A-Z des Klaviers: Alfred Brendels Noten aus dem Konzertsaal

Alfred Brendel gehört zu den größten Pianisten der Welt. Hier destilliert er ein Leben lang musikalische Kenntnisse von Bach, Mozart und Liszt, wenn Husten während einem Konzert spielen

A für Kunst und Künstler

Es gibt diejenigen, die glauben, dass eintauchen in die Biographie der Künstler sorgt für eine tiefere Wahrnehmung ihrer Kunst. Ich bin nicht einer von ihnen. Die Vorstellung, dass ein Kunstwerk die Person des Künstlers spiegeln muss, dass Mensch und Arbeit eine Gleichung, die die Integrität der Person die Integrität seines Schaffens – ein solcher Glaube scheint mir sind beweist gehören, vor allem im Bereich der Musik, in den Bereich des Wunschdenkens. Beethovens erinnert häufig chaotischen Handschrift in seinen Briefen und musikalische Autogramme an seine heimischen Unordnung wie wir es, aus Bildern und Beschreibungen kennen. Ganz im Gegensatz ist die dauerhafte Reihenfolge seiner Kompositionen. Die Person eines großen Komponisten und seine Werke bleiben mir Inkommensurable: ein Mensch mit seinen Einschränkungen mit Blick auf ein nahezu grenzenloses musikalisches Universum.

Es gibt Ausnahmefälle, wo Ereignisse aus dem Leben des Komponisten in der Musik verfolgt werden können. Beethoven in seiner Sonate Op 110, komponierte die Erfahrung der Rückkehr ins Leben nach einem schweren Fall von Gelbsucht. In ähnlicher Weise verwandelte sich Schönberg in seinem Streichtrio eine großen gesundheitlichen Krise Klang. Und Brahms konzipiert sein D kleinere Klavierkonzert unter dem Einfluss von Schumanns Sprung in den Rhein. Im Allgemeinen wird jedoch der Wunsch, Tendenzen und Ereignisse im Leben des Künstlers zu seinen Kompositionen verbinden uns in die Irre führen. Die Vorstellung, dass ein Griever sehnt sich danach, seine Trauer, eine sterbende Musiker die Erfahrung des Sterbens zu verfassen oder eine Person mit Freude seine Fröhlichkeit überwältigt, gehört in das Reich der Märchen. Musik ist voller Gegenbeispiele. Werke von Glück, Freude, Gelassenheit und sogar Leichtigkeit entstanden aus Epochen großer persönlicher Not. Freuen Sie wir uns damals.

B für Bach und Beethoven

Wenn Beethoven rief, um ihm gerecht zu werden, sollte des Meisters Namen wurden nicht Bach (Bach) aber Meer (das Meer), er sprach nicht nur von der überragenden Fülle und Vielfalt von mehr als 1000 Kompositionen, aber auch der schöpferischen Kraft verkörpert in dieser obersten Exponent der am weitesten verbreitete Großfamilie aus professionellen Musikern aller Zeiten.

Ich sehe Johann Sebastian Bach als Großmeister der Musik für alle Instrumente Tastatur: der Initiator des Klavierkonzerts, der Schöpfer der Goldberg-Variationen, der Meister der Solo-Suite und Partita, Choralvorspiele, Fugen und Kantaten. Wenn in den Nachkriegsjahren Klavierwerke Bachs ausschließlich das Cembalo oder Clavichord zugeordnet wurden, wurden junge Pianisten die Hauptquelle des polyphonen Spiels beraubt. Die meisten von uns ist die Annahme, die Bach mit dem modernen Klavier passt überholte. Auf heutigen Instrumenten kann jede Stimme zu individualisieren und die kontrapunktische Fortschritt einer Fuge Plastizität verleihen. Das spielen kann sein Orchester, stimmungsvollen und farbenfrohen und Klavier singen kann. Um ein Komponist zu beschränken, die selbst war mag einer der entschiedensten Transkriptoren Werke von sich selbst und andere auf diese Weise fehlgeleitet auch für Praktiker der "historischen Aufführungspraxis".

Neben der grenzenlosen Fülle von Bach Kontrapunkt darf der freilaufenden Schöpfer von Fantasien und Toccaten nicht vergessen werden. In der spektakulären A zeigt kleine Fantasy ("Prelude") BWV922, um nur ein Beispiel, keine Bar geben, wo die nächste zu gehen.

Großmeister der Kammermusik, Sonate, Variation und Symphonie – was andere Komponist hat solche enormen musikalischen Distanzen wie Beethoven abgedeckt? Wir Pianisten sind glücklich, die Chance den Weg seiner 32 Klaviersonaten bis hin zu seinen späten Quartetten, ergänzt durch den Kosmos seiner Diabelli-Variationen, und die Bagatellen Op 126. Eine Destillation seiner Entwicklung wird durch die fünf Klavier-Cello-Sonaten präsentiert. Wer sonst das Sortiment aus Komödie, Tragödie, von der Leichtigkeit des vieler seiner Variation bietet arbeitet, um die Kräfte der Natur, die er nicht nur entfesselt jedoch in Schach gehalten? Und welchen Master verwaltet, wie Beethoven in seiner späten Musik, Gegenwart, Vergangenheit und Zukunft, das erhabene und das profane zusammen zu Schweißen? Einige Vorurteile haben sich durchgesetzt: das Bild von gründlich heroischen Beethoven oder ein Beethoven, der in seinen späten Werken geradezu esoterische geworden ist. Erinnern wir uns daran, dass er auf seine persönliche Weise anmutig sein könnte und dass seine dolce, seine Wärme und Zärtlichkeit sind nicht weniger ein Merkmal seiner Musik als Vehemenz und gute Laune.

C für Husten

In Chicago, ich hörte während ein sehr weiches Stück und sagte öffentlich: "Ich kann dich hören, aber Sie können mich nicht hören." Für den Rest der Erwägung regte sich niemand. Haben Sie bemerkt, dass in einer feinen Halle fast überall – die Wahrnehmung der Musik gut ist, solange Sie nicht direkt neben dem Messing sitzen? Das gleiche gilt für Husten, Niesen, clearing Halse, Rascheln, klicken auf die Zunge oder Lallen. Wenn Sie nicht wirklich helfen, Husten, achten Sie darauf, während weiche Passagen und allgemeine Pausen tun: "Husten Rheintochter", ein Tag getragen, um den Hals baumelt wird übergeben werden Sie im Laufe eines die Saaldiener. PS-während lustige Stücke Lachen darf.

D für dolce

Berühmten Besuch Dirigent hat einmal gesagt, die Streicher ein deutsches Orchester während einer Probe von Mozarts Piano Concerto K595: "Meine Herren, Spielen Sie dolce! Dolce ist Süß. " (Herren spielen dolce! Dolce bedeutet süß!) Vor vierzig Jahren bestand fast ausschließlich aus Männern Orchestern. Ein weiterer bekannter Musiker gestand mir, dass, wenn mit Blick auf Beethovens dolce, er war auf dem Meer. "Was meint auf der Erde er?" Er war nicht der einzige zu Fragen. "Süß", aber kommen nicht uns sehr weit. "Tender", eine italienische Bedeutung des Wortes, ist hilfreicher. Aber in Beethovens dolce, es gibt auch Wärme und Introspektion. Während Espressivo sich mehr nach außen richtet, dolce soll nach innen. Die deutschen Innig kommt nächste. Wärme, Zärtlichkeit, Introspektion sind wichtige Kennzeichen von Beethovens Lyrik. Heutzutage sind sie eine Seltenheit geworden.

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E für Endungen

Das Ende eines Stückes erreicht die Grenze der Stille. Endungen können das Stück zu Ende zu bringen, aber auch in einigen Fällen freischalten Stille. Dies geschieht in Beethovens Opp 109 und 111. Die Sonate Op 110 macht etwas anderes: sie befreit sich von musikalischen Fesseln in einer Art euphorische Selbstverbrennung. Ende des d-Moll-Sonate von Liszt B führt zurück in die Stille von ihren Anfang. Es gibt viele Arten von Endungen – triumphierend und tragischen, poetische und lakonisch, witzig und melancholisch, majestätisch und abläuft. Wir suchen Endungen, die eine endgültige Entscheidung zu präsentieren und andere, die Dinge verlassen öffnen. Offene Enden, wie in Schumanns "Kind Im Einschlummern" oder Liszts "Unstern" (Katastrophe) Punkt in das unbekannte und geheimnisvolle, entsiegeln ein Rätsel.

F für Formular

Nach Hugo Riemann ist Einheit in der Vielfalt. Kosmetikerinnen kurz vor 1800 hatte die gleiche Formel zur musikalischen Charakter angewendet. Für mich sind Form und Charakter (Gefühl, Psychologie, Atmosphäre, "Ausdruck", "Impulse") zweieiige Zwillinge. Die Form und Struktur eines Stückes sind sichtbar und nachweisbar in der Komponist Text. Der andere Zwilling muss erlebt werden. Die Sichtbarkeit der Form führt, der unsichtbare Zwilling als seine Untergebenen zu sehen. Es ist relativ einfach, eine Komposition mit Hilfe von den geschriebenen Text, immer schwieriger, die Form fühlen, zu analysieren und anspruchsvoller, die Psychologie eines Werkes einzugehen.

G für wunderschöne

In Los Angeles eine Dame begrüßte mich nach einem Konzert und flehte mich zu Wagner-Opern für Klavier und Orchester zu arrangieren. In ihrer Zeit war sie eine bekannte Koloratursopran gewesen. Eine Schallplatte mit einem bunten Ärmel trug den Titel Miliza Korjus – reimt sich auf Gorgeous.

H für Harmonie

Wenn wir uns entscheiden, rufen Sie das Herz der Musik zu singen – zumindest von der Musik der Vergangenheit – was dann Harmonie ist? Die dritte Dimension, der Körper, den Raum, das Netz der Nerven, die Spannung innerhalb der tonale Ordnung, sondern auch die Spannung in der scheinbaren Niemandsland des Post-tonal. Der Performer ist voraussichtlich solche Spannungen bis in ihre kleinsten Verzweigungen zu offenbaren. Übergänge, Transformationen, musikalische Klimawechsel und Überraschungen zu widerstehen Berechnung. Wir müssen sie fühlen. Ich bevorzuge spielen harmonischen Ereignisse zu erklären sie.

Ich für ideal

Die perfekte Mischung aus Kontrolle und Einsicht, der Puls und die Flexibilität, die erwarteten und unerwarteten – ist es utopisch, dafür hoffen? Nach gründlicher Vorbereitung die ideale Leistung möglicherweise um die Ecke, oder so scheint es. Lassen Sie uns die Möglichkeit offen lassen, dass es möglicherweise zumindest Momente oder Minuten, wenn der richtige Wind die Saiten der Harfe Äolischen rührt. Die Darsteller, kommt als ob durch Zufall an eine überlegene Wahrheit. Mit unheimlichen Unmittelbarkeit ist unser Herz berührt. Edwin Fischer spielen der Coda des Andante von Mozarts Klavierkonzert K482 anhören.

J für Scherz

Der österreichische Kaiser Joseph II Haydns "Scherze" nicht genießen. Plato wollte lachen zu verbieten. Es gibt Menschen, die für die Sinne, Ernsthaftigkeit und Verantwortung alles sind: lachen, sie fühlen, ist, sich lächerlich zu machen. Einige von uns anhören Musik, als ob alle davon war für die Kirche geschrieben. Testen Sie Ihr Gefühl der Komödie angesichts Beethovens Diabelli-Variationen. Vor kurzem eine bedeutende Biologe sagte: "Wenn Sie können nicht lachen, Leben, wie in der Hölle willst du über den Tod lachen?" Wir halten Sie ein paar Lacher für das Ende.

K für Klunz

Jakob Klunz verkörpert den tragischen Fall eines Komponisten zur falschen Zeit am falschen Ort leben. Unter dem unerbittlichen Regime von Bismarck galt er aus Schritt beim Schreiben von 389 Walzer für zwei bis sechs Hände. Inhaftiert, wurde er gezwungen, um seine Märsche zum Scheitern Sieg, posthum veröffentlicht in einer Version für Bläserensemble von Mauricio Kagel zu komponieren. Die Walzer wurden anonym, als Zeichen der Erniedrigung, dem österreichischen Kaiser geschickt. Um alles noch schlimmer zu machen, wurden sie von der Strauss Familie zerstört.

L für Liszt

Romantischen Herrscher des Klaviers. Schöpfer des religiösen Klavierstück. Chronist des musikalischen Wallfahrten. Unaufhörlichen Praktiker der Transkriptionen und Paraphrasen. Radikale Vorläufer der Moderne. Musikalische Quelle von César Franck und Skrjabin, Debussy und Ravel, Messiaen und Ligeti.

Vertrautheit mit Klavierwerken Liszts wird es deutlich machen, dass er das Klavier oberste Künstler war. Was ich im Sinn habe, ist nicht seine transzendentale pianistischen Fähigkeiten, aber die Reichweite seiner Ausdruckskraft. Er und nur er, als "Genie des Ausdrucks" (Schumann), offenbart die volle Horizont was das Klavier anbieten konnte. In diesem Zusammenhang wurde das Pedal ein Werkzeug von größter Bedeutung.

Herausragende Klavierwerke von Franz Liszt – die möchte ich erwähnen, nur die B Moll Sonate, Années de Pélérinage, Variationen über "Weinen, Klagenfurt, Sorgen, Zagen", La Lugubre Gondola und feinste Etüden – gehören für mich auf eine Stufe mit denen von Chopin und Schumann. Seine B-d-Moll-Sonate übertrifft in Originalität, Kühnheit und Ausdrucksmöglichkeiten, alles, was in diesem Genre seit Beethoven und Schubert geschrieben.

Viel von Liszts Musik ist heutzutage bei überhitzten Geschwindigkeiten gespielt. Das letzte, was, das Liszt verdient, ist Bravour um ihrer selbst Willen. Ebenso sollte er abgeschirmt von alles, was klingt parfümiert, oder was früher weibisch genannt werden. Wilhelm Kempff 1950 Aufnahme der Ersten Legende ("St. Francis von Assisi Predigt den Vögeln") präsentiert uns mit poetischen Liszt spielen von unübertroffener Qualität.

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M für Mozart

Großmeister der Oper, das Klavierkonzert, das Konzertarie und das Streichquintett. Seine Klaviersonaten scheinen mir, mit wenigen Ausnahmen, unterschätzt. Artur Schnabel hat prächtig fasste warum: sie waren zu leicht für Kinder und zu schwierig für Künstler. Zum größten Teil sind die Geräusche, die sie vorschlagen, die von einem Wind-Divertimento; andere, wie die berühmten A major Sonata K331 und C kleine Sonate K457, sind deutlich Orchester. So ist auch C kleinere Fantasy K475. Orchestrale Versionen der beiden letzteren Werke entstanden bald nach Mozarts Tod. Relativ seltene Werke Mozarts in Moll-Tonarten sind besonders wertvoll: A minor Rondo K511 und B kleinere Adagio K540 sind Selbstgespräche die persönlichste Art. Stupende in ihre chromatische Kühnheit sind die K355/576b Menuett und Gigue K574. Wagner bewundert Mozart als eine große Chromaticist. Mozart – für mich – Zitat ist aus Porzellan, Marmor, weder noch Zucker gemacht. Die niedlichen Mozart, parfümierte Mozart, dauerhaft ekstatischen Mozart, die "Touch-me-not" Mozart, das sentimental aufgeblähten Mozart vermieden werden muss. Ein wichtiger Schlüssel für Mozart zu spielen ist Operngesang. Die Erwachsenen Mozart sagte, wollte er sagen, mit einer Perfektion, die selten in Kompositionen auf höchstem Niveau. Die Kleinmeister ubern häufiger, was robust, Fett oder ungerade in der Musik von ihrer großen Vorläufer klingen mag. In Busonis schöne "Mozart Aphorismen" finden wir den Satz: "Neben das Rätsel stellt er uns mit seiner Lösung vor."

N-Notation

Die Möglichkeit richtig zu lesen und zu verstehen, zählt des geschriebenen Textes einer Komposition zu höchsten Fähigkeiten des Spielers. Die Schwierigkeit der Aufgabe sollte nicht unterschätzt werden. Neben den Brief an muss die Darsteller es in die Praxis umzusetzen.

Für jeden Pianisten müsste die Verwendung der besten Urtext-Ausgaben obligatorisch sein. Wo immer möglich sollten wir darüber hinaus wenden Sie sich an die Originalquellen. Wo der Text unvollständig, ist da manchmal an Mozart uns ergänzen und Ornament-stilecht zustehen.

O für Orchester

Nichts wäre mehr erfreulich für einen Pianisten, als um eine erstklassige Orchester auf seiner Seite zu spüren, ein Orchester, das mit offenen Ohren hört einem Atemzug atmet, und schließt sich die Musik in der Sympathie. Der Klang des Orchesters, die Vielzahl an seine Klangfarben, den Anwendungsbereich seiner Dynamik, sondern auch seine rhythmische Disziplin sind für unser Spiel, die erforderlichen Bezugspunkt. Dem höchsten Vorbild singt, die menschliche Stimme, die Verbindung zwischen singen und sprechen.

Große Dirigenten können uns zeigen, was ein Orchester ist in der Lage, wie man beschäftigt sich mit es, die Nuancen des Tempos vorgeschlagen und gefordert werden kann. Klaviermusik mit Orchester Charakter war keine Erfindung der Romantik. So früh wie Bach und Mozart, orchestral inspirierte Bewegungen finden während Haydn in seiner späten E flach Sonate plötzlich eine Orchesterstil zuwendet. Unter Mozarts Klaviersonaten gibt es auch einige, die eine orchestrale Vorstellungskraft deutlich. In seinem A kleine Sonate K310, der erste Satz ist Symphonik, der zweite ein Sopran Arie mit einem dramatischen Mittelteil, während die dritte als Wind schreiben leicht identifiziert werden kann. Eine Mehrheit von Mozarts Sonaten teilen diese Veranlagung für den Klang von Blasinstrumenten. Schubert, nicht nur in seinem Wanderer Fantasie , sondern auch in den meisten seiner Sonaten war fest an der Seite des Orchesters. Und in Schumanns Symphonische Etüden, die frustriert Klaviervirtuose zauberten ein Orchester auf seine eigene persönliche Weise Entfesselung aller orchestralen Herrlichkeiten des Instruments.

P für Klavier

Ein Blick auf den Umfang und die Fülle der Klavierliteratur macht uns klar: dieses Instrument wirkt Wunder. Das Klavier muss jedoch ein Instrument, kein Fetisch. Es dient einem Zweck. Ohne die Musik ist es ein Möbelstück mit schwarzen und weißen Zähnen. Eine Geige ist und bleibt, eine Geige. Das Klavier ist ein Objekt der Transformation. Es zulässt, wenn der Pianist dies wünscht, den Vorschlag der Singstimme, die Klangfarben von anderen Instrumenten des Orchesters. Es könnte sogar der Regenbogen oder die Kugeln zaubern. Dieser Hang zur Metamorphose, diese Alchemie, ist unser oberstes Privileg.

Um es zu erreichen brauchen wir ein Instrument von höchster Qualität. Was kann der anspruchsvolle Pianist erwarten? Das Klavier sollte haben einen sogar Sound von Treble, Bass, und sogar in Timbre und dynamisches Volume. Es sollte brillant genug, ohne klingenden kurz- und clanky im oberen Register oder übertönt die obere Hälfte der Gesang mit seiner Unterlippe. Die nachzulassen Klang sollte nicht dünn und "groteske" aber Runde und lyrisch, werden seine Dynamik bis Mezzoforte. Seine Wirkung soll in wichtigen Tiefe und wichtigen Widerstand gemessen werden. Und es sollte im Idealfall für ein Konzert nicht weniger als für ein Lieder-Recital geeignet. Für die lautesten Klavierkonzerte kann jedoch ein besonders leistungsfähige Konzertflügel die einzige Antwort sein.

Es gibt Pianisten, die sich nur um das Klavier zu spielen. Ihr Ehrgeiz hält was das Instrument zu bieten hat, wenn er nur in "die schöne und richtige Weg" gespielt wird. Im Gegensatz dazu wurden die wichtigsten Klavier Komponisten – abgesehen von Chopin – nicht Klavier Spezialisten; Sie bereichert Musik in seiner Gesamtheit. Das Klavier ist das Schiff, eine Vielzahl von Klängen anvertraut sind, desto mehr also seit ein single-Player zu steuern berechtigt ist das ganze Stück. In seinem Solo spielen ist der Pianist unabhängig von anderen Spielern. Aber er trägt die alleinige Verantwortung als seine eigene Dirigent und Sänger.

Aus diesen Gründen ist es nicht meine meisten dringendes Anliegen zu nehmen, für die Authentizität Willen, eine bestimmte Cembalo, Hammerklavier oder Pleyel Flügel von 1840 als Maßstab, einfach weil der Komponist dieses Instrument begünstigt haben kann. Was mehr wichtig für mich ist zu die Klängen zu manifestieren, die ein Klavierstück latent enthält. Das moderne Klavier mit seinen umfangreichen Möglichkeiten dynamischen und koloristische ist gut gerüstet, um dies zu tun. Der Pianist sollte sich vertraut mit dem Orchester, Gesang und Kammermusikwerke des Masters. Ein bekannter Musiker beriet junge Pianisten an zwei Jahre lang die gesamte Klavierliteratur durchsuchen. Ich würde lieber verbringen die Zeit den Umgang mit der anderen Musik schrieb der Komponist. So eine Erweiterung des eigenen Horizonts kann den Spieler den ersten Satz der von Johann Sebastian Bach Italienisches Konzert als ein Orchesterstück zu unterscheiden, die quecksilbrig mit Soli, die zweite als Arie für Oboe und Continuo und das dritte Mal als Cembalo Stück wechselt aktivieren.

Konzertflügel der letzten Jahrzehnte haben zunehmend neigte zum rauen und perkussiven – oder so scheint es mir beim Schreiben dieses heute. (Die großen alten Pianisten würde verzweifelt abgewiesen haben.) Klaviere aus der Vergangenheit angezeigt eine innere Resonanz, die die solide Länge und Wärme gab. Doch ist schon jetzt es möglich, einmal in eine Weile, eine wundervolle, herrliche Instrument zu finden. Häufig wurde es von einer der führenden Konzert Techniker überwacht. Meine Zusammenarbeit mit den besten Vertreter dieses Gewerbes zählen zu den schönsten Erlebnissen meines musikalischen Lebens.

Q für querflügel

Eine seltene Tasteninstrument, diagonal gespielt werden gebaut im Jahr 1824 von Broadwood ("Traverse Piano") für die ausschließliche Verwendung von Fürst Karl von Lobkowitz, wer eine längere und eine kürzere Arm trug. Das einzige Überlebende Exemplar, gehalten im Keller des Wiener Palais Lobkowitz, trägt eine unentzifferbaren Widmung von Beethoven.

R für repertoire

Es ist kein Zufall, dass Klaviermusik verfügt über das größte Solo-Repertoire. Auf dem Klavier meistern ein Einzelspieler"das komplette Werk mit allen seinen Teilen ohne die Einmischung von Partnern". Dies ist ein Bonus als auch eine Gefahr. Dank der Komplexität der Aufgabe ist die Entwicklung eines Pianisten langsamer als die der Geiger, die eine Stimme oder Doublestops spielen. Während Geiger bereits Exzellenz in ihren frühen Jahren erreichen können, erreichen Pianisten eher ihren Höhepunkt zwischen 40 und 60. Die Gefahr besteht darin, eine Willkür, die nicht musikalische Verantwortung gerecht wird. Um sicherzugehen, Klavierliteratur in seiner fantastischen, improvisatorischen oder rezitativischen Passagen den Spieler die Möglichkeit, seine Spontaneität voll ausleben präsentieren. In solchen Situationen kommt der inneren Stab zur Ruhe. Im Allgemeinen, unsere inneren Leiter der Träger unseres Standards werden jedoch. Auch in vergleichsweise aufgeknöpft Leistungen sollten die Zuhörer notieren Sie sich den gedruckten Rhythmus können.

Bei der Planung ihrer Zukunft, jungen Pianisten gut beraten zu prüfen, ob sie bauen ein umfassendes Repertoire oder Spezialisierung suchen möchten. Welche Werke sind dank ihrer Qualität, lohnt sich ein Leben lang? Die sollten wir den Mut zu übernehmen? Und die etwas kleinere können wir uns leisten, sollen als Luxus? Die Frage der musikalischen Qualität beginnt, sich frühzeitig zu präsentieren. Auch wenn wir Dinge nicht sofort richtig einschätzen können, sollten wir versuchen, den Weizen von der Spreu zu den besten unserer Fähigkeiten zu teilen. Studium der Komposition, und mit den unterschiedlichsten Musik vertraut zu machen, werden beide tragen zur Anerkennung des Werkes Originalität, seine Neuheit innerhalb einer Epoche. In einigen Jahrzehnten, die das Repertoire zu erweitern, müssen sie in späteren Jahren reduziert werden. Der Pianist präsentiert wichtigeren neue Musik in vollendeter Weise und breitet seine Evangelium verdient höchstes Lob.

S für Stille

Stille ist die Grundlage der Musik. Wir finden es vor, nach, in, unter und hinter dem Sound. Einige Stücke aus der Stille entstehen oder wieder hinein führen. Aber auch Stille soll der Kern jedes Konzert. Denken Sie daran das Anagramm: hören = stumm.

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T für tempo

Ich unterscheide zwischen metronomischer, psychologische und improvisatorischen Zeit. Die metronomischer eine gilt für bestimmte Tänze und andere Stücke von einer strengen Charakter. In der psychologischen scheinen Tempo-Änderungen so natürlich, dass man den Eindruck, ein Stück "verbleibende Zeit", während improvisatorischen Tempo in Passagen ähnlich Fantasy, Rezitativ oder Kadenz bereitgestellt werden soll. Die Musik von Chopin, und manchmal, Schumann oder Liszt, erfordert größere Freiheit. Mit wenigen Ausnahmen sind Werke Chopins für Klavier allein geschrieben. Wir sollten nicht vergessen, dass seine rhythmische Gamut aus dem strengsten (C kleinere Vorspiel) den freiesten erreicht. Das Grundtempo eines Stückes kann nur bestimmt werden, wenn die Darsteller alle seine Komponenten berücksichtigt hat: Tempoangaben, Zeichen, Dynamik, Artikulation, rhythmische Unterteilungen und pianistischen Machbarkeit. Nur dann können Metronomangaben, wenn es welche gibt, betrachtet und bei Bedarf geändert werden.

U für die Einheit

In der Musik wurde der Ruf nach "in Vielfalt geeint" Form und Charakter angewendet. Einheit ohne Vielfalt neigt dazu, in den meisten Fällen lästig zu werden. Vielfalt ohne Einheit ist lebendig, aber ziellosen; oder mindestens verwendet werden, bis im 20. Jahrhundert so viele ästhetische Regeln zu verlagern und zufällige Musik eine der Optionen wurde. Es jedoch wäre recht irreführend, ältere Musik in einer zufälligen zu behandeln. Sogar wo das Aussehen der Spontaneität durch die Leistung gefördert wird, sollten wir den Eindruck von Kohärenz und Vollständigkeit haben.

V für variation

Werke in Variationsform sind die Darsteller höchste Schule der Charakterisierung. Allerdings gibt es auch arbeiten wo die Variationen den Charakter des thematisieren bewahren. Im Allgemeinen wird jedoch der Komponist Vielfalt angestrebt. Der Spieler dürfte ein wahres Theater voller Merkmalstypen das Kommando und es mit Sicherheit zu kontrollieren. Aber er sollte nie den Überblick verlieren. Ein fein säuberlich getrennt, Side-by-Side Zusammenleben der Variationen sei keine adäquate Lösung beschäftigen wir uns mit Bachs Goldberg-Variationen. Variationen sind abhängig von der Struktur der thematisieren. Beethoven hat in seinen Diabelli-Variationendiese Abhängigkeit auf eine erstaunliche Weise gelockert. Variationen können nun auf das Thema eingehen, es zu verspotten, infrage gestellt und selbst Ad Absurdumführen.

Im Rahmen der Klaviermusik sind Variationen von besonderer Bedeutung. Sie reichen von Bachs Goldberg-Variationen über Haydns schöne Doppel-Variationen in F-Moll zum zweiten Gipfel, die Diabelli-Variationen. Erhabene Schwester arbeiten, die wir in Ehrfurcht zu halten sind die letzten Bewegungen von Beethovens Sonaten Opp 109 und 111. Franz Liszt chromatisch und psychologisch Form erneuert: seine Bach-Variationen berechtigen den Spieler zu "Weinen, Klagen, sorgen und Verzweiflung" bis das abschließende Choral erlöst den Hörer, und sich selbst.

W für jammern

"Verlängerte klagenden unartikulierte laute highpitched Schrei" (Concise Oxford Dictionary) von Johannes Brahms geäußert werden, nachdem das Klavierspiel im seine gespenstische nächtliche Auftritte bekannt.

X für x

Nancarrows erstaunliche Musik für Player Piano bietet Leistung ohne Interpretation. Wie die Ergebnisse feststehen, kann der Pianist lehnen Sie sich zurück und sagen: "welche Wonne! "Ich habe keinen Finger zu brechen." Canon X ist eines seiner besten Stücke.

Y für igitt!

Ausruf des Unmuts. Eine natürliche Reaktion auf Gedächtnislücken, verschwommene Notizen und Ohnmacht passt.

Z wie Zvonimir

Legendäre mittelalterliche König der Kroaten. Seine Verbindung zur Musik und zu diesem Alphabet ist bestenfalls, periphere.