Eignet Sparmaßnahmen sich für die Kunst?

Josie Rourke, künstlerischer Leiter des Bush-Theater und Beobachter Schriftstellers Sean o ' Hagan zu diskutieren, ob Fragen zu Finanzierung

KEINE Josie Rourke

Es nützt nichts, hält harte Zeiten als eine mächtige Inspirationsquelle, verlieren wir die Plattformen, auf denen der Kunst gehört, inszeniert und aufgeführt sind. Es gibt kein ernstes Gespräch über "Garret chic" zu haben und wir müssen aufpassen, dass wir nicht in romantisierenden Widrigkeiten fallen. Nicht alle Kunst erfordert Subvention aber eine Menge davon hat, und, die die Kunst in diesem Land engagiert, ausgezeichnete und provokativ für mindestens im letzten Jahrzehnt haben deshalb, weil sie selbstbewusst finanziert wurden.

Wenn Ressourcen so tief, wie mancherorts vorgeschlagen wird abfließen, Künstler nicht anzupassen, oder tun Sie etwas fabelhaft und Gegenkultur, sie einfach aufhören. Schlimmer noch, werden unabhängige Mittel eine Entry-Level-Voraussetzung für neue Künstler. Wir haben alle kostenlos gearbeitet, um zu starten, geschrieben in unseren Zimmern, liehen und bat eine Art Stütze, Lautsprecher oder Studio. Die Fähigkeit dazu – nicht selten – ist von den Eltern schwebte, die sich leisten können, zu unterstützen und, mehr als oft nicht, Leben in London.

Eines der wichtigsten Dinge die Subvention macht – und sollte härter arbeiten, um zu tun – besteht darin, dass wir den Bereich des künstlerischen Ausdrucks zu den privilegierten beschränken nicht leisten können, für eine Pause herum zu hängen. Es ist sicherlich richtig, dass interessante Zeiten interessante Kunst produzieren (obwohl in Theater, die aktuelleren oder direkt reagiert das Spiel, desto unwahrscheinlicher ist es ins Repertoire, Agit-Prop tendenziell Datum) aber ohne anständige Subventionen, interessante Zeiten erzeugt keine interessante Künstlern weil die Auswahl an Hintergründen, aus denen sie entstehen, beschränkt werden; der Umfang wird schmal und Privileg, Privileg sprechen.

Dennoch ist das letzte, was, das jemand, um im Moment erleben will, dass Künstler ihre Hände in die Luft werfen und sagen, dass Kürzungen sind ein "Desaster für die Kunst". Künstler sind, reagieren, adaptive und eine Herausforderung für die Gesellschaft, in der sie arbeiten, deshalb haben wir sie. Bei meinem subventionierten Theater, Busch, sind wir auf der Suche nach intelligenten Möglichkeiten, die Ressourcen zu Strecken, die wir die Arbeit produzieren müssen, täglich. Unser Produktionsleiter ist – auch als Typ I – einige Deckenplatten aus einem stillgelegten Büroeinheit für unsere nächste Show-Set befreiend.

Unsere öffentliche Finanzierung unserer Initiative begrenzt nicht, und es macht uns nicht faul Denker. Eine neue Künstlergeneration kommt durch deren Wunsch, wiederzuverwenden, zu leihen und recyceln so viel durch die grünen als Geld sparen angetrieben wird. Es ist eine Binsenweisheit, dass im Theater, Einschränkung eine Bedingung für unsere Kreativität ist, aber es wichtig ist zu betonen, dass unsere Fähigkeit, zwang eine Tugend machen nicht beschränkt auf Perioden der Enthaltsamkeit ist.

Ich habe gerade aus einem $200.000 festgelegten Budgets in Chicago eines £6.000 festgelegten Budgets auf den Busch gegangen. Zwischen diesen beiden Shows gibt es kleine Unterschied in die Kreativität, die Konzentration und die Arbeitsauslastung. Ich habe Erfahrung, Einschränkungen für die Arbeit in den USA, und sie wurden angetrieben durch Finanzen aber sie waren nicht Haushalt. Sie kamen aus Besorgnis über die Reaktion der wichtigsten Geber auf den Inhalt des Schreibens. In Amerika ist dies eine ständige Sorge um ihre ungeförderte Theaterkultur, und etwas, was wir in diesem Land nie begegnen würden.

In meinem eigenen Bereich – neue Stücke – sehe ich eine faszinierende, engagierte und hochpolitische Generation von Autoren, die über unsere veränderten und sich verändernden Welt schreiben entstehen. Ich sehe auch eine Gruppe von betrachtet und ernsthafte Menschen, die unsere Theater, die sind mehr als fähig, Umgang mit Ressourcen und eine ernsthafte und öffentlichen Gespräch darüber, wie wir in diesen schweren Zeiten ohne Beschädigung unserer Kulturgüter. Großbritannien hat eine instinktive Verständnis wie die Chance an nachfolgende Generationen weitergeben. Es ist unsere Verantwortung, hand auf starke Argumente für diejenigen, die innerhalb der Regierung zu machen und stärken ihre Klage gegen zu tief für zu lange schneiden müssen.

Ja Sean O' Hagan

Die Frage ist "Sparmaßnahmen gut für die Kunst?" an sich problematisch. Das erste, was zu sagen ist, dass Kunst heraus, ob wir in einer Zeit der wirtschaftlichen Not oder großen Wohlstand leben. Schlechter Kunst – wenn so etwas vorhanden ist – auch hält produziert und, in geringerem Maße, halten subventioniert.

So die Idee, dass Künstler plötzlich stoppt Produktion von Kunst, wenn die Finanzierung wird geschnitten, scheint eine seltsame eins. Künstler machen Kunst, weil sie es müssen; Finanzierung hilft, aber es ist nicht das alles-und-Ende-a. Ich bin mit dem Begriff "Gegenkultur" zu kämpfen. Was bedeutet es in diesem Post-Postmoderne Moment? Es scheint eine altmodische Begriff, ein Überbleibsel aus den stürmischen Tagen von Mitte bis Ende der 1960er Jahre gab es so etwas wie eine (vage) einheitliche Gegenkultur. Zu einem Grad die gleichen Gegenkultur gedeihen auf und reagieren gegen Wohlstand und Optimismus, die Harold Wilsons erste Amtszeit als Ministerpräsident besucht. Weniger als ein Jahrzehnt später abgefeuert, die wirklich harten Zeiten der 1970er Jahre der Punk-Bewegung und seine DIY Ethik, die eine sterbenden britischen Musikszene neu belebt. In der jüngeren Geschichte wurde in schlechten Zeiten sowie gute großer Kunst produziert.

Man könnte so weit gehen zu sagen, dass Sparmaßnahmen Erfindung züchtet. Die Generation der YBAs genannt wurden auf ihre aufregendsten als eine lose kulturellen Gruppe Wenn sie kämpften. Als Geld in noch nie da gewesenen Mengen kam, reagierten viele Künstler mit vulgären und übertrieben war. In gewisser Weise ist Hirsts Diamant verkrustete Schädel (siehe oben) der extreme – und clever – Anklage gegen die Kultur des Geldes, die britische Kunst hat in den letzten Jahrzehnten vulgarised. Die Finanzierung der hohen Kunst, sei es in Museen oder Opernhäuser, untermauert durch die altmodische Vorstellung, dass es uns irgendwie quasi spirituelle erhebt, dass ein großes Kunstwerk bietet eine Art transzendente Erfahrung für diejenigen, die stumm davor sitzen. Der Literaturkritiker John Carey brillant dagegen in seinem provokanten Buch argumentiert hat was gut sind die Künste? Es entlässt er die Idee, dass Oper braucht staatliche Finanzierung, denn das ist die schwierigste und anspruchsvolle der Künste. "Was," fragt er: "ist schwierig, über in Plüsch Sitze sitzen und Musik hören und singen?" Nicht zu vergessen, wurde am Royal Opera House ein 178 Millionen Pfund teuren Renovierung unterzogen, wenn die Zeiten gut waren. Wie können wir den Wert der, anders als in Bezug auf die nachfolgenden Produktionen messen? Wie die overhyped, ungünstigen Biennalen und überfüllten Blockbuster zeigt, dass die Kunstinstitutionen jetzt große, groß spezialisieren, übertrieben Produktionen sind ein weiteres Beispiel dafür, was die Amerikaner "kulturelle Aufblasen" nennen: eine Folge der Begriff so groß ist schön, dass die Extravaganz irgendwie Qualität entspricht. Oft entspricht es Bombast und Langeweile.

Das Problem ist, dass wir alle in einer Zeit der Enthaltsamkeit ein. Eine passendere Frage wäre, ob ein Sonderfall für Künstler und Kunstinstitutionen gemacht werden sollte. Ich denke nicht. Kunst wird unabhängig von die Umständen heraus, weil braucht muss. Sie können ein Spiel auf einer kahlen Bühne aufsetzen und machen das Werk zu singen. Dieses Modell arbeitet so viel für eine Opernproduktion als lokale Theater. Meine Hoffnung ist, dass Sparmaßnahmen wird Unzufriedenheit zu züchten und eine Generation durch die harten Zeiten, Kunst zu machen, die wieder einmal wagt, wütend zu sein verzinkt und wird – ich zu, dass es sagen wage? – politisch engagiert. Jetzt ist eine altmodische Idee reif für rebranding.