Konzeptkunst in Großbritannien 1964-1979 Review-eine antiseptische Archiv Archive

Tate Britain, London
Der rebellische Überschwang der Konzeptkunst der 1960er Jahre weitgehend abwesend ist aus dieser Pokerface zeigen

Kann jemals Zeit vorbei werden zurückgewonnen? Die Kuratoren in der Tate Britain offenbar hoffen. In der Eröffnung Galerie der Konzeptkunst in Großbritannien 1964-1979 – beachten Sie, dass düstere Titel und seien Sie gewarnt – sie haben ein berühmtes Werk aus dem berauschenden London 1967 wiederhergestellt.

Fast 6.000 Orangen werden in einer glühenden Pyramide auf dem Boden gestapelt. Sie sollen eine pflücken und Essen, eine wörtliche Parodie auf Kunst Konsum. Oder zumindest das ist, was der südafrikanische Künstler Roelof Louw im Sinn hatte, als er Soul City im Kunst-Labor, wo David Bowie verwendet installiert, um zu Proben und John und Yoko ausgestellt, Fundstücke (und wurden fotografiert von Jane Bown für diese Zeitung).

Aber fast ein halbes Jahrhundert hat interveniert und die Szene ist nicht mehr so frei und unschuldig. Zeitgenössischer Kunst ist ein zig Millionen-Dollar-Geschäft, die wir Arme Leute aufgefordert sind, zu respektieren. Mein Gefühl ist, dass die Galerie wachen die Öffentlichkeit ganz aktiv zu fördern, um diese Orangen bewegen, damit "die Zerstörung des Kunstwerks" zu erhalten müssen, wie ich gehört habe, einen entsetzten Zuschauer legen Sie es in dieser Woche. Und die Atmosphäre in der Tate Britain ist nicht zu helfen, denn dies ist die am meisten antiseptische Archiv einer Show.

In der Tat, im schlimmsten Fall ist es ein Archiv der Archive – die Reliquien des längst vergangenen Ereignisse züchtig abgelegt in Vitrinen. Die relativ kleine Körper der eigentlichen Kunst ist mit zahlreichen Zeitschriften sagen Auftritte werden wir nie sehen und zeigt, dass praktisch niemand schon damals sah fristeten. Kleine graue Fotografien geben uns Louws gigantischen Zeichnungen in Gummi- und den antiken Humor des Bruce McLeans schönen Stil "Pose Band", spöttisch die Einrichtung Feierlichkeit von Henry Moore und Anthony Caro mit extremen Körpersprache. Dies ist keineswegs zu jenen Tagen zu evozieren. Gilbert und George als lebende Skulpturen posieren Sie an sie denken, was mehr als ein trüben Foto in einer alten Zeitschrift verdienen. Herr weiß, dass Sie besser auf YouTube machen können.

Die erste Generation der Konzeptkunst in Großbritannien war radikal, zentrale und zutiefst rebellisch. Es lief hart gegen die Konvention von Kunstwerken als Sammlerstücke – "der Entmaterialisierung des Kunstobjekts" war ein Klingeln Satz der Zeit – die keine Leinwände bedeutete (es sei denn, sie Anti-Gemälde, wie der Spiegel in dieser Show waren) und sicherlich keine Henry Moores. Sie dokumentiert einen Spaziergang über Dartmoor in Worte und Bilder, wie Richard Long; oder ein Autostop von London nach Andorra, wie Hamish Fulton, subtil charakterisieren die rassische Vorurteile zwischen den Nationen unterwegs. Sie schickten Verbraucher Werbung mit piercing soziale Kritik, wie die Beize Victor Burgin.

Bruce McLean machte schöne flüchtige Stücke im Jahr 1967: ein Splitter des Eis drehen von Dreieck bis Kurve an einem sonnigen Tag; eine Streuung von Sägemehl am Regents Kanal wie Rauch verschwinden. Es war überall im Handumdrehen und sanft selbstironisch – eine Parodie, fast, der konzeptuellen Kunst bevor es sogar wirklich begonnen hatte.

Er und die aus unerklärlichen Gründen unterbewertet Keith Arnatt stoßen immer als die Humoristen in einer ziemlich ernsten Gruppe. Arnatt, sah aus wie eine schwarzhaarige Chris O'Dowd in den Fotografien seiner abrupt Comic-Aktionen, trug ein Plakat rund um seinen Hals zu lesen "Ich bin ein echter Künstler", neckisch gefragt werden, ob das Foto ihm gesichert.

In einer Sequenz isst er seine eigenen Worte Buchstabe für Buchstabe (oder tut er: vielleicht die Kamera Lügen?). In einem anderen verschwindet er, Füße zuerst in den Boden in einem angeblichen Akt der selbständigen Bestattung. Aber die Wirkung ist von einem Mann, in ein großes Loch in Cartoon Bilder gesaugt; man kann fast die Komödie Soundeffekte hören.

Arnatt des Unsichtbaren Loch ist die verlockendsten Arbeit in der Show: ein Foto zeigt ein erfrischendes Bad in den Rasen, die angezeigt wird, erstellen Sie ein Loch im Schatten des Künstlers. Er wollte, sagte er, wie visuelle ein Werk der bildenden Kunst wirklich musste in Frage zu stellen. Das offensichtliche Paradox ist natürlich, dass dieses Bild so betörend ist.

Aber das ist in der Regel eine Kunst, die nicht allzu interessiert an Auftritte. Ein Großteil dieser Show besteht aus Texten in scheußliche Schrift, schwarz-weiß-Fotografien und Fotokopien. & Kunstsprache, unheilbar glum Kollektiv bedecken die Wände mit ihren Pensées auf der US-Kritiker Clement Greenberg und ihre Theorien über den Zustand der Kunst.

Tate Britain zeigt auch ihre Spiegel. Blick in sie und was Sie sehen: nichts, etwas selbst; Es ist kaum eine sehr überzeugende voraus in das umstrittene Gebiet des Kunstobjekts. Kunstsprache & ertragen, wo so viele andere verblasst sind, durch die eigentlichen Objekte.

Ein Großteil dieser zeigen, es ist wahr, ist furchtbar langweilig. Gibt es eine vorherrschende Interesse an Systeme, Methoden, Tabellen. 90 Postkarten von englischen Küstenstürme, sorgfältig zusammengestellt von Zeit und Ort; 81 Kassetten des Frühlings in Grafschaften Englands, ihre süße wilde Strecke unerhört aufgezeichnet; 12 Fotos einer Dunkelkammer Stop-Uhr in unterschiedlichen Lichtverhältnissen bis das Licht so vollständig übernimmt, dass die Uhr nicht sichtbar wird.

Die Uhr ist sowohl das Thema der Fotos und die Messung von ihr machen, und So weiter. Viel ist über Hilliardss Sequenz geschrieben worden die Sie zweifellos für sich selbst vorstellen können. Diese frühe Konzeptkunst erzeugt große Gelehrsamkeit und Explikation ohne jemals verkaufen selbst – oder in der Tat ausverkauft; Es ist wahre Appell an diesem glühender Anti-Konsum.

Aber ob es so viel Erklärung braucht, sei dahingestellt. Vielmehr handelt es sich um eine Kunst, die zeigt, die ganz klar zu denken. John Latham kaut Greenbergs verabscheute Kunst und Kultur und spuckt es aus. Michael Craig-Martin stellt ein Glas Wasser und nennt es eine Eiche; die Transformation geschieht im Kopf; Kunst wird ein Artikel des Glaubens.

Lachen scheint als eine Antwort als Stirnrunzeln in diesem Fall passend; aber diese Show ist katastrophal Pokerface. Es umgeht die üppigsten Werke der Konzeptkunst – Filme, lyrische Videos, verrückte Auftritte und lustigen sound funktioniert, von denen viele in der Whitechapel Gallery enorme Umfrage im Jahr 2000, gezeigt wurden, die im Vergleich dazu wie eine perfekte Karneval der Fröhlichkeit scheint – für Sparsamkeit. Fast jede Arbeit hier ist geliehen, unentgeltlich, aus der Sammlung der Tate Britain.

Aber selbst in diesem Mausoleum ein bestimmten Geist der Freiheit noch entgeht. Mary Kelly wunderbare, Post-Partum Dokument im letzten Raum der Beobachtungen (und ihre Reaktionen darauf) des Sohnes sehr jung ist. Es ist in Susan Hillers am Meer Postkarten mit ihren wunderbar verschiedene Stimmen und Ansichten über eine englische Jahrhundert; und genau in diese einfache Orangen, reichlich für nichts verschenkt. Es gab viel Freude in der Kunst jener Zeit, auch wenn Tate Britain es stints.

• Konzeptkunst in Großbritannien 1964-1979 ist in der Tate Britain, London bis 29 August