Julius Caesar; Siegfried – Rezension

Kolosseum; Royal Opera House in London; Schillertheater, Berlin

Wenn eine Inszenierung der Händel-Oper, aber umfassend fehlschlägt gewinnt die Musik heraus. Gott sei Dank für die große Barmherzigkeit. English National Opera neue Julius Caesar eröffnet diese Woche mit einer Inszenierung von solchen Torheit, dass Frühstück nächsten Tag war es in der Nähe von unmöglich zu glauben es wirklich passiert ist. Sollten wir beim Anblick des Ptolemäus Abreißen der Zunge aus einem geschlachteten Giraffe und angesichts einer trauernden Frau slathering schockiert gewesen sein? Oder durch den Aderlass ein lebensgroßes Krokodil in einem Blecheimer empört oder entsetzt über die Vision einer Witwe mit abgetrennten Kopf ihres Mannes in einer Plastiktüte verpackt wie ein Klumpen von rohem Schinken? Das Aufkommen von Caesar in Smoking und Unterhose mit einem Haufen Luftballons geht direkt in die Annalen der bildlichen Schrecken.

Oder war alles ein senden? Denken Sie, dass Theater der Grausamkeit gekreuzt mit Noises Off über Ariadne Auf Naxos – Moment der Aufregung, wenn die ernsthafte Musiker, dass eine burlesque-Truppe erfahren für die gleiche Veranstaltung doppelt gebucht wurde. Denn dies war eine Co-Produktion mit Fabulous Beast Dance Theatre, wen viele Member mit Vergnügen oder Horror aus ihren Le Sacre du Printemps für ENO im Jahr 2009 wurde für einen Olivier Award nominiert.

Entsprechend hatte Choreographie eine starke Präsenz in diesem Julius Caesar, verschiedentlich Diskette und volkstümlich, aufdringlich oder belanglos. Eine Parade von Mädchen in wenig schmeichelhafte weißen Kittel und Männer vor allem in weißen Anzügen rüttelte und emoted jedes Mal einen Tanzrhythmus schlug, und mit so vielen 3/8, 3/4 oder 6/8 Taktarten in der Partitur, die Chancen waren reichlich vorhanden. Als wollte er uns unterhalten wenn Händels Musik, mit all seinen subtilen Variationen schon ganz gut verantwortlich war, diese Tänzer gesponnen und webten, Schau stehlen die Sänger auf Schritt und tritt. Die Tänzer sollte man sagen, waren in ganz professionell.

Beste Beratung war, die Worte von Michael Keegan-Dolan, Regisseurin und Choreografin in seinem Programm Essay zu gehorchen: "Wenn Sie die Augen schließen und mit Aufmerksamkeit Händels Musik hören sehen Sie Bilder. Wenn Sie offen bleiben und in eine ansprechende Raum stehen finden die Musik einen Weg, Sie zu bewegen." Wir vermeiden billige Satire gegen eine solche Beratung. Keegan-Dolan vermutlich wollte uns zu beobachten und mit seiner Produktion als Drift aus in Trance, aber es war eine entmutigende Erfahrung.

In Andrew Liebermans Entwürfe, die die Aktion fand vor dem Hintergrund der Spanplatten mit einem Baum als Hauptstütze, ein paar Tische zu gehen oder tanzen auf Stetsons, Waffen, tote Tiere, Krocket Schlägel, Menschen mit Strümpfen über ihre Köpfe hinweg – die üblichen Tageskleidung eine Händel-Oper seria. Die Politik dieser Arbeit, zuerst gesehen im Londoner Haymarket Theatre im Jahre 1724, blieb vage aber gab es einige Differenzierung in der Kleidung zwischen Römer und Ägypter.

Aber ach, die Musik. Christian Curnyn, ein bemerkenswerte junge Barock-Spezialist, Castor und Pollux für ENO, dirigierte, Flotte Geschwindigkeiten einstellen und begeisterte straff, flinke Erfindung aus dem ENO-Orchester mit unendlich zarten Continuo von Jakob Lindberg (Laute) und Nicholas Ansdell-Evans, David Newby (Cello) und Joseph McHardy (Cembalo) spielen. Wenn die Arien manchmal ähnlich, mit einer Tendenz zu beenden nach einem übertriebenen zuschlagen auf der Bremsen in den letzten Takten Klang, gab es noch viel Freude in der Instrumentalfarben, vor allem aus niedrigen Holzbläser. Curnyn folgte weitgehend Charles Mackerrass Ausgabe (verwendet von ENO Mitte der 1970er Jahre, als Janet Baker die Titelrolle sang). Dies ist eine lange Arbeit, Einschnitte erfordern. Einige Rezitativ ging zugunsten der Wiederherstellung der Arien: eine kluge Entscheidung.

Die besten Gesang kam von Patricia Bardon als die traurigen Cornelia, ihre Stimme tief-farbenen und ausdrucksstark in tragischen würde. Lawrence Zazzo Cäsar war charaktervollen, klar und präzise, wenn manchmal fehlt Heft, ein Problem, das auch Anna Christy heimgesucht zu Licht-zum Ausdruck gebracht um die feurigen Verführungskünste der Kleopatra zu vermitteln. Tim Mead (Ptolemäus) und Andrew Craig Brown (Tolomeo) hinzugefügt, fein abgestimmte Schurkerei. Daniela Mack war erreicht, als Cornelias Sohn Sesto, verwandelte sich hier in eine Tochter, die subtil zerstört das Gleichgewicht einer Mutter-Sohn-Beziehung und die Idee eines jungen greifen die Zügel der Macht und Rache – aber was soll's?

Wegen einem Tagebuch Zusammenstoß bedeutete Julius Caesar , Götterdämmerung, der letzte Teil der Ring-Zyklus Wiederbelebung der Königlichen Oper zu verpassen. Ich genoss als einseitige Entschädigung zwei Siegfrieds, in London und Berlin. Wir sehen in der Covent Garden-Version Bryn Terfel – singen seine erste Wanderer in dieser ROH-Produktion – spinning gefährlich auf eine riesige graue Platte, als die Firewall zu erkennen, eine Phrase zu prägen, hinter, denen am Ende Die WalküreBrünnhilde beschränkt war.

Trotz dieser schwindelerregenden Fahrt Terfel Gravitas gebracht, um die Rolle und, wie in seinem Wotan, wieder zeigte eine vorbildliche Verständnis des Textes und sang begeistert. Susan Bullock ist Brünnhilde, auch glühende Krempe mit Vitalität und Kraft. Als Siegfried, der einfache, thuggish Held gewinnt ihr, Stefan Vinke hat den Kurs aber entsprach nicht Bullocks Ping die Qualitätssicherung in der Kopfnote. Gerhard Siegel war eine einschmeichelnde Mime. Sophie Bevan verzauberte als eine Antenne Woodbird. Wolfgang Koch (Alberich) war krank so gehandelt hat die Rolle, während Jochen Schmeckenbecher von der Seite sang-sehr gut, wenn man bedenkt, er landete nur am Flughafen Heathrow als 1. Akt begann. Antonio Pappano, waren Dirigent und Orchester ROH auf mächtigen, prallen Form.

Vier Tage später in Berlin, Daniel Barenboim, denen die junge Pappano in Bayreuth in den 80er Jahren unterstützt, Ring führte eine neue Siegfried, Bestandteil der Staatsoper laufenden mit der Mailänder Scala. Gerichtet und entworfen von Guy Cassiers, die Antwerpen stammende Theaterregisseur ist es hauptsächlich aus 3D video-Projektion geformt. Im Gegensatz zu Warner, Cassiers, keine Ideen zu haben scheint: Abgesehen von einem Rahmen Tierkäfige und Cloud Kammern in Akt 1 oder den geisterhaften silbernen Lamé-Wald im 2. Akt, es ist eine Illusion. Bilder des fallenden Wassers, geschmolzene Lava, glaziale Rasterung, Schwärme und Murmurations und Eruptionen wirbeln und vor uns, mehr als eine Typologie der Natur Zufälligkeit referenzielle Überspannungsschutz. Keine aktuellen starre Klischees Sex Salons oder Klonen hier dann. Zwangsläufig die Buh-Rufe für das Produktionsteam rauhen waren.

Dennoch gibt es mehr zu ihm. Jede Bühne Bild ist reich und malerisch, als ob die abstrakten Gemälde von Anselm Kiefer und Wolfgang Tillmans animiert wurde hatte. Hilft unser Verständnis des Ringes? Eine offene Frage, aber es sicherlich nicht zu behindern. Die Besetzung war uneben aber rühmte sich Lance Ryan in der Titelrolle. Diese kanadischer Heldentenor eignet sich für nächstes Jahr bicentennial Ring in Bayreuth: er hat die Ausdauer und die Noten. Peter Bronder (Mime), Johannes Martin Kränzle (Alberich) und Anna Larsson (Erda) übertroffen. Juha Uusitalos Wanderer enttäuscht. Iréne Theorin war wie Brünnhilde für einige Meldungen mit einer makellosen "Ewig War Ich, Ewig bin Ich", obwohl ihre blonden Perücke entschädigt ein bisschen ein Schocker.

In der Staatsoper Zuhause, das Schiller Theater, Klang das Orchester virile und aufmerksam auf jede Nuance. Barenboim weiß, wie man zügeln und auf maximale Wirkung entfalten. Dies war bei den Proms nächsten Sommer einen verlockenden Vorgeschmack auf seinen versprochenen Ring. Ich bin jetzt auf eine strenge Wagner-Ausschluss-Diät bis 2013.