine Zeitgenossen in der Tat vernachlässigbar war. Sicherlich sammelten sie seine Arbeit und seine Bildsprache – entlehnt reißenden Tieren, literarischen Helden, Badegäste, Blumen – und viele waren gezwungen durch seine (ziemlich gewöhnlichen) Theorien über die Farbe. Aber das Beispiel von Delacroix als furchtlosen Pionier zählt sicherlich so viel, und bei dem Versuch, die starke visuelle Verbindungen zeigen diese Show ist nicht völlig überzeugend, auch zu ihren eigenen Bedingungen.

Es gibt keinen Beweis, zum Beispiel, dass John Singer Sargent jemals das längliche Porträt von Louis-August Schwiter von Delacroix, sah auf dem er seine ultra-hohen Porträt von Lord Ribblesdale modelliert haben soll (und schmeichelhafte Verzerrungen des Körpers sind Sargents Lager im Handel, darüber). Die Einbeziehung von Kandinsky gerade aussieht und sich anfühlt fadenscheinig. Und eine Galerie voller Blumen tut Delacroix paar gefallen; seine Blüten sind vollständig von Courbet, Gauguin und Van Gogh ausgestochen.

Dies kann nicht die Absicht gewesen sein. Wenn nur die Werke von Delacroix hatte getrennt aus dem wissenschaftlichen Programm und ihre eigene Show gegeben wurde, könnte seine Freiheit des Geistes und Kunst weit stärker gestoßen bin. Aber für alle bereit, die Mühe machen, zu finden und konzentrieren uns rein auf seine Gemälde gibt es einige erstaunliche, aufregende Werke nicht.

Und Konzentration ist genau das Problem. Delacroix erklärte einmal, dass alles, was seine Bedeutung im Handumdrehen nicht offenbart hat für ihn keinen Wert; Doch genau das Gegenteil gilt für seine eigene Kunst, die seine Sache also sofort – das menschliche Drama – zu geben scheint, sondern offenbart seine Bedeutung erst nach einem langen Blick.

Szenen am Strand allmählich erscheinen apokalyptischen: der Rand der Welt. Das Feld der Schlacht wird eine zukunftsgerichtete grünes Meer. Und das Meer selbst – hat jemand jemals seine Mehrdeutigkeit mehr glänzend als Delacroix gemalt? In Christus schlief während der SturmÜberspannungen das Boot trägt die schlafenden Christus und seinen Jüngern fassungslosen auf ein Meer, das ist eine Gezeitenkraft und eine flüchtige Flüssigkeit, die einen Mann in Sicherheit zu transportieren oder Raubkatze ihn zu ertränken. So fremd wie Weltraum, Delacroix Meer wäre ein Sinnbild für seine Kunst: auf mysteriöse Weise kontrolliert, kraftvoll wild.

• Delacroix und die Rise of Modern Art ist in der National Gallery, London bis 22 Mai

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