David Hare: wie ich lernte, Anpassung zu lieben

Ibsen wollte seine Stücke nach seinem Tod ständig aktualisiert werden. Wie seine neue Version von The Master Builder geöffnet wird, spiegelt die Hase auf den Schmerz und die Freude der Anpassung – und was er gelernt Ansetzer Tschechow zusammen in seiner Garage

Bald nach werdenem Dramatiker, beschloss ich, mit Anpassung nichts zu tun haben. Es gab zwei Gründe. Zuerst war ich gut darin. Meine frühe Version von Pirandellos Die Regeln des Spiels, geschrieben, wenn ich 23 und durchgeführt von Paul Scofield und Joan Plowright für das Nationaltheater wurde entscheidend bewiesen, dass ich nichts über Pirandello und noch weniger über Anpassung wusste: es war ungeschickt. Aber ich hatte auch hinein mit einer puritanischen glauben, dass Dramatiker sollten eigene Stücke zu schreiben nicht reibungslos eine freie Fahrt durch die Anpassung anderer Leute gegangen. Nichts auf der Welt war schwieriger als eine neue Geschichte zu erzählen. Neukonfiguration der alten wollte weit weniger wichtige Arbeit sein.

Dieser Glaube statt gute bis 1991 als Jonathan Kent zu Jahresbeginn seine gemeinsame künstlerische Leitung der Almeida Theatre, mich fragte, ob er die Pirandello inszenieren konnte. Nach fast 20 Jahren wieder lesen fühlte ich mich so beschämt, dass ich kostenlos zur Verfügung gestellt, ganz es wiederholen, anstatt mein jugendliches Inkompetenz wieder angezeigt werden können. Die Autorität des Ergebnisses gegenüber sehr viel Richard Griffiths es elegant, tödliche Leistung als eifersüchtig Held, Leone. Aber angespornt durch Jonathan, ich fühlte dann bereit, Brecht und Tschechow zu bewältigen. Die Almeida Gesamtziel zu entdecken und interpretieren der Europäischen Repertoire führte in einigen der besten Theater-gehen meines Lebens, und ich war stolz darauf, einen kleinen Teil der Umsetzung sein. 1998 zog mich Sam Mendes auf zu denken, eine kostenlose Modernisierung der Reigen AKA La Ronde, die schließlich als einen großen Broadway-Skandal namens The Blue Roomentstanden. Zur Überraschung aller wurde das Spiel über die gesamte Titelseite der New York Daily News, einem unerwarteten Ort zu Arthur Schnitzler spritzte. Howard Davies bat dann um Lorca, und im Jahr 2006 Michael Attenborough ermutigte mich, Gorki zu versuchen.

Affinität mit einigen Autoren, sogar mit einigen Theaterstücken war einfacher als mit anderen. Man weiß nie, bis Sie zu starten. Die ersten fünf Seiten sind immer Schmerz, oft nehmen, solange die nächsten 50. Letzten Sommer, als die Stücke des jungen Tschechow für das Chichester Festival Theatre, ich einmal animieren wollen sofort in ein Idiom rutschte, die schien angemessen und geschmeidig. Platonow war so klar über die rücksichtslose Blenden der Jugend, Iwanow über die Verabschiedung und Die Möwe über die Bestimmung des mittleren Alters, die Hoffnungen der jungen, zu zerstören, dass eine gemeinsame, dezent moderne Rhetorik sich ungezwungen für alle drei Stücke vorgeschlagen. Im Falle von Die Möwe, das ist ganz einfach, konnte ein perfekt geschriebenen Stück ich lächerliche Geschwindigkeit arbeiten. Aber mit Lorcas Bernarda Alba Haus fühlte ich mich immer einen langen Weg hinter der Pace hoffnungslos greifen nach einem surrealistischen Ton, der außerhalb meiner Reichweite war.

Obwohl seine Familie über das Ergebnis schmeichelhaft waren, schien Lorcas besondere Herangehensweise Pedro Almodóvar brauchen mehr als es mich brauchte. Brechts Leben von Galileo, mit der Implikation, dass eine individuelle Geschichte, ändern kann war ein Kinderspiel. Aber seine Mutter Courage, streiten, die genau das Gegenteil, und was deutschsprachige optimistisch beschreiben, wie "Bayerischen Humor" deprimierend war voller und hartnäckigen, eine harte Spiel zu arbeiten und einem noch härter, richtig zu machen. Tonya Pinkinss Rücknahme dieses Monats von einem prominenten Mutter Courage in New York nach ein paar Vorschauen weil sie nicht einigen konnten, eine Interpretation der zentralen Rolle mit dem Regisseur überrascht mich nicht im geringsten. Es ist diese Art des Spiels.

Was den Erfolg der einzelnen Ergebnisse, war anhaltende Exposition auf die Fertigkeiten und Techniken der andere Dramatiker immer angenehm. Ich würde die Stücke auf dem Garagenboden und denken: "Ach, so wie sie es tun" lag. Es war nicht Zufall, das habe ich zur Anpassung im Theater genau zur gleichen Zeit, die ich Regie aufgab. Meine beste Art der Beschreibung Bühnenadaption ist "Richtung durch Proxy". Es ist nicht, dass Sie der Direktor Job für sie – ganz im Gegenteil – aber im Wesentlichen, wie Sie anpassen, Sie erstellen eine kleine Produktion in deinem Kopf. Wenn Sie mit einem großen Regisseur arbeiten, beachten Sie, dass was sie tun, das Spiel zu einem Verständnis des Publikums effektiv tuning ist. Es ist wie eine Linse zu klaren Schwerpunkt drehen. Die grossen vermitteln die Erfahrung zwischen Bühne und Zuschauerraum, so dass alles – Licht, Ton, Bild, Rhythmus – hilft, um den Betrachter zu offenbaren, was genau es ist, dass sie gerade sind.

Wenn ein klassisches Remake, soll der Adapter sorgfältig wählen, welche Aspekte die wörtliche Übersetzung zu betonen und die herunterzuspielen. Es darf nie so etwas wie eine wortwörtliche Übersetzung treu, oder gäbe, wäre es öde und akademischen. Keine eine Zunge parallelen perfekt ein anderes. Völlig fehlen Nuancen reichlich in ein Wort in einer Sprache in eine andere. Für diesen Grund Geläufigkeit in der Originalsprache kann gut sein, ein riesiger Bonus in theatralische Umsetzung – in Michael Frayns Tschechow oder Michael Meyer Ibsen, klar es ist – aber es ist nicht wichtig. Meine Aufgabe ist es, ein Spiel aufschlagen, so dass die Resonanzen bestimmt durch das Spiel der Worte in einer Sprache scheinen immer noch in einer ganz anderen Zeit und Kultur Funkenbildung.

Ibsen kam zu dem gleichen Schluss, als er beharrte, daß wenn seine Stücke nach seinem Tod überlebt, sie müssten ständig für Auslandsproduktion überarbeitet werden. Er glaubte nicht, dass eine Übersetzung immer standard werden könnte. Ibsen beantragt die spielt immer präsentiert werden wie er es nannte, "die Alltagssprache der Zeit" und per definitionem erwartet er diese Rede zu ändern. Es war Ralph Fiennes, Kollegen Absolvent der Almeida der 1990er-Jahre kamen auf mich zu Fragen, die Rolle eines Halvard Solneß, weil er diesem Stadium in seinem Leben erreicht hatte, wenn nur die schwierigsten Texte ihm angezogen. Schien es angebracht, das Spiel schwindelerregenden Abstraktion, die Matthew Warchuss Produktion international, mit Sarah Snook aus Australien, Hilde und Linda Emond, der vollendete Spieler von Arthur Miller und von Tony Kushner, aus New York, Aline spielen zu spielen.

Der Baumeister, ist wie es geschieht, ein besonders anspruchsvollen Text, weil es fast überall bewegt sich zwischen den Alltag und das erhabene. Es ist ein Spiel, das seine scheinbare Thema ändert öfter als alle, die mir einfällt. Nur wann, als Publikum, Abrechnung auf einen Sinn und denken, "So das ist was er hinauswollte", Ibsen kippt die Aktion und entführt Sie auf einen anderen Kurs vollständig. Das Timing, mit dem er diese Schalter Richter, ist makellos. Vorhang-Up erscheint Ibsen, ein realistisches Bild der Architekt anbieten zu können, der fürchtet, dass die jungen kommen klopft an die Tür seiner professionellen Vorherrschaft herauszufordern. Aber zu der Zeit er und die junge Frau, Hilde, streiten über Ereignisse, die möglicherweise oder möglicherweise nicht in einer anderen Stadt 10 Jahre zuvor passiert haben und sowohl aufrufende Dämonen und Trolle, ihr Verhalten zu erklären, das Spiel bewegt sich in weit slippier Gebiet. Als einen tragischen Unterton über vergangene Ereignisse zwischen dem Architekten und seiner Frau Aline beginnt zu greifen, gibt es eine gebrochene Qualität im norwegischen Dialog. Das Spiel ist voll von gebrochenen Rede, als ob Worte gesprochen, ungebeten, aus ihrem Unterbewusstsein werden. Finden Sie einen Stil für diese Technik des bewussten Hinweis, ist Block und Anspielung die größte Herausforderung für jede Version von The Master Builder.

Offensichtlich gibt es eine starke autobiographische Elemente in das Porträt eines Künstlers, wenn er glauben an Gott verliert, Gestaltung von Sakralbauten aufgibt und stattdessen wählt inländische – nur zu machen, suchen machen Häuser gleichermaßen unbefriedigend. Wer seine zunehmende Interesse an der realistischen Ibsens Reise aus seiner frühen poetischen Dramen verfolgt hat wird erkennen, dass ein Greis Besessenheit mit den jungen und vor allem die sexuelle jung ist nicht die einzige offensichtliche Parallelen zwischen der alternde Autor Der Baumeister und sein Held, gnädige. Es gibt Momente im Spiel, da scheint der Autor auf seine eigene Zwangslagen aufmerksam werden, als ob er nichts dagegen, dass Publikum vom Theater gehen könnte reden so viel über seine eigentümliche Psychologie, wie sie über seinen Helden zu tun.

Dies ist eine Anspielung auf vielen verschiedenen Ebenen – die mythische, die psychologische und das Unterbewusstsein arbeitet. Es wurde für unzählige Interpretationen, nicht zuletzt von denen geöffnet, die glauben, dass die ganze Geschichte im Kopf der zentralen Figur stattfindet. Wie viele tolle Spiele flirtet er mit Wahnsinn. Aber im ganzen, die disparaten Elemente werden zusammengehalten durch den starken musikalischen Griff der Aktion. Ibsen war vor allem ein musikalischer Schriftsteller: er strebte ein Theater, das in seiner formalen Bewegung Musik ähneln würde. Er wollte, dass emotionale Kraft und menschlichen Detail, aber vor allem wollte er Form. Deshalb ist er so eine Freude, anzupassen.

• The Master Builder ist am Old Vic, London SE1, vom 23 Januar bis 19. März.