Jahr größte 1966 Popmusik?

Vor fünfzig Jahren, Pet Sounds, Revolver und Blondine auf Blondine aus der LP oberste und startete eine Ära der unvergleichlichen Kreativität. Drei Autoren darüber nachzudenken, was diese Alben für sie bedeuten

Die Beach Boys – Pet Sounds
von Barbara Ellen

Anfangs war ich aus der Ferne daran interessiert, den Beach Boys 11. Album Pet Soundsanhören. In den späten 1980er Jahren ich verbrachte den größten Teil meiner späten Jugend und Anfang der 20er Jahre in eine massive kulturelle schmollen, weil ich Punk, einen "Blick" auf halbem Weg zwischen Nosferatu und Catweazle perfektionieren verpasst hatte.

Für mich glich Supremo Beach Boy Brian Wilson, seinen Brüdern Dennis und Carl, Bruce Johnston, Cousin Mike Love und Al Jardine, Richies Freunde in Happy Days. Es spielte keine Rolle, dass Pet Sounds einflussreich war, regelmäßig dominieren "greatest Albums of all Time" listet. Für mich evoziert die Beach Boys (California Girls, ich bekommen um Good Vibrations) Sonne, Meer, Sand und fernen Westküste Americana. Aufgewachsen in ein Rathaus in Rutland, massenhaft Musik Fanzines, schließlich hocken in London, war am nächsten, die ich, Strandkultur bekam Dead Kennedys-California Über Alles hören.

Wenn ich schließlich Pet Soundshörte, war ich erstaunt und begeistert, wenn ich es liebte. Gefeiert als eine Revolution in der Harmonien und Produktionstechniken, ist es weit gutgeschrieben, wobei das erste "Konzeptalbum" – wie in nicht nur Singles und Polsterung, sondern Musik als eine lange Kunstform mit Liedern nach ein übergeordnetes Thema. Inmitten der unzähligen Musikrichtungen (Psychedelia, jazz, Chor, Klassik, Avantgarde) und berüchtigten Kakophonie (bellen Hunde, Züge, Glocken), es wird ausführlich auf die fragile Bogen einer Beziehung, euphorisch steigt (wouldn't es werden schön?), zu kämpfen und zu zweifeln (das ist nicht mir), dann fallen unweigerlich (I Just war nicht gemacht für diese Zeiten). Schimmernd in der Mitte war God Only Knows – eine Pop-Hymne, das klingt immer noch vergleichbar mit Flügel Riss von einem Engel.

Weithin als ein Solo-Projekt von Brian Wilson, scheint dies hart auf Tony Ashers Texte (elegant destillieren Wilsons gebrochenen Zustand des Geistes) und die Bandmitglieder irisierenden Harmonien. Ein Bewunderer der Phil Spectors Wall of Sound, Wilson hatte auch eine freundschaftliche Rivalität mit den Beatles. Wie Wilson Rubber Soulgeliebt, John Lennon Pet Sounds als das größte Album aller Zeiten gefeiert; McCartney sagte, ohne es, Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band geschehen konnte nicht.

Weniger glücklich Wilson, während der produktivsten und getrieben, war anfällig für Pannen und seine LSD-Nutzung hatte eskalierte bis zu dem Punkt wo er Kokain und Heroin zu beruhigenverwendet. Darüber hinaus waren die Band und der Plattenfirma (anfangs mindestens) verblüfft von Wilsons neue kreative Richtung; Es spricht Bände, dass die charmante aber relativ sichere Interpretation von Sloop John B wurde als erste Single veröffentlicht. Während Pet Sounds in Großbritannien gefeiert wurde, kratzte es kaum in den Top 10 der US Billboard 100, Stauchen Wilson. Später begann er bekanntlich auf eine längere Musik-Industrie-Pause (er war auch nachträglich mit schizoaffektiven Störung diagnostiziert)

Für mich hören Jahren auf der ganzen Linie schien Wilsons mutig entblößten Sicherheitslücke Schlüssel. Eigensinnige, war nicht einladend, ehrlich, konfessionellen und wehmütige, Pet Sounds nur ein Album; Es war eine emotionale Panik Zimmer – irgendwo, zu drängen, wenn Leben zuviel bekam. Ein Album, wo Glück und Trauer, Hoffnung und Verzweiflung, Erfüllung und leere wie vermischt, verwechselt, falsch zugeordnet Gäste auf einer bizarren aural Cocktailparty. Als die Jahre vergingen, ich gedankenlos neu formatiert Pet Sounds von Vinyl, CD, iPod, es wurde eines dieser Alben, die Sie mit Ihnen lebenslang halten.

Mit diesem im Verstand, es war spannend, Zeuge Brian Wilson führen Pet Sounds in seiner Gesamtheit mit einer 10-köpfigen Band in der Royal Festival Hall im Jahr 2002. Passgang auf der Bühne in einen klobigen Stars and Stripes Pullover mit einer Frisur, die auch Donald Trump als unmodern, verurteilen könnte Wilson sah auf das Stillen, respektvolle Publikum, sagte freundlich, "Sehen, ob Sie diese nach oben können", dann schrie "AGGGGGGH!" an der Spitze seiner Lunge. Diese geben den Ton für den Abend (spannend, aber manchmal chaotisch und unverständlich). Seltsam, aber es kam, freute sich Wilson seine Kreationen durchführen. Dann fühlte ich wie heute auch, dass er es verdient hatte, Dinge zu tun, jeder Weg verdammt, wie er wollte.

Pet Sounds machen immerhin die Hälfte vor einem Jahrhundert Wilson im Alleingang erfunden das Album als die vertiefte Beleuchtung des Künstlers Seele, treten offene kreative Feuertür, befreiend das Album gibt es als eigenständige Kunstform auf einer Stufe mit Literatur, Theater, Kunst, Kino, Tanz... alles, was der Künstler gewünscht.

Die Beatles-Revolver
von Sean O'Hagan

Am 10. Juni 1966 veröffentlicht die Beatles ihre 12. Single Paperback Writer. Abstieg in die b-Seite war Regen, ein völlig Fremder Lied, das eine Trendwende in der Beatles-Musik und in ihrem kollektiven Bewusstsein signalisiert. Im Zuge der Lennons erste Begegnungen mit LSD, seine Bildersprache und reich strukturierte musikalischen Hintergrund – geschrieben, die grundlegende Track aufgenommen, dann verlangsamt, die Vocals Multi-verfolgt und gegen eine dröhnende Gitarren und pulsierender Bass-Set war eine Anspielung auf die halluzinogene Erfahrung.

Regen war ein Signal, was kommen musste: Revolver. Veröffentlicht am 5. August 1966, änderte sich alles, Verlagerung der Lokus Pop von die Single zu dem Album, und kündigt eine Zeit der intensiven kreativen Schwung, die seit wohl nicht erreicht worden.

Revolver ist neben dem mehr meanderingly brilliant White Album von 1968 The Beatles-Album, das ich die meisten zurück. Hören sie 50 Jahre auf, gibt es eine frische darauf, die bemerkenswert ist, aber es spricht auch von einer anderen Zeit und einem anderen pop-Kultur, das war mehr idealistisch, abenteuerliche und insgesamt weniger als die heutigen narzisstischen. Als Beatles merkt Gelehrter Ian MacDonald weisen leuchtenden schließen-Lesung ihrer Songs, Revolution im Kopf: "aber letztendlich das Produkt von tiefer als Pop Einflüsse, steigenden Optimismus der 60er im Idealfall von geäußert wurde, und nirgendwo noch perfekter als in der Musik der Beatles."

Für mich obwohl, gibt wie auf jedem Album der Beatles, es ein paar Songs, die fast alberne entweder in ihren Singsang Albernheit (Yellow Submarine) oder ihre schamloser Sentimentalität (hier, dort und überall) scheinen. Ich mochte das letztere Lied damals, und noch viel mehr jetzt für McCartney Mischung aus Klugheit und Cloyingness, eine eigenartige Eigenschaft, die nicht einmal das Strahlmittel Lennon könnte zu temperieren.

Jetzt anhören, es scheint mir, dass man kann die Geschwindigkeit der Beatles kreative Dynamik in Ton, Textur und Ehrgeiz – der Unterschied zwischen den letzten beiden Albumtracks messen. Eine ist eine einfache Seele Pastiche, eines der außergewöhnlichsten sonic Abenteuer in der Geschichte der Popmusik. Bekam zu Get You in My Life ist die Beatles auf mühelose Autopilot, Einflüsse eine blechern, aufgemotzten Stomper, die nie seine US-Seele hinausgeht. Das Lied, das folgt und endet das Album auf spektakuläre Weise, morgen weiß nie, noch klingt wie Musik aus einem anderen Universum, seine Verschmelzung von einen donnernden kreisförmige Trommel-Beat, rückwärts Gitarre, indische klingende Drohnen und fünf separate manipulierten Bandschlaufen, die frühesten Modell für die Postmoderne Musiklandschaft, die wir heute für selbstverständlich halten.

Die Texte wurden von Lennon von Learys Säure Handbuch, The Psychedelic Experience, aufgehoben, aber der Song hat keiner der ätherische, traumhafte Abdrift der andere LSD-Songs wie, sagen, Procol Harum A weißer Farbton von blass. Stattdessen ist es fast turbulent in seiner Überlastung.

Revolver ist das Album auf dem der Gruppe- und ihre Produzenten, George Martin, Ingenieur, Geoff Emerick – beginnen, das Studio als ein weiteres Instrument und ein Labor für Ideen und Experimente zu nutzen. Aus der druckvolle Schub das Anfangslied, Finanzamt, um die komplexen Traumlandschaft, die ich bin, nur schlafen und die melancholische Beobachtungsdaten Poesie von Eleanor Rigby, Revolver zeugt von Lennon und McCartney außergewöhnlichen Songwriting-Chemie sowie über das wachsende Vertrauen der leisesten Beatle George Harrison.

Alles kommt zusammen auf Revolver, die Gruppe Voltigieren Ehrgeiz voll ausgeschöpft, trotz der Einschränkungen der Abbey Road Studio-Setup. Die Brillanz, die folgt, von Strawberry Fields Forever, ein Tag im Leben, von diesem Moment fließt.

Nun allgemein anerkannt als vollständig realisierten Album der Gruppe, Revolver aus für eine lange Zeit im Schatten des extravagant, aber weniger zeitlos, Sgt. Pepper... Merkwürdig ist nun, dass es mich so lange – Jahrzehnte – ganz nach ihrer Komplexität und Erfindung, sowie die Dreistigkeit, mit der seine musikalische Vision zu schätzen wissen.

Die Beatles Singles wurden den Soundtrack zu meiner Kindheit. Darüber hinaus waren die Gruppe eine laufende Veranstaltung. Alles über sie – vorgeschlagen, die Kleidung, die sie trugen, die Art, wie, die Sie Sprachen, die Songs, die sie mit einer Leichtigkeit geschaffen, die fast alchemistischen – schien neue Wege des Seins. Mehr als jeder ihrer Zeitgenossen herausgefordert sie müden Konventionen, die Klasse gebunden, insular, Anfang der 60er Jahre Großbritannien definiert.

Von den frühen 70er Jahren allerdings ihre Aura – und den Optimismus, die ihre Musik hervorgerufen – war verblasst, und Pop zu kämpfen, sich selbst zu definieren. Glam Punk und Post-Punk-waren alle Widerlegungen der Aufbruchstimmung der 60er Jahre, die die Beatles verkörpert.

Wir leben jetzt in einem Pop-Zeitalter, wo Bowies Verwischung der sexuellen Identität in Resonanz, mit den jungen mehr als kulturelles Erbe der Beatles. Ebenso sind die elektronischen Klanglandschaften von Kraftwerk und die Vorlauf-Dynamik von Chicago-House und Detroit Techno mehr identifizierbaren Vorlagen für heutige postdigitale Pop-Universum als alles, was die Beatles erstellt. Mit Ausnahme von morgen nie weiß. Fünfzig Jahre später, hallt es noch mit dem Schock der neuen.

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Bob Dylan – Blonde on Blonde
von Ed Vulliamy

Das merkwürdigste von allen ist der Klang, und wer besser zu beschreiben, als Bob Dylan selbst, ein Mann nicht gegeben, seine Arbeit in der Öffentlichkeit zu analysieren? "Der nächste bekam ich immer den Ton höre ich in meinem Kopf auf einzelne Bänder in die Blonde on Blonde Album war", sagte er Playboy im Jahr 1978. "Es ist so dünn, dass wild Mercury Sound metallisch und helles ist gold, was auch immer, die zaubert. "Das ist mein besonderer Sound."

Ich hörte zuerst Blonde on Blonde , bald nachdem sie 1966 veröffentlicht wurde, gerade mal 12, zuhause die Kinder Autor Michael Rosen, denen meine Eltern zu Besuch waren. Ich war ein pubertierenden Fan von den Beatles und Stones, wie jeder andere, und der Besitzer ein paar Singles und zwei LPs – helfen und etwas von Louis Armstrong. Jemand sagte mir, dass ich wahrscheinlich nicht, diese Platte verstehen, weil es "Erwachsener Musik" war. Und in der Tat schien es kommen von der anderen Seite einen Kontrollpunkt im Leben hatte ich noch nicht zu navigieren, in Bezug auf Leidenschaft, Geschlecht, Sprache und Weisheit.

Aber die Worte, dass Dylan sang, und der Klang seiner Stimme und seiner Band machten, zwangen mich völlig. Meine Mutter würde später einen ähnlichen Moment für sie an der Kunsthochschule, zu beschreiben, wenn Freunde zusammen Club und kaufen Sie eine Flasche Wein mit dem sitzen und immer wieder die neueste Single von Billie Holiday spielen würde: "gefährlich und unwiderstehlich," rief sie Billie es Lieder – und genau das war es – Blonde on Blonde war gefährlich und unwiderstehlich und es noch ist.

Es bleibt Dylans eklektisch, mercurial und undurchsichtigen Album; sogar die berühmten Cover-Portrait ist unscharf. Der Datensatz kann nicht aus dem Zusammenhang gesehen werden: Abschluss der Trilogie Mitte der 1960er Jahre, folgende Bringing It All Back Home "und" Highway 61 Revisited.Five Monate vor der Aufnahme begann, Dylan wohl den wichtigsten Schritt in seiner Karriere gemacht hatte, und vielleicht alle Rock-Musik, wenn Sie auf Sonntag, 25. Juli 1965, spielte er das Newport Folkore Festival mit einer Band, die enthalten Al Kooper und Mike Bloomfield und fuhr fort, die Nacht mit sengenden elektrische Konten von Maggie's Farm auseinander reißen , Wie ein rollender Stein und es dauert viel zu lachen, es dauert einen Zug zu weinen. Er wurde ausgebuht, (wie er wäre, wenn er den Klang nach Großbritannien im Jahr 1966 nahm) Obwohl Joe Boyd, der diesen Sound in Newport gemischt, erinnert sich wie "mehr Menschen mochte es als nicht".

Nach einer ersten Aufnahme, in die man von uns wissen müssen (früher oder später) in New York im Januar 1966 festgelegt wurde wurde der Rest des Albums in Nashville auf zwei Sitzungen vom 14. bis 17. Februar und 7. bis 10. März-13 Lieder in sechs Tagen, alle auf vier Spuren, nicht acht, wie vorgeschlagen wurde – ergo, mehrere Geräte auf jeder Spur gelegt.

Aus seiner Tourband The Hawks (später The Band) brachte Dylan Robbie Robertson auf Leitung Guitarre und Al Kooper auf schimmernde Hammond und die vollkommensten Land Sitzung Männer in der Stadt, einschließlich Kenny Buttrey am Schlagzeug, Wayne Moss und Joe South auf Gitarren und Bassisten Charlie McCoy und Henry Strzelecki.

Die erste Sitzung der Nashville, Dylan gesagt hat: "die Musiker spielten Karten, ich schrieb ein Lied, wir täten es, würde sie zurück zu ihrem Spiel und ich würde ein anderes Lied schreiben." Eigentlich war die Band oft aufgewacht und gerufen, um das Studio mitten in der Nacht. Die Musiker waren in einem Kreis um ernähren sich von einander angeordnet. Und die meisten Songs aus diesen ersten Sitzungen waren in der Tat eine erste oder zweite nehmen abgeschlossen: Vierte Time Around, Leopard-Skin Pill-Box Hat und den Datensatz zwei Meisterwerke der eindringlichen und haunted: Visionen von Johanna und Sad-Eyed Dame des Tieflandes.

Schlagzeuger Kenny Buttrey Erinnerungen der Aufnahme Sad-Eyed Lady – in Clinton Heylin Buch Hinter Schattierungen – sind eine Offenbarung: Dylan sagte, er erzählt, ""machen wir einen Vers und Refrain, und ich werde meine Mundharmonika-Sache... spielen und wir werden sehen, wie es von dort aus geht"... Wir haben uns vorbereitet... für eine grundlegende zwei-bis drei - minütigen Aufzeichnung."

Jedoch "ein zweiten Chor beginnt Bau und Gebäude wie verrückt, und jedermanns nur erreichte es, weil wir, Mann dachten, das ist es... Nach etwa fünf sechs Minuten von diesem Zeug jeder fängt an, wir baute auf den Gipfel des unser Limit." Dennoch fuhren sie fort, auf diesem Höhepunkt für 11 Minuten, 22 Sekunden.

Was wir hören, ist ein Lied geschrieben, laut von der Band, wie es passiert ist, roh Genie bei der Arbeit und wahrscheinlich das komplizierteste Liebeslied aller Zeiten, (sei es für Joan Baez oder Sara Dylan, beide oder keines von beiden) über die gesamte Seite eines Albums. Al Kooper selbst legen Sie es so: "Niemand hat jemals erfasst den Klang von 03:00 besser als das Album." "

Blonde on Blonde hat mich durch das halbe Jahrhundert seit jenem Tag im Haus der Rosen begleitet. Manchmal, wenn ich verliebt schickte ich ihn als Geschenk – eine seltsame Wahl nach einigem Nachdenken, weil es das Ende sowie Lovestruck Anfang enthält.

Unheimlich, anstatt mich zu ändern, oder das Album ändern, mein eigenes Leben hat mit Blonde on Blondeerwischt. Obwohl es herablassend war, hat wer es gesagt zu Recht eine 12-jährige sagen, dass dies "Erwachsener Musik", denn es ist. Seine Schlussfolgerungen (oder Mangel davon) sind bemerkenswert, gerade wegen seiner verheerenden aber ironischen Belanglosigkeit – etwas das man später im Leben erfahren soll.

Blonde on Blonde folgte zwei Wahrzeichen Spuren von 1965: psychedelisch visionäre Herr Tambourine Man von Bringing it All Back Home und einem Alptraum der Desolation Row auf Highway 61 Revisited (die meinen Willen gibt, auf meiner Beerdigung gespielt werden weil es die Welt beschreibt ich verlassen haben werde).

Aber Blonde on Blonde bestreitet Auflösung, stattdessen auf das absurde zurückzugreifen. Das absurde in das Album fand ich später in Samuel Beckett und seinem hohlen lachen, die man lernt, und, übergibt man später im Leben. Oder in Schostakowitschs Präludien und Fugen, mit ihren verzweifelten Ironie und Witz.

Ironischerweise geladenen Sinne Unsinn und den Unsinn in allem: Ich hörte es zuerst über die vier Seiten des Vinyl. Erwachsener, gefährlich, unwiderstehlich, und – es dauerte ein halbes Jahrhundert zu lernen – wahr.