Die Rake geht nach Hollywood

Robert Lepage, den Zauberstab schwingt Magus, eine Oper verwandelt sich in einen Film. Aber es ist alles eine visuelle Con?

Die liederlichen
Royal Opera House in London WC2

Der kanadische Assistent Robert Lepage ist ein Opern-Regisseur, unabhängig davon, ob er eine Opernregie. Er bekennt sich zu Wagners synästhetische Vorstellung von dem "Gesamtkunstwerk", die Lepage paraphrasiert als "hyper Theatre", eine Mischung aus Sprache, Gesang und Schauspiel, das alle unsere Sinne gleichzeitig bombardiert und kippt die restriktive Wände unabhängig Auditorium es requiriert.

In Lepages-Shows weitet die Bühne um den Globus oder das ganze Universum umfassen. Seine Sommernachtstraum in Olivier Theatre einen Wald gepflanzt, zu einem Sumpf aufgewühlt, dann rief eine glitzernde Dusche vom Himmel für die Reinigung der wahnsinnigen Liebhaber. Er plant nun eine Neuproduktion von Wagners Ring-Zyklus für die Metropolitan Opera in New York: Wer besser als Lepage, den Zauberstab schwingt Magus, zu zeigen, wie unsere Welt entsteht aus den Wassern des Rheins und dann 16 Stunden und mehrere Jahrtausende später, verbrennt nur Trümmer, die geschluckt wird wieder durch die reinigende Flut verlassen?

Im Barbican im September Lepage multimedia, Polylingual Extravaganz Lipsynch verbringen nur neun Stunden Prüfung die Bemühungen der Charaktere in Wien, London und Nicaragua, Emotionen in Worte zu übersetzen. Er funktioniert am besten mit einem Babel der Sprachen, quasselnden Vorwand für die Konstellationen der szenische Bilder, die er mit solchen Glanz zaubert. Aber seine Anstrengung Ambitionen passt kaum eine Arbeit als formal präzise und streng restriktiv wie The Rake es Progress, in dem Igor Strawinsky und sein Librettist WH Auden Hogarths satirischen Tableaus dokumentieren den Niedergang der ein Wüstling animieren.

Lepage braucht einen Komponisten wie Wagner, dessen Orchester phantasmagorischen Ausblicke schafft-fliegende Pferde, Regenbogen-Brücken, Barrikaden der Flamme -, die Phantasie des Regisseurs herausfordern. Strawinskys Filmmusik für The Rake es Progress ist eine Anthologie von schiefen Zitate von anderen Komponisten und seiner Epigramme Prägnanz lässt keinen Raum für bildhafte Fantasie; Audens Text ist zu heikel, leicht singbar sein und scheint der Musics direkt zum Primat zu ärgern. Die Produktion von die David Hockney für Glyndebourne Rake in den 1970er Jahren genial konstruiert akzeptiert die schrulligen Strapazen des Stückes und aus der Feder der Zeichen in einem Hogarthian Gefängnis der Schraffur oder perspektivische Tricks verwendet, um sie zu stolpern.

Lepage, öffnet sich im Gegenteil, der Oper, Tom Rakewell und seine Versucher Nick Shadow aus London des 18. Jahrhunderts zu entfernen und Ihnen ganz leer, Amerika Wandern einladen. Filme projiziert hinter die Aktion erstellen illusorische Umgebungen - heißen, monotonen Texas, deren Öl der Rake Freundin Anne Trulove oder die fleischlichen Wunderland von Las Vegas, bereichert wo ausrangierten Leuchtreklamen auf einem einsamen Friedhof des Schattens Inferno - erstellen wieder aufflammen und Film selbst ist der leuchtende, albernen Traum, der Tom in die Irre führt.

Lepage alternatives Szenario wird er ein kapriziösen Star vage in Anlehnung an James Dean, ein launisch Jugendlicher, dessen Rakery beinhaltet Schnauben Koks am Set und Fehlverhalten auf dem roten Teppich an Premieren. Seine Dekadenz wird gemessen, indem ein versehen von Kino, trashig, hucksterish Medium Fernsehen: seine Bekehrung Steine in Brot ist ein trügerisches Wunder, als einen TV-Werbespot, der den Massenmarkt Konsum der 1950er Jahre verspottet inszeniert.

Die Satire ist jedoch schwächer als die sehr ähnliche Umfrage von Amerika in Robert Carsens aktuelle ENO Produktion von Bernsteins Candide, wo die Statue of Liberty wirft wie im Club Taschenlampe über käufliche, brutale Einwanderungsbehörden und die Heldin Cunegonde ist ein Hurerei Mimic von Marilyn Monroe. Lepage, hat im Gegensatz zu seinem Landsmann Carsen, kein wirkliches Interesse an Amerika und seine protzige Heißhunger vernichtend. Er setzt die liederlichen in Hollywood, weil er die Oper in einen Film verwandeln will, und er so souverän geboren Verzauberer tut.

Ein Öl-Derrick Bergbau die Ebenen von Texas mühelos mutiert zu einem Kamerakran auf die Schatten in einem Hollywood-Musical Toms Leistung leitet; ein graue amöboiden Blob durch den Boden sprudelt, bläst, selbst in Toms Anhänger errichtet, dann implodiert wenn es Puste ausgeführt wird. Das Spiel des Lichts ist ebenso wundersam wie die Eskapaden von Lepages geschäftigen Maschinen. Anne, um Toms Rettung in einem natty roten Sportwagen fahren ist umgeben von einer spitz zulaufenden Trail der Blitze, die allmählich verlangsamen und verwandeln die Straßen der Stadt, die sie erforscht; die Pakt zwischen der Rake und seine damit verbundenen Teufel wird durch eine sofortige Farbenpracht blendend weiße, wie eine nukleare Explosion gemeldet.

Wenn diese Kunststücke verpuffen, Sie beginnen, die Produktion Gleichgültigkeit gegenüber den philosophischen sorgen kümmern, die Strawinsky und Auden beschäftigt: die Kritik der romantischen Genuss und existentielle Willkür, die Sorge um die soziale Verantwortung des Künstlers. Ideen, die hier sind eine Ausrede für beschwören Tricks. An der Met gesetzt Jonathan Miller die Rake in das Berlin der 1930er Jahre, geschickt in Anspielung auf Audens Periode der Verlustleistung in den Bars und Bordelle der panischen Stadt. Keine solche Logik rechtfertigt Lepages Entscheidung um die Geschichte zu verpflanzen. Er scheint nicht bewusst, dass Oper über Menschen und ihre zerstörerische Leidenschaft, nicht exhibitionistisch Gadgets und elektrische Spielereien.

Thomas Adès, dirigieren, genießt Strawinskys Postmoderne Spiel mit Opern Konventionen, sondern macht auch etwas Außergewöhnliches von Beethovens einzige Ausflug in die moderne Sprache, von der er mißbilligte. Das Kartenspiel auf dem Friedhof ist bissig atonal, mit geschabten Zeichenfolgen, die Toms gequälten Nerven darstellen; die lange Cembalo Solo, das folgt Schatten kämpft um sein Opfer Seele fangen, klingt wirklich Skelett, wie Knochen klappern in der Grube. Charles Castronovo hat das Recht schilfige Timbre behaftet, unbeherrschten Tom und Anne von Sally Matthews ist leidenschaftlicher und geradlinig, nicht die üblichen tränenreich Milchmädchen. Als "Schatten" der Bass klingt John Relyea so finster Viskose als das Öl gut, von dem er zuerst erscheint. Sie kämpfen tapfer, eine menschliche Komödie zu spielen, während ihre Regisseur über seine Spezialeffekte Getue.

Das ist "hyper Theatre", Frage ich mich, oder einfach nur theatralische Hype, das Auge während der Übervorteilung des Verstands abzulenken?