Ellsworth Kelly-Nachruf
Eines der wichtigsten amerikanischen abstrakten Künstler, die brillante modulare Leinwände und spektakulären Skulpturen unter freiem Himmel in Stahl geschaffen
Der amerikanische abstrakte Künstler Ellsworth Kelly, starb im Alter von 92, erstellt scharf definierten Zusammensetzungen, die zumindest am Anfang, seine visuelle Erlebnisse – "ein Fenster oder ein Fragment von einem Stück Architektur oder jemandes Beine..." verbunden waren, In den frühen 1950er Jahren seinen Stil erwartet die ungebrochenen Farben und klaren Linien der hard-Edge-Malerei um einige Jahre. Obwohl er mit einer Reihe von Bewegungen, einschließlich Minimalismus in den 1960er Jahren war Kelly konsequent unabhängig geblieben, Kombination von seinen strengen Sinn für Form mit einer einzigartigen, Sunstruck Palette.
Kelly wurde in Newburgh, New York, geboren, obwohl er verbrachte einen Großteil seiner Kindheit in New Jersey. Sein Vater, Allan, zunächst für die Armee arbeitete, schließlich ließ sich nieder in Versicherung, während seine Mutter, Florenz, ein ehemaliger Lehrer, einen stärkeren Einfluss ausgeübt. Sowie die Förderung ihres Sohnes lebenslanges Interesse an Ornithologie, gab sie ihm ein inspirierendes Kunstbuch als er in seiner Jugend war obwohl sie später seine Berufswahl missbilligte. Er erwachsen während des zweiten Weltkrieges und nach einer technischen Ausbildung am Pratt Institute in Brooklyn, serviert in einer Camouflage-Bataillon in Maryland und Tennessee vor seinem Eintritt bei der Alliierten Streitkräfte in Frankreich – eine außergewöhnliche Vorgeschmack auf das Land und seine Kultur.
Am Ende des Krieges begann Kelly seine künstlerische Ausbildung, die durch den Staat unter der GI Rechnung bezahlt wurde. Noch wichtiger als seine klassische Ausbildung von 1946 bis 1948 an der Schule des Museum of Fine Arts in Boston die sechs Jahre waren verbrachte er unmittelbar danach in Paris, wo er mit europäischen Koryphäen wie Jean Arp, Constantin Brancusi und Joan Miró sowie der Kerl Amerikaner John Cage, Merce Cunningham und Alexander Calder.
Während dieser Zeit zog Kelly rasch von der Naturalismus seine markante Selbstporträt mit Dorn von 1947 durch eine Reihe von hieratischen, expressionistischen Zahlen fast völlig abstrakten, oft monochrome Gemälde. Viele seiner Werke sind architektonische Fragmente nachempfunden: Mandorla, 1949, stammt aus der oberen Fassade der Kathedrale aus dem 12. Jahrhundert in Poitiers, während die Schatten der Geländer auf Schritte das Muster der Baureihe La Combe von 1950 / 51 bestimmt.
Kelly wird beschrieben, wie, bei einem Besuch in das Museum of Modern Art in Paris im Jahre 1949 er mehr durch die Fenster als von den Bildern beeinflusst wurde, die zwischen ihnen hing. Die resultierende Zeichnung führten zu einem stark abstrahierte Bild bestehend aus zwei Leinwände, eine rückgängig gemacht und die andere weiß, in einem schwarzen Rahmen lackiert. Es ist ein frühes Beispiel für Kellys multipanelled Kompositionen, die teils von Renaissance Polyptychen, vor allem Matthias Grünewalds Isenheimer Altars inspiriert wurden. Aber sie sollen vor allem ihr eigenes Material als gegenständliche oder expressiven Qualitäten zu betonen. Kelly sagte, sind sie einfach "Objekte, unsigned, anonyme".
Viele der Kellys Werke aus dieser Zeit spiegeln die Innovationen der älteren, heroischen Figuren in der Welt der französischen Kunst. Die Post-kubistische Antibes ist benannt nach der Stadt mit dem Picasso-Museum, Kelly im Jahr 1949 besuchte; die schwarz-weiß-Streifen der Cité (1951) wurden willkürlich, teilweise basierend auf einen Traum und reflektieren surrealistische Verfahren angeordnet. Diese Betonung der zufälligen inspiriert auch die Malerei Spektrum Farben angeordnet durch Zufall (1951-53) und "exquisite Corpse" Zeichnungen in 1950 mit Ralph Coburn, einen Expatriate Freund aus Boston. Bis zum Ende seines Aufenthalts in Frankreich hatte Kelly einige klassische Kompositionen aus farbigen Rechtecken mit wiederholten Modulformen, wie rot gelb blau weiß und schwarz mit weißen Rand (1952-53) erstellt. Aber Erfolg und Wohlstand entzog sich ihm. Er hat eine Vielzahl von Arbeitsplätzen, von Kunstlehrer und Nachtwächter, Textildesignerin, vor dem Leiden Gelbsucht im Jahr 1954. Er entschied, dass es Zeit war, nach Hause zu gehen.
Nach seiner Rückkehr in die USA verschoben Kelly in Bereich Coenties Slip von lower Manhattan, in der Nähe von Künstlern wie Agnes Martin und Robert Indiana, in einer Kultur, die ganz anders als die abstrakten Expressionisten aggressiv männlichen, heterosexuellen Milieu wurde. Kellys Werk reicht von Tuschezeichnungen, basierend auf die wandelnden Schatten in einem sich bewegenden bus nach bemerkenswerte abstrakte Gemälde – schwarze oder farbige Formen schweben mühelos gegen einen weißen Rand oder Mitte der 60er Jahre, Platten zusammen um komplexe, dreidimensionale Formen zu erstellen. Leuchtende Effekte entstanden mit einer Palette von Farben, oft subtil anders als Grundfarben und in mehreren Schichten aufgetragen, während Pigmente von einem Bereich eines Bildes mit denen in einem anderen gemischt wurden, so dass die verschiedenen Zonen aufeinander beziehen würde.
Sein Ruhm wurde durch seine Beziehungen zu den Betty Parsons und Sidney Janis Galerien entwickelt, und er war oft verbunden mit modischen Zeitgenossen wie die hard-Edge-Maler, die sein Freund Jack Youngerman enthalten. Kelly war auch zur Minimal Art verbunden, obwohl sein Ansatz ziemlich unterscheidet sich von Frank Stella, die unverblümt erklärt war "what you see is what you see".
Im Gegensatz dazu erstellt Kellys brillante Leinwände reiche bildliche Effekte, vor allem, wenn gegen die weißen Wände des modernistischen Interieur, zu sehen, während einige Werke anspruchsvolle Wahrnehmungs Spiele, wie Sie die Op-Art gespielt. In rot-grün (1968) wird beispielsweise die Anregung der Tiefe durch eine Fläche von der Malerei-Projekte auf den Betrachter in eine rezessive Grünstich erschwert.
Andere Stücke gemacht bestimmte Verweise auf externe Objekte oder Ereignisse. Gelb mit roten Dreieck (1973, jetzt an der Corcoran Gallery of Art in Washington, D.C.) zog auf Kellys langjährige Interesse an Architektur, in diesem Fall die Beziehung zwischen einer Dachgaube und ein Dach sah er aus seinem Atelier. Solche Bilder bringen auch Kellys glauben an die Flüchtigkeit der visuelle Realität, die ständig wechselnden Konfigurationen im Alltag spürbar. "Ich möchte Teil dieses Mysterium in meiner Arbeit zu erfassen," sagte er.
Für alle seine chromatischen Intensität war Kelly nicht abgeneigt, mit stumpfer Töne für bestimmte expressive oder visuelle Effekte. Seine graue Tafelbilder in der Mitte der 70er Jahre vermittelt seine eigenen Reaktionen auf den Krieg in Vietnam; Diagonale mit Kurve XIV (1982) ist ein dunkles Blatt Stahl, inspiriert durch eines seiner ornithologischen Begeisterungen, der Flug des Skimmers schwarz wie vom 19. Jahrhundert Illustrator Audubon dargestellt.
Während der 70er und 80er Jahre produzierte Kelly viele spektakuläre Skulpturen aus Stahl und anderen Metallen, oft für outdoor-Einstellungen. Obwohl er zunächst Wandreliefs aus farbigen Aluminiumplatten in den 50er Jahren gemacht hatte, konnte seine ehrgeizigste frühe Projekte, insbesondere die New Yorker Freiheitsstatue umgeben von gigantischen abstrakten Formen kaum außer in Collage realisiert werden. Aber Kelly zog nach Spencertown, im Bundesstaat New York, 1970, konnte er eine Reihe von großen Stücken mit charakteristischen abgerundeten Ecken in seinem eigenen Garten, als auch außerhalb des Connecticut-Hauses des Architekten Philip Johnson eingerichtet.
Späteren Kommissionen, darunter Werke für Barcelona einschließlich der Totem-artige Struktur im Plaza del General Moragues (1987), waren noch monumental in Umfang und Bedeutung.
Kellys Interesse an sensiblen öffentlichen Raum zu artikulieren führte auch ihn zu mächtig für das United States Holocaust Memorial Museum in Washington, DC (1993) und 1998, Deutscher Bundestag in Berlin und dem US-Gericht in Boston Kompositionen. Seine Vielseitigkeit wurde nicht nur in seiner Verwendung von Materialien von Fiberglas bis hin zu Aluminium angezeigt, aber auch durch die Art und Weise in dem er reagierte auf verschiedenen körperlichen und seelischen zusammenhängen.
Die unbestrittene Bedeutung von Kelly zu abstrakten Nachkriegskunst führte zu einer Reihe von renommierten Ausstellungen aus der Retrospektive veranstaltet Diane Waldman im Guggenheim Museum in New York im Jahr 1996 auf eine intime Show sechs Jahre später im Centre Pompidou, Paris, die Kellys verfeinert, auch strenge Pflanze Zeichnungen mit flüssiger Beispiele von Henri Matisse gegenübergestellt.
Akquisitionen von Kellys Arbeit wurden 1999 durch das San Francisco Museum of Modern Art, wo viele der Kunstwerke erwähnt hier befinden, und vier Jahre später von der Menil Collection in Houston. Andere Galerien beauftragt, Site-spezifische Objekte, einschließlich weiße Kurve, größte Wandskulptur Kellys für Renzo Piano modernen Flügel am Art Institute of Chicago (2005).
Aus Sicht der architektonischen Integration war eine besonders beeindruckende Leistung blau schwarz (2001), eine 8 m hohe Aluminium-Panel in Tadao Andos Pulitzer Foundation for the Arts in St. Louis. In den Tönen und Proportionen ist es eine feine Ergänzung zu Andos Architektur, beispielhaften Kellys Wunsch, malerische Effekte zu erzeugen, bei denen die gesamte Einstellung. Solche Werke sind typisch für seine Leistung, Verbesserung der Wiedergabequalität von seiner Umgebung, und die Rolle der abstrakten Kunst jenseits seiner gewohnten ausdrucksstarken und formale Funktionen zu erweitern.
Kelly machte eine Chevalier de l ' Ordre des Arts et des Lettres in 1988, Chevalier De La Légion d ' Honneur im Jahr 1993 und Commandeur des Arts et des Lettres im Jahr 2002. Im Jahr 2013 erhielt er die National Medal of Arts.
Er hinterließ seinen Mann, Jack Shear, und einen Bruder namens David.
• Ellsworth Kelly, Maler und Bildhauer, geboren 31. Mai 1923; 27. Dezember 2015 starb