Ist Opera die meisten frauenfeindlichen Kunstform?

Sie erstechen sich, werfen sich auf Scheiterhaufen, verrückt und sterben. Vom Aida zu Lulu ist Opera extravagant grausam zu seinen weiblichen Charakteren. Ist nicht es Zeit, die die Diven frei waren, ihre eigene Melodie zu singen?


Wie kann ich lieben, eine Kunst, die so konsequent ist eindringlich grausam zu seinen weiblichen Charakteren? Opernhafte Heldinnen werden in zahllosen gewaltsamen Tod ausgeliefert. In Rigolettoopfert Gilda sich um das Leben von der Treulosen Herzog zu retten. Leonora in Il Trovatore nimmt vergiften, um anstelle von ihrem geliebten sterben. Es gibt Liu in Turandot, die sich für die Liebe Messer. Cassandra und Dido in Les Troyens sind auch selbständige Stabbers – Dido, die mit dem Schwert des treulosen Geliebten, ein nicht ganz verschlossen Symbol der männlichen eindringen und Zerstörung. Norma, muss aus der Oper mit dem gleichen Namen, klettert auf einem Scheiterhaufen Nominierung selbst als das Opfer dessen Opfer an die Götter für die Gallier den römischen Joch abzuwerfen. Lucia (di Lammermoor), wer liebt nicht die Person, die sie lieben, soll ihr Ehemann tötet, wahnsinnig und stirbt. Leonora in La Forza del Destino bekommt von ihrem Bruder erstochen zu lieben gegen die Regeln. La Traviata ("sie, die vom Weg abgekommen ist", d. h. die gefallenen Frau) Verbrauch erliegt. Katya (Kabanova) ertrinkt, selbst mit Schuld für ihren Ehebruch gefüllt. Isolde stirbt eine transzendentale Liebe-Tod. Tosca schleudert selbst aus der Festungsmauer des Castel Sant'Angelo in Rom. Und weiter und weiter und weiter. Die Nachrichten werden kaum verschlüsselt. Die Liebe einer Frau muss nur wo sie gerichtet ist, Männer zu lieben. Frauen, die zu überschreiten sind wegen ihrer sexuellen Appetit zum Tode angestachelt. Reine und keusche Frauen bieten sich an, freiwillig, um das Messer oder den Scheiterhaufen.

Auch wenn die Frauen leben dürfen, müssen Sie ihr Glück in Frage zu stellen. Tatjana in Tschaikowskys Eugen Onegin (nach Puschkin) ist ein zutiefst sympathischen Charakter. Ein Mädchen vom Lande, verliebt sie sich in mit dem glamourösen Besucher Onegin. Sie beschließt, sich schriftlich zu erklären: die Oper berühmten Brief Szene, in der ihr naiv, herzliche, ängstliche Gefühle Gießen Sie aus ihr heraus. Onegin – gelangweilt, überlegene, peinlich berührt über Tatjanas Brief – flirtet mit ihrer Schwester Olga, bei einer Tanzveranstaltung. Olgas Verlobter, Lenski, fordert ihn zum Duell, in dem Onegin Lenski Toten schießt. Jahre später, in St. Petersburg, stößt er auf die große und schöne Prinzessin Gremina – sie ist Tatjana selbst, jetzt verheiratet. Sie liebt Onegin: zu spät. Sie erfüllen. Sie gesteht, dass sie immer noch liebt ihn, aber schickt ihn weg.

Die Oper ist eine perfekt konstruierte Sache: Tatjanas unbändige Emotion als junges Mädchen spiegelt sich ihre eiserne Selbstkontrolle als Frau; Landler aus der ersten Hälfte spiegelt musikalisch wie optisch durch die strenge und grandiose Kugel in St. Peterburg. Die scheinbar uninteressant Lensky bricht her in erstaunliche Musik und Ergriffenheit im Moment seines Todes, zeigt uns, was wahre Liebe sieht, unter allen Finten und Lebenslügen und im Leerlauf Flirts. Die ideale feministische Ende wäre Tatjana in St. Petersburg wunderbar glücklich zu sein und zog auf, anstatt die Flamme der Jugendlichen Liebe in der Pracht ihrer Reife Umgang mit werden. Aber das wäre nicht sehr tragisch genug. Tatjana Leben – aber sie leidet eine Art emotionaler Tod.

Sie können erwarten, dass in der modernen Ära, die Rolle der Frau geändert hätte, aber Opera ist eine große und teure Kunstform, deren Repertoire nicht leicht aktualisiert wird. Komponistinnen der Oper im großen Stil sind dünn gesät. In Großbritannien gab es Werke, unter anderem, Tansy Davies, Kaaija Saariaho, Judith Weir und Olga Neuwirth. Unsuk Chins Alice in Wonderland geht für das Royal Opera House; Wehr und Saariaho haben auch neue Aufträge für Covent Garden. Die Librettisten wurden manchmal Frauen (Elfriede Jelinek war beispielsweise Librettisten für Neuwirth). Andere Frauen Librettisten der letzten Jahrzehnte haben Louise Welsh aufgenommen; Sally O' Reilly, Alice Goodman; Lavinia Greenlaw; Meredith Oakes; Amanda Holden; und Zoe Strachan – ein sehr wenige im Vergleich mit den endlosen Gezeiten der Opern Männer. Alban Bergs Lulu hat ist komplex und schillernde Opern des 20. Jahrhunderts und einen langen Schatten (geschrieben in den 1930er Jahren, es von Bergs Skizzen nach seinem Tod fertiggestellt wurde). Basierend auf zwei Stücken von Frank Wedekind, es hat seine glorreiche und schrecklichen Heldin Raubzug durchs Leben, verehrt, gierig, manipulativ, Durchreise-Liebhaber und Ehemänner – auf einen Score von frenetischen und üppige Schönheit und Fremdheit. Sie ist für den Mord an einem ihrer Ehemänner verhaftet und Kunden in einem Bordell landet. Sie und Gräfin Geschwitz, ihr erbärmlichen, und natürlich aufopfernde, lesbische Anbeter geschlachtet von Lulus letzten Stich, Jack the Ripper, etwa so häßlich eine opernhafte Tod wie Sie bekommen können. Es ist hart und scharf und expressionistischen und moderne – und straft Lulus Autonomie tief.

Wie Onegin, Lulu ist eine Oper voller Spiegelungen: Es ist "ein Palindrom bis ins kleinste Detail", Philip Hensher geschrieben hat. Sie klettert in große Höhen und dann stürzt. Hensher schrieb auch dem Libretto für eines der besten Kammeropern der letzten 50 Jahre, Thomas Adès Powder Her Face – ein Werk, das viele Spuren von Luluträgt. Die Geschichte basiert auf dem Leben von der realen Herzogin von Argyll. Die Herzogin ist im hohen Alter im Jahr 1990, Leben am Ende ihre Ressourcen in einem Grandhotel. Die Aktion kehrt zu ihrer Vergangenheit: in den 1950er-Jahren ist sie fotografiert er einen Blowjob, ein Kellner (die Fellatio ist witzig dargestellt in Adèss Partitur) und ihr Ehemann sie scheidet. (Im Jahr 1990) erhält sie schließlich eine Kündigung das Hotel vom Manager; ein letzter Versuch, ihn zu verführen ist fehlgeschlagen.

"Es gibt ein Hauch von Frauenfeindlichkeit über das Libretto" kündigt die neue Penguin Opera Guide von Henshers Worte, obwohl wie dieser Band eine endlose Fries aus kunstvoll zerstörten Frauen enthält, scheint es hart sein, um diese besondere Arbeit herausgreifen. Die Oper ist nicht in der Tat Geißeln die Herzogin für darunter einen Kellner und genieße es, und wenn überhaupt sind die meisten Witze auf der absurd und eingebildete Richter am Prozeß der Scheidung. Aber auch so: Es ist kaum ein gutes Ende für den schmählichen Herzogin. "Ich weiß nicht, wie ich eine Geschichte geschrieben hätte, über jemanden sehr glücklich mit viel Geld los und sterben ohne Reue bei 99 – ich glaube tatsächlich Oper wird nicht lassen Sie es," sagte Hensher, wenn wir seinen Charakter diskutiert.

Es ist als ob Genre selbst scheint, Frauen zu verschlingen. Es ist teils, weil Oper schlechthin, die Form nicht der Argumentation wie Theater, nicht der Geschichte wie Film, nicht der Charakter wie TV, sondern des Gefühls ist. Tiefe, unbeschreibliche, gefräßige Emotion: die Art von Emotion, die ein Charakter brechen in Song tragen kann. Opera ist nicht Vanille, Opera ist nicht Beige, es ist blutrot und kochendes. Opera ist die Kunstform der menschlichen Katastrophe, der Erbe des Mantels der dunkelsten Aspekte der griechischen Tragödie. Die Tragödie ist natürlich nicht nur weibliche Tragödie (viele tote Männer zu). Aber das Patriarchat sorgt dafür, dass die Frauen für die besondere Grausamkeit, heraus gekennzeichnet sind. Opera, und vor allem 19. Jahrhundert Opera erlaubt es gefährlichere Frauen aufregend coruscate auf der Bühne für ein paar wenige Stunden – dann tötet sie.

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Mitte der 1980er Jahre wurde ich in die Oper zum ersten Mal genommen. Unter den ersten, die ich sah waren drei an der English National Opera: Aida (stirbt), Madame Butterfly (sie tötet sich selbst) und Carmen (sie wird ermordet). Ich war ungefähr 14. Rückblick auf sie, die ich von den kanonischen Erzählungen, die junge Frauen und waren verärgert bin voraussichtlich zu schlucken. (Zum Beispiel: gibt es mehr undankbare, garantierte Charakter als Ophelia, verglichen mit der dunklen Komplexität des Hamlet?) Es stimmt, dass alle Leser und Beobachter Schuppen Geschlecht (und Rasse und Sexualität), Befestigung ihr Verständnis und Sympathie für Menschen erheblich anders als selbst-das ist der Basisrechtsakt leserlich Empathie. Frauen lernen, geschickter an diesem Transgender-Spiel als (weiße, gerade) Männer, einfach aufgrund der überwältigenden Dominanz des männlichen Geschichten werden. Männliche Charaktere erhalten, das ganze Gewicht der menschlichen Erfahrung tragen (sie können "jedermann" sein). Frauen nicht.

Ich erinnere mich nicht, ist entsetzt über die Toten Frauen der Opernsaison von 1986-7. Vielleicht hatte ich bereits nach einer noch beunruhigender Genre Ballett geimpft. Einige Jahre zuvor hatte ich genommen, Giselle am Sadler es Wells Theatre in London zu sehen. Im Intervall fragte eine Art Erwachsene: "Sie werden es genießen?" Heftig, antwortete ich: "Nein!" Die Wahrheit war, dass ich konnte es nicht ertragen, was mit dem titular Heldin geschah. Fünf Minuten früher, hatte sie wahnsinnig und starb (natürlich) haben von ihrem treulosen aristokratischen geliebten sitzengelassen worden: es war schrecklich.

Nach und nach kam ich Liebe Oper für seine Musik, natürlich, aber auch für seine Absurdität, für seine Extremitäten, für seine herrlichen Mangel an LKW mit Realismus. Ich habe es geliebt, für seine tief eintauchen in die geheimen Gefühle von Menschen am Rande; Emotionen, die die widersprüchliche, herrliche erfordern Wirbel-gute Musik für ihre Artikulation. Es ist durch seine herrliche Unwirklichkeit, dass es möglich ist, Frieden, auf eine Art und Weise, mit der Kunstform Gewalt gegen Frauen zu machen. Die Sterbenden, verblassen, verloren, darbende Frauen erfolgen durch großartige Künstler, Stars der Show, in der Steuerung von stark und sexy Instrumenten – ihre Stimmen.

Traditionell, ging dies einher mit einer herrlichen Missachtung "realistisch" Gießen, d. h. wollüstig (Hunger) Mimis und prächtig orotund Isoldes – eher eine progressive Blindheit Körperform. Aber diese Tage, Verwirrung herrscht: Strikturen des Realismus und Glaubwürdigkeit, Film, Theater und TV Casting entlehnt haben aufgeholt mit Oper, sondern nur uneinheitlich, da Stimmen der Größe nicht immer stellen, die üblicherweise als akzeptabel angesehen bewohnen. Diese Verwirrung spielt sich, oft destruktiv und führte, in den Gremien der einzelnen Frauen. 2004 hatte die Sopranistin Deborah Voigt Magenbypass-Operation nach Fallenlassen aus einer Produktion am Royal Opera House aufgrund ihrer Körpergröße. Im Jahr 2014, gab es eine Zeile, die in den Medien gespielt als Mezzosopran Tara Erraught – singt die Rolle des Octavian, ein junger Mann in Strausss Der Rosenkavalier in Glyndebourne – wurde als "gedrungen", "mollig" und "plump" von (männlichen) Kritikern beschrieben. Mit anderen Worten: auch rund um ihre Vorstellungen über die Rolle der sexy jungen Cavalier abziehen. Eine spätere Selbstverteidigung von einer der Kritiker das Argument, dass Opera eine visuelle sowie musikalische Form ist in den Mittelpunkt. Die Mail, gegossen im üblichen Stil, Kraftstoff an die bereits lebhaften Flammen mit den Worten Erraught "Gesicht und Figur eines Ashbys Pork Pie" hatte. Einige Formen von Frauenfeindlichkeit in der Oper sind subtil. Einige weniger.

Wie Ballett, ist ein wesentlicher Widerspruch zwischen was Form sagt Ihnen geschieht und was tatsächlich geschieht: Giselle kann sterben am Ende von Akt, aber im Akt zwei ist sie wieder wie ein Gespenst, ein Gespenst, die mit des Theaters sehen von Doppelbildern, man auch als Frau mit Sehnen wie Eisen, wunderbar Unwraithlike wahrnimmt. Die Choreographie des zweiten Akt Giselletut alles in seiner Macht stehende machen ihren Reihen von geisterhaften verlassene Jungfrauen, Pressen für die Illusion des Schwebens schwerelos und Flug. Aber diese Tänzer, Licht wie sie sind, zurück auf die Erde mit einem befriedigenden Schlag abstürzen. Sie leben! So ist es in der Oper. Opernhafte Heldinnen werden zum Schweigen gebracht, ja: aber die Oper kann nicht ohne sie weitergehen. Die sterbende Opern – volle stimmhaft und bis zum letzten – herrliche kuppelt die Arbeit mit ihr. Geschrieben auf Haut (2012), ist von George Benjamin, mit einem Libretto von Martin Crimp, ein faszinierende Fall einer zeitgenössischen Oper, die beide die Vorlage seines Genres zu bewohnen und es untergraben verwaltet. Wie Debussys Pelléas und Mélisande und Bergs Wozzeck (beide wichtigeren Opern für Benjamin) die Oper hat eine Dreiecks-Liebesgeschichte in seinem Herzen und endet mit dem Selbstmord des die weibliche Hauptrolle. Die Geschichte basiert auf einer okzitanischen mittelalterliche Geschichte in dem gehörnten Ehemann seine Frau Agnès, das Herz des geliebten Essen zwingt. In Crimp und Benjamins Version besteht Agnès an jeder Ecke auf ihre Autonomie – sie trotzig senkt die Auflösung, erzählt ihrem Mann, wie viel sie den Geschmack von ihrem geliebten Herzen genießt, und wählt die Art und Weise von ihren eigenen Tod. Sie ist ein Charakter, der gleichzeitig existiert innerhalb und ablehnt, die ererbten Eigenschaften der Opern Heldin.

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Wie viele Opern den Bechdel Test? Um zu amerikanischer Karikaturist Alison Bechdel feministische Hürde zu springen, muss ein Werk der Fiktion zwei Frauen enthalten, die ein Gespräch nicht über Männer zu haben. Opera hat eine erbärmlich kleinen Erfolgsquote. Kraftvoll stimmhaften Frauen zeichnen sich so oft durch Bruder, Vater, Liebhaber, Sohn. Janáčeks Oper Jenůfa, zum Beispiel (basierend auf einem 1890 Theaterstück von Gabriela Preissová), ist geprägt von zwei Frauen – Jenůfa selbst und ihrer Stiefmutter (beide aufrecht am Ende der Oper, obwohl man verstümmelt wird, und der andere ist gezähmt und etwa wegen Kindstötung vor Gericht gestellt werden). Trotz dieser stimmlichen und dramatischen Dominanz dreht die Aktion sich der Mann von dem wem Jenůfa schwanger wurde, der Mann, den ihre Stiefmutter sie heiraten wollte und die (männlichen) Baby hatte sie im geheimen. Aber Janáček war eindeutig fasziniert, wenn nicht besessen von Weiblichkeit, und alle seine wichtigsten Opern sind kraftvoll und komplex arbeitet über Frauen (und für Sängerinnen), sogar eine, die offenbar ein Fuchs (Das schlaue Füchslein) geht.

Von all seinen Opern ist Die Sache Makropulos – mit seinen extremen, überirdischen Partitur, voller galoppierende Pauke und schrille Lyrik – mein Favorit. Sehr seltsam, hat es eine Wild komplexe Hintergrundgeschichte. Es genügt zu sagen, dass die Hauptfigur Emilia Marty, nahm ein Elixier vor 300 Jahren, und zum Zeitpunkt der Einstellung der Oper ist noch jugendlich und verdient ihren Weg als Opernsängerin. Sie ist von der jungen Kristina verehrt. Es gibt eine Reihe von komplizierten Veranstaltungen einschließlich der ehemaligen Liebhaber, staubigen Rechtsdokumente und Martys Versuch zum Abrufen von eines geheimnisvollen Umschlags –, die wir lernen, die Formel des Elixiers enthält. Am Ende der Oper, die die Existenz des Elixiers Marty gesteht, zeigt, dass sie Elina Makropulos geboren wurde, und bereitet sich auf das Ende ihres Lebens. Sie bietet das Elixier Formel, Kristina (und damit die Oper den Bechdel Test bestehen), die vernünftig Feuer darauf setzt. In meinem Kopf ist es für immer verbunden mit Anya Silja, im Alter von 61 Jahren in Glyndebourne singen zu sehen. Männer flatterten um ihr wie Motten. Sie war höllisch sexy und absolut zeitlos, Garbo eine Minute Dietrich den nächsten. Eine mächtige Frau, unter Kontrolle.

Bechdel Test hat seine Grenzen. Beispielsweise können keine dieser Opern mit einem einzelnen Zeichen, wie z. B. Poulencs La Voix Humaine (in denen eine Frau an ihren geliebten unten am Telefon erzählt) und Schönbergs Expressionist Ewartung (mit einem Freud-getränkten Libretto für Sopran von Marie Pappenheim), übergeben. Dialogues des Carmélites von Poulenc, auf der anderen Seite – set in einem Kloster während der französischen Revolution – geht mit Leichtigkeit, aber es endet mit der Besetzung von Heiligen Schwestern unseriöse eins nach dem anderen, jedes mit einem herzhaften musikalische Thwack.

Ich jubeln für Gerald Barry, dessen zwei letzte Opern führen Sie den Test: seine Allfrau arbeiten Die bitteren Tränen der Petra von Kant, eine dunkel und klaustrophobisch Geschichte lesbische Obsession, die nimmt seine Libretto aus dem Jahr 1972-Film des deutschen Regisseurs Rainer Werner Fassbinder; und seine lustigen Oper The Importance of Being Earnest, adaptiert von Oscar Wildes Spiel. Doch die Bechdel Test Spiel führt mich, daran zu denken, die so viele weibliche Charaktere in der Oper nicht immer bekommen, um miteinander zu singen (oder singen über Herzensangelegenheiten nicht). Puccinis La Bohème dreht sich um zwei Paare. Wir lernen viel über die beiden männlichen Zeichen Freundschaft. Aber was Mimi und Musetta zueinander sagen? Welche Hoffnungen und Ängste, die ausdrücken sie zu tun? Wir werden nie wissen. Opera ist voll von fehlenden Szenen zwischen Frauen.

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Barrys Anpassung der Wilde führt uns in hilfreicher Gebiet:, der komischen Oper, wo es viel mehr Platz für schlaue und kluge Frauen Agentur und weniger Anruf für weibliche Charaktere zerstört werden. Auch scheinbar abgehen sehr frauenfeindlich Werke wie Mozarts Cosí Fan Tutte – in welcher zwei Männer ihre Freundinnen Treue testen, indem Sie offenbar die Stadt verlassen, aber dann aufdrehen wieder, verschleierte Frauen – woo als weniger frauenfeindlich, als sie auf den ersten Blick scheinen. "Cosí Fan Tutte" ("So Verhalten allen Frauen"; oder "alle Frauen sind gleich") ist lediglich eine Forderung in dem Stück von einem männlichen Charakter, betont Kasper Holten, Leiter der Oper am Royal Opera House. Jedem Betrachter der Oper kann leicht feststellen, dass die männlichen Charaktere genauso sind oder sogar mehr, Absurd wie die Frauen noch. Die Oper ist über die Lächerlichkeit des menschlichen Verhaltens.

Eine weitere hilfreicher Avenue zu erkunden ist Barock, bevor die Romantik seine Krallen in das Genre und auf immense Tragödie beharrt. Nehmen Sie Glucks Iphigénie En Tauride, zum Beispiel – die James Conway für English Touring Opera in diesem Frühjahr leitet. Die Oper, basierend auf dem Theaterstück von Euripides, sieht die titular Heldin als Priesterin des Tempels am Schwarzen Meer. (Es riffs auf eine Version der Trojanischen Krieg-Geschichte in der Iphigenie ist nicht in der Tat um den griechischen Streitkräften sichern einen guten Wind nach Troja geopfert, sondern ist Weg entführt in die Krim durch göttlichen Eingriff in letzter Minute.) Ihr Bruder Orest, den sie seit ihrer Kindheit und seinem Freund Pylades nicht gesehen hat, auftauchen. Keine Ausländer am Ufer ankommen werden üblicherweise geopfert. Iphigenie nicht verlieben sich ineinander, noch existiert sie nur in Bezug auf die männlichen Charaktere, und sie ist die Autorin von das wichtige Gerät (Freigeben von Pylades), die alle von ihnen sehen das tödliche Ufer zu entkommen. Dank seinen Chor der skythischen Frauen besteht die Oper auch den Bechdel Test.

Händels Alcina, platzt auch, mit starken Frauenfiguren. Die Geschichte von Ariostos Orlando Furioso, genommen betrifft Alcina und ihre Schwester Morgana, Hexen, die über eine magische Insel zu präsidieren. Männliche Besucher sind gezwungen, ihren Liebhaber zu werden oder in Bäumen, Tieren, Felsen oder Wellen umgewandelt. Alcina ist im Besitz des Ritters Ruggiero in Gefangenschaft, aber seine Geliebte, Bradamante, auftaucht (verkleidet als Mann), um ihn zu retten. Katie Mitchell Regie dieser Oper am Aix-en-Provence im Jahr 2015 und nahm eine feministische Linie: sie sah die Schwestern als Frauen, die führen eine effiziente Matriarchat, die ihr eigenes Vergnügen dient jedes Element des romantischen Komödie herunterzuspielen. Das bringt uns auf ein weiteres wichtiges Element der Oper: Es existiert nicht auf der Seite geschrieben, aber als ein lebendiges durchgeführte Handlung des Theaters und Teil der Verantwortung des Direktors ist nicht akzeptieren unscrutinised die Annahmen für die Zeit, in der sie komponiert wurde. Mitchell wird auch direkte Lucia di Lammermoor am Royal Opera House in London in diesem Frühjahr, und Teil ihrer Arbeit ist zu konkretisieren, die Frau, die so berühmt wahnsinnig und stirbt.

Alcinamännliche Hauptrolle, Ruggiero, wurde für einen Kastraten geschrieben. Auf Aix wurde es von einem Countertenor Philippe Jaroussky gesungen. Aber der Rückgang der männlichen Kastration in den Dienst der Kunst führte zu Stellenangebote für Sängerinnen, die in der Lage, die Rollen für diese Männer geschrieben wurden. Hier ist ein weiterer Trost für diejenigen müde von Opern Frauenfeindlichkeit: die subversive Freuden der Frauen, die Männer zu spielen. Wenn Alcina in einem Konzert im Barbican in 2014 durchgeführt wurde, war Ruggiero gesungen von Mezzosopran, was bedeutet, dass die wichtigsten Rollen – Alcina, Morgana, Ruggiero, Bradamente – von Frauen getroffen wurden. Als Margaret Reynolds in ihrem Essay geschrieben hat "Ruggieros Täuschungen, Cherubino Ablenkungen" (1994), das Ergebnis ist, dass "die Liebeinteresse, die Werbung und die Hänseleien, den Verrat und Wiedervereinigungen, zwischen Frauen passieren". Es ist ein Vergnügen in gerade Frauen haben endlich die Chance, den Helden besingen macht und Ehrgeiz, zu denken, mehr als Herzschmerz zu spielen (obwohl, auch). Ich erinnere mich, Sarah Connolly stolzierte über in der militärischen Tracht als Händels Giulio Cesare; Alice Coote schreiten über die Bühne als seine Xerxes. Coote hat ihres Lebens als opernhaft Mann schön geschrieben. "Ich habe meine Balance und körperliche Bewegungen von der ersten Minute der großen ändern. Ich habe meine sehr Annäherung an die Welt zu bearbeiten, ich finde mich in und meinen Interaktionen und Reaktionen männlicher. Diese letzte Aufgabe ist besonders raffiniert, subtil und – vielleicht – schwer." So dachte sie hat sich in eine männliche Körperlichkeit, schreibt sie, dass gelegentlich sie nach den Proben in der Herren Toilette begeben hat, sagt sie. Es ist eine Freude, ihre Bewegungen auf der Bühne expansive machen Frauen zu sehen: einmal erlauben sich Raum. "Cross-Dressing auf der Bühne zeigt weniger zu mir über das Geschlecht als sie die macht," hat Coote geschrieben.

Abgesehen von der Öffnung des barocken Kastraten Rollen, gibt es auch die Teile, die jungen, für Mädchen geschrieben sind: vor allem Mozarts wunderbar, mercurial Cherubino in Le nozze di Figaro (Libretto von Da Ponte nach Beaumarchais). Cherubino, der "liebt alle Frauen", gestreichelt und verwöhnt von der Gräfin, wen er liebt. Im Verlauf der Oper freudige Lächerlichkeit, wird er als Mädchen verkleidet werden: dabei eine Frau spielt einen Mann, eine Frau zu spielen. Dieser köstliche Geschlecht-shifting verblasst im tragischen 19. Jahrhundert setzt in – aber ist herrlich von Strauss im frühen 20. Jahrhundert wiederbelebt. Octavian in Der Rosenkavalier ist die Erbin des Mantels Risqué Cherubino. In der ersten Szene sehen wir ihn aufwachen aus eine Nacht voller Leidenschaft mit seiner Geliebten, die Marschallin ("Frau von Feldmarschall"). Es ist eine sexy Szene. Warum gehen die Lesben in der Oper? Reynolds fragt in ihrem Essay. Sie ihre eigene Frage beantwortet: "denn wo sonst man zwei Frauen, die an einem öffentlichen Ort Liebe sehen können."

Strauss Ariadne Auf Naxos ist eine komplizierte und anspruchsvolle Nest der russischen Puppen. Wir sind in Wien. Eine Party kann beginnen. Eine Oper ist Bestandteil der Abendunterhaltung. Nach viel backstage Streit der Komponist und der Interpreten sehen wir die Inszenierung der Oper innerhalb einer Oper – der Titel ist "Ariadne Auf Naxos". Der Komponist die Arbeit innerhalb des Werkes war Strauss bestand darauf, von einer Frau gesungen werden. Dies war in den Zähnen der Librettist Von Hofmannsthal Widerstand, wer die Idee "abscheulich" gedacht. Michael Kennedy Biographie von Strauss zeichnet seine Erklärung: "ein Tenor ist unmöglich... führenden Bariton wird nicht der Komponist singen: also was bleibt mir außer das einzige Genre der Sänger noch nicht vertreten sind." Straussens Erklärung – machte er die Entscheidung aus rein musikalischen Gründen – scheint vor allem jetzt, in einer Zeit, als Geschlecht gestellt wird, befreiende aufgerissen, trat mit Erfindung und mit einem Gefühl der Wahl. Es bedeutet auch, dass einmal eine Frau bekommt eine Rolle mit einer tatsächlichen Job und einen kreativen Job dazu zu singen. Sie ist nicht jemandes Tochter, oder eine Nymphe oder ein Rheintochter oder eine Prinzessin. Die Sopranistin ist endlich, der Komponist.

  • Iphigénie En Tauride ist im Hackney Empire, London E8, am 5. März, dann Touren. La Traviata ist am Royal Opera House in London WC2E bis 19 März und Lucia di Lammermoor vom 7. April bis 19. Mai.
  • Dieser Artikel wurde geändert am 27. Februar 2016, das Jahr der Medien-Reihe über Kritiker Beschreibungen von Tara Erraught und den Namen des Komponisten von La Bohèmezu korrigieren.
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