Eine kurze Geschichte des französischen Kinos

Von den Pionieren der Leinwand zum heutigen neuen Realismus haben französische Regisseure Filmemachen auf der ganzen Welt geprägt.

Frankreich kann mit einer gewissen Berechtigung behaupten, das ganze Konzept des Kinos erfunden zu haben. Film-Historiker nennen die Ankunft eines Zuges in La Ciotat Station, die 50-Sekunden-Film der Gebrüder Lumière, zuerst im Jahre 1895, die Geburt des Mediums abgeschirmt.

Aber der bekanntesten frühen Pionier, der aus Filmen mit irgendeiner Art von Mittelformate Erzählwert, war Georges Méliès, deren A-Kurztrip 1902 zum Mond im Allgemeinen als der erste Science-Fiction-Film und ein Wahrzeichen in filmische Spezialeffekte angekündigt ist. Unterdessen Alice Guy-kurz, Léon Gaumonts einmalige Sekretärin, ist weitgehend in Vergessenheit geraten jetzt, aber mit Filmen wie L'enfant De La Barrikade Routen den Status des Seins der erste weibliche Filmemacher.

Die überragende Leistung des französischen Kinos in der Stummfilm-Ära war zweifellos, dass Abel Gance sechsstündigen Biopic von Napoleon (1927), die viele große Produktionen der Zeit wie eine abgehackte nachfolgende Geschichte gehabt hat. Vor allem dank der Bemühungen der Filmhistoriker Kevin Brownlow, eine restaurierte Fassung – komplett mit dem Original 3-Projektor Finale – 330 Minuten gelegentlich gesehen werden kann; aber da Gance sechs Filmzyklus, nur Nummer eins von denen jemals fertiggestellt wurde ursprünglich, haben wir immer nur einen Bruchteil von dem, was beabsichtigt war. Aber Belgien stammende Jacques Feyder war nicht zu übertreffen, mit den außergewöhnlichen L'Atlantide (1921) und Gesichter von Kindern (1925). Und der künstlerischen gären vor und nach dem ersten Weltkrieg machte sich Frankreich fühlte sich filmisch, mit einer erstaunlichen Ausgießung des avantgardistischen Kurzfilme. Wichtige Titel sind Jean Vigos sowjetisch geprägte A Propos de Nice (1929), Fernand Légers Dada-ist Ballet mécanique (1924) und zwei surrealistische Meisterwerke: Germaine Dulac's die Muschel und der Pfarrer (1928), mit einem Drehbuch von Antonin Artaud und Buñuel/Dali Zusammenarbeit Un Chien Andalou (1929).

Die frühen sound Jahre sah eine Explosion von Talent. Dramatiker Marcel Pagnol setzen Anpassungen seiner gefeierten Marseille-Stücke in die Produktion – erste Marius (1931), dann Fanny (1932), und schließlich César (1936), die er selbst bestimmt. René Clair machte das Musical, unter die Dächer von Paris (1930). Aber die Zeit wirklich gehörte zu den Pionieren des "poetischen Realismus" – Vigo, Jean Renoir, Julien Duvivier und Marcel Carné. Meisterwerke im Überfluss in der Zwischenkriegszeit: Vigo Mittelnerv Satire Null de Conduite (1933) folgte der lyrischen L'Atalante (1934). Tragischerweise war es sein letzter Film, wie er Tuberkulose noch im selben Jahr im Alter von nur 29 erlegen. Renoirs Karriere startete mit Boudu gespeichert vom Ertrinken (1932), und danach produziert eine Reihe von brillanten Filme bis zum Ausbruch des zweiten Weltkrieges: A Day im Land (1936), die Verbrechen von Monsieur Lange (1936), La Grande Illusion (1937), La Bête Humaine (1938) und wohl das größte von allen: La Règle du Jeu (1939). Duvivier wog mit Algerien-Set Gangster Garn Pépé le Moko (1937), während Carné auch erwartet amerikanisches Noir mit Quai des Brumes (1938) und Le Jour Se Lève (1939). Aber Carné, übertraf sie wohl alle mit Les Enfants du Paradis (1945); gefilmt während der Nazi-Besatzung, wurde das romantische Melodram in der 19. Jahrhundert Theaterwelt gesetzt zum Symbol der nationalen kulturellen Identität, wenn es endlich veröffentlicht wurde.

Die Unterbrechung durch den Krieg verursachten sah die Avantgarde, die Oberhand zu gewinnen, mit Robert Bressons minimalistischen Tagebuch ein Landpfarrer (1951) und Cocteauss La Belle zurückzugewinnen et la Bête (1946) und Orphée (1950). (Fans von The Matrix könnte feststellen, wo sie ihre Flüssigkeit-Spiegel-Idee von geborgt.) Cocteaus Werk gab auch eine Chance für eine neue Generation in der Form von Jean-Pierre Melville, der angestellt wurde, um eine Anpassung der Les Enfants Terribles (1950) zu leiten. Vielleicht waren nicht zufällig eine neue Generation von politisch radikalen Filmkritiker, betreut von André Bazin in Cahiers du Cinema aufwachsen. Ihre Arbeit direkt in den explosiven Erfolg der französischen neuen Welle in den späten 1950er Jahren eingespeist: Kritiker wie François Truffaut und Jean-Luc Godard, Claude Chabrol übertragen ihre Ideen direkt auf den Bildschirm. Truffaut-400 Schläge (1959) und Godards außer Atem (1960) waren die Vorhut, aber die neue Welle ausgelöst ein Jahrzehnt und eine Hälfte von Brillanz, mit einer Fülle von brillanten Filmemacher, verbunden mit der Bewegung – Agnès Varda, Jacques Demy, Louis Malle, Alain Resnais, Eric Rohmer. In der Zwischenzeit abgeschlossen Melville, der in der New-Wave-Ära blühte hatte, eine Trilogie von Meisterwerken am Ende des Jahrzehnts: Le Samourai (1968), Armee im Schatten (1969) und Le Cercle Rouge (1970).

Nach dem Ausscheiden aus seinen Stempel auf einer Vielzahl von europäischen nationalen Kinos, und schließlich Hollywood bis Ende der 1960er Jahre, begann die Nouvelle Vague, schließlich auslaufen; aber kommen oben hinter waren eine Gruppe von Oberfläche besessen Stil Kaufleute, die das glänzende errichtet 1980er Jahre "Kino du aussehen". Jean-Jacques Beneix mit Diva (1981) und Betty Blue (1986), Luc Besson mit U-Bahn (1985) und Leos Carax mit Mauvais Sang (1986) waren hier die Kennzahlen der Beschleunigung Motorrad, studierte Geste und das bunte-Stück viel gegeben.

Realismus hat ein Comeback in den 1990er Jahren vor allem durch die unter der Regie von Mathieu Kassovitz La Haine, aber die führenden Einfluss der nächsten Generation wurde zweifellos Jean-Pierre Jeunet, der mit Feinkost (1991) und Amélie (2001) eine gallische Antwort auf dem Comic-Buch-beeinflussten Stil von Sam Raimi, Terry Gilliam und Barry Sonnenfeld perfektioniert. In den letzten Jahren, Jacques Audiard wohl angesehensten Auteur Frankreichs, mit The Beat, dass mein Herz setzte (2005) und ein Prophet (2010) geworden.