Gauguin: in der Mystiker

Gauguin ist für seine erstaunlichen Farb- und hinreißenden gefeiert. Seine Arbeit ist aber auch voller Geheimnisse – Idole, Engel, Geister der Toten. Von Alan Hollinghurst

Was für eine Überraschung dieses frische Gesicht junge Mann trifft, Sie gleich hinter der Tür mit seinem Blick und seiner rosa Teint und seine Luft von erfolgreich Blau Ausgleich Geschäft und Vergnügen. Sie sich für eine Minute Fragen, wenn es wirklich, Gauguin, "der wilde aus Peru" sein kann, dessen Bild mit Rebellion, Flucht, Ablehnung aller gesellschaftlichen und künstlerischen Normen gleichzusetzen ist. Er trägt die modische schwarzen Fes ein Kunstliebhaber, sondern mit intelligenten Kläppchenkragen, schwarze Krawatte und Anzug. Gibt es ein Hauch von Wildheit, vielleicht über den Mund, obwohl die Augen laden Sie ein, es zu übersehen. Fast unter seinem Kinn sind die kleinen blonden Stubs einen Bart, aber ihm fehlt einen Schnurrbart, die Funktion, die mit Kapuzen Augen und langen, gebogenen Nase, war das Symbol von Reife Gauguin zu definieren. Dies ist eine kultivierte und erfolgreichen Börsenmakler in seinen späten 20ern, und du dich geistig das Gesicht des Malers Sonntag in die Zukunft und alles noch nur latent in sich drehen.

Das Drehen Weg ist Teil der Gauguins Herausforderung. Selten wird er uns in die Augen so wieder aussehen. Danach er winkelt seinen Kopf (Angeberei, dass "Inca" Nase) und sieht uns schief, als Menschen, die wären glücklich, ihn kennen zu lernen. Vorsichtig, empfindlich, stolz, manchmal etwas absurd, wird er ein wunderbares Thema für sich. Neun Jahre später, ist Einschiffen auf die Karriere, das sieht aus wie Wahnsinn, seine Familie zu sorgen, er pointiert in einen dicken Mantel mit Palette neben ihm und die schrägen Hölzer einen Garret Decke gewickelt. Acht Jahre danach, am Ende seiner ersten Aufenthalt in Tahiti, er stellt in gestreiften bretonischen Jersey und Polka-Dot-Fliege mit einem polynesischen Idol auf: eine kulturelle eklektisch mit Hand am Kinn als wollte er sagen: "Was machen Sie davon?" Zurück in Frankreich ein paar Monate später er hat seine Reisenden Hut auf und die Neigung der Decke erwies sich als Gold-Bar von der intensiven gelben Gauguin liebte; hängenden hinter ihm, in umgekehrter Richtung, ist die Hauptarbeit von diesen Reisen die störenden Manao Tupapau, in denen ein nackte Teenagers Mädchen Gesicht auf einem Bett, bewacht von den schwarz gehüllt Geist der Toten hinlegt. In alle diese Selbstbilder die Einladung des Künstlers zu bewundern ist abgesichert mit Defiance – die prahlen Manao Tupapau gehört künstlerische, Teil sexuelle Prahlerei über die Art der Teenager "Braut" zur Verfügung, um die exotischen Reisenden war er geworden. In Christus auf dem Ölberg nimmt er zündete es gefährlich weit erscheint als ein Scharlach-behaarte Jesus hell vor einem dunklen Hintergrund in dem schattenhafte Figuren flüchtig sind nähert sich. Dort ist eine unvermeidbare Sinn, den eine gute Portion Selbstdarstellung Gauguins, genau das war, eine Pose, aber eine, die unseren Sinn für die Poseur durch die wiederholte Produktion der Werke des Genies verwirrt.

In Manao Tupapau , die wir verstehen, dass das rohe schwarze Idol am Fuße des Bettes, sehr offensichtlich für uns dennoch möglicherweise einfach eine Projektion des Mädchens schlaflose Terror – den Kopf auf dem Kissen ist abgewandt, uns gegenüber, und ihre Augen vermitteln eine unkalkulierbare Mischung aus Passivität, Anklage und Angst. Es ist ein großes Bett, die, das Sie auf, am äußersten Rand, mit Raum hinter ihr liegt, wo jemand anderes gelegen hat, und wird dies auch wieder tun. Ist die magnetische Schwingung in das Bild ihres Körpers, zwischen den Augen und rosa Highlight der Felsspalte ihr Gesäß, unbehaglich pornografische, war Gauguin verständlicherweise bei Schmerzen, die stark betonen aber zweideutig Luft von der metaphysischen, die das Bild durchdringt. In der lila Nacht über dem Bett scheinen nicht entzifferbar Formen und Phosphorescences Noten von natürlichen und übernatürlichen Welten. Die Kraft des Gemäldes liegt teilweise in seine verwirrend aber irreduzibel Mischung der Motive.

Gauguin – deren Affinitäten mit den Symbolisten waren tief – hatte bereits erkundet eine gleichzeitige Darstellung des realen und imaginären in The Vision nach der Predigt, malte vier Jahre früher in der Bretagne, wo die betenden Bäuerinnen und Jakob ringt mit dem Engel zusammen, die breite Diagonale eines Baumstammes Teilung der zwei Arenen Erfahrung gezeigt werden. Es ist ein Schauspiel, dass alle, aber eine der Frauen, mit ihren Augen beobachten geschlossen. Eindeutig eine große reiche Geschichte der Darstellung des Heiligen Visionen in der westlichen Kunst verbirgt sich hinter dem Gemälde jedoch Gauguin hat es in einer neuen Konfiguration durch seine stilisierten Flächigkeit der Behandlung, Kühnheit des Designs und erstaunliche Zinnober Feld gegen, das Vision gesehen ist gerissen. Obwohl er das Christentum abgelehnt, war Gauguins Auge für visionäre Erfahrung ein Mystiker so viel wie der Anthropologe "primitiven" Überzeugungen.

Er hatte auch intime und nationale Ansätze an die Schwelle der Träume, in eindringlichen Bildern von zwei seiner Kinder Einschlafen gemacht. Seine Tochter Aline liegt in The Little One ist Dreaming gedreht Weg von uns, Oberkörper drängten sich in Schlafanzügen, Beine heraus in der Kälte, während oben die schwarze Dado Schiene hinter dem Bett, dunkle Blätter und Vögel stürzen im grünen, als ob die Tapete zum Leben erweckt hatte. Der Spitzen-capped Narr einer Puppe durch das Betthaupt ist weniger erschreckend als der Geist der Toten, aber dennoch vage verleumden clowneske Spielball, die ist auch der Impresario der ihre Träume oder Alpträume.

Es ist eine Puppe, auch auf dem Bild seines Sohnes, Clovis Gauguin eingeschlafen, das Gesicht verschwommen wie von Schlaf, die blauen vertikalen Pinselstriche der Wand darüber hinaus geritten von wirbelnden Formen der Kreaturen oder Blumen. Clovis Hand streckt, als ob zur Beruhigung, zu einem großen Krug geschnitzt. – Aus dem 18. Jahrhundert, Norwegisch – erscheint in der Nähe von in der neuen Ausstellung in der Tate Modern, geben dem Betrachter auch vage unheimliche Gefühl, in Reichweite des Traums.

Traum ist nicht immer das richtige Wort zu vermitteln die Mysterien und Disjunktionen in einem Gauguin Gemälde, in denen gibt es häufig etwas Unerwartetes passiert. Die schönen bunten Äpfel in ein Stillleben sitzen auf einem weißen Tuch neben die mehr beunruhigend, organischen Form eines seiner eigenen braune Keramik, das Ensemble Befragten im Nahbereich durch das bebrillte Profil seines Freundes Charles Laval, so dass ein Genre scheint zu einem anderen, das Ergebnis ist eine Art von schrägen Gespräch zwischen den beiden Künstlern besetzt haben. (Es war mit Laval, die Gauguin kurz war zu Besuch in Panama und Martinique, die einen Wendepunkt in seiner Kunst wäre.) In belebter Stillleben mit Früchten wird drei Jahre später, die Ausbreitung der Früchte an noch engere Auswahl durch das Apfelgrün Gesicht eines Kindes hungrig und ungeduldig geprüft. Und in das hinreißend exzentrische Stillleben mit drei Welpenin einer steil abfallenden Bildebene, die Welpen an der Oberseite, Puce und tan und grau, Runde Milch aus einer Pfanne, während vor ihnen auf der gemusterten Tischdecke mit einer Pflaume platziert am Fuß eines jeden, und im Vordergrund eine Runde Schale stehen drei blaue Weingläser und Platte mit Birnen vervollständigen die Zusammensetzung. Die Birnen und Welpen zeigen die Vorliebe für Spitzer Formen, die wiederholt in Gauguin – Blätter, entfernten Bäumen, Clogs, Tiere Tails, Blatt und Frucht Muster auf Stoff – und auf mysteriöse Weise berechnete Stillleben (Gläser und Pflaumen, die vielleicht für eine formale Dessert vorbereitet) wird durch das sehr zappelig Leben der fressenden Hunde ausgeglichen.

Die hinreißende Lässigkeit des Designs, wie ein Vordergrund-Echo von Matisse, gesehen wird, auch in Gauguins leistungsstarke Te Faaturuma (die grüblerische Frau), einer der raffiniertesten seiner früher Tahitian Gemälde, wo die natürliche Versuchung, tropischen Überschwang von Detail und Palette ist in etwas strenger gebremst. Die im Schneidersitz junge Frau ist wie viele andere Gauguin in Tahiti und den Marquesas-Inseln gemalt, sondern hier mit einem besonderen Schwere und Düsternis der Stimmung, investiert zum Kinn starrte auf die einfache Stillleben mit runden Formen vor ihr (Strohhut, Schüssel mit Weihrauch, köstliche wirbelt der Frucht) mit keiner unsere Wertschätzung für wie perfekt sie gemalt sind. Der Boden des Raumes ist eine unflektierte Ebene von blass Orange. Und jenseits der offenen Veranda, wo ein schwarzer Hund wie eine Hieroglyphe sitzt, einen kleinen grünen Blick auf Waldboden und ein Mann auf dem Pferd, warten. Wer er ist, und ob er in der Tat gibt es, geht natürlich unerklärt.

Solche Zahlen auf dem Pferderücken, Männer in geheimnisvolle freie Agentur und Bewegung, wiederholen sich im Hintergrund des polynesischen Bilder Gauguins, die Miniaturlandschaften flüchtig über die träge und oft melancholischen Welt der Frauen. Er war nicht uninteressiert an der polynesischen männlich als Subjekt (schade ist vielleicht, dass die Tate Show keines seiner Bilder des Mannes hat namens Jotefa, ein junger Holzhacker, mit denen er ein mystisch sinnliches Erlebnis in seinem Buch Noa Noa beschreibt). Aber es ist klar, sogar in seinen frühesten tropischen Gemälden von Martinique im Jahre 1886, hingerissen, was Gauguin war die unergründlichen va-et-Vient des Frauentages Figuren Lachen und unterhalten sich in einer anderen Sprache, die konnte er kaum zu verstehen, die weitere Sprache der Geste und Blick auf eine erhöhte Bedeutung. (In der Tate gibt es ein Raum Gauguins Tahiti-Titel und ihre oft verblüffend rätselhafte Natur gewidmet als wollte er eingelassen, zeigen uns auch, was wir sind, Außenseiter und wie gründlich vertraut er selbst geworden.)

EU-Haere ia oe ("Wohin gehst du?") – der Titel von zwei Gemälden – ist nicht die subtilsten Fragen (es erinnert Sie an die große symbolische Leinwand wo tun wir Come From? Was sind wir? Wohin gehen wir? – nicht in der Tate Show), aber Gauguin bestärkt uns darin, zwei ganz unterschiedliche Antworten darauf vorstellen. In helleres Bild ist die Frage gestellt, indem zwei sitzende Frauen zu einer anderen Frau sorgfältig tragen eine große grüne Papaya, da sie dann übergibt; eine Frau mit einem Kind an ihrer Hüfte impliziert im Hintergrund vielleicht ein ähnliches Schicksal. Aber in das Bild dunkler, schwerer und näher beschnitten die vorbeifahrenden Frau ungeschickt Kupplungen eine schwarze Wolf-Cub gegen ihren roten Rock. Die Typologie der diese Zahlen und ihre realen Quellen, von Gelehrten und Biographen erkundet worden, aber das Wesen der Bilder liegt sicherlich jenseits Erzählung, in der Tat die Frage, die Einladung zu vermuten.

In seinem späteren Leben scheint Gauguin weniger Neigung oder Notwendigkeit der Selbstbefragung und Selbstbehauptung des Selbstportraits gespürt zu haben. Aber er sieht uns tief in die Augen wieder in das letzte Selbstbildnis er je getan hat, in den Marquesas-Inseln, im Jahre 1903, eine freie Skizze eines Gemäldes ungewöhnlich gedämpft in Farbe: blau-grauen Hintergrund, weiß (in der Tat Creme und Beige) Krankenhaus Kittel, düstere hinter Brille blaue Augen, das Gesicht dunkel braun. Wenn die Befreiung der Farbe einer der aufregendsten Verwirklichungen Gauguins war, scheint hier er fast, es abzuschwören. Seine Haut ist nicht gelb oder Golden braun der Inselbewohner ist er seit seiner Ankunft in Tahiti zwölf Jahre zuvor gemalt, noch ist es die rötlichen tan ein Nordländer gegangen native; Es ist die seltsame Steingut braun eines Fayum funerary Porträts, und es fügt unabsehbar zum Image der schmucklose Stoizismus, ein Mann beraubt alle Requisiten, konfrontieren den Betrachter wie er Tod konfrontiert.

Gauguin ist in der Tate Modern bis 16. Januar 2011.