Was Popmusik verdankt sie den klassischen meistern

Alle Musikstile ineinander zu ernähren. Deshalb Adeles Lieder verdanken alles Schubert und Probenahme würde nicht existieren ohne Dvorák,
Howard Goodall sagt Imogen Tilden

Mozart erfreut sein Publikum

Die Jahren 1650 bis 1750 waren die Periode einer fieberhaften Erfindungen und technischen Einfallsreichtum in der Musik, die eine Apotheose in erhabenen Oratorien Händels und Bachs Kantaten und Passionen erreicht. Bach war wahrscheinlich der klügsten Komponist, der je gelebt; die irrsinnige Komplexität der Großteil seiner späten Musik bislang vor allem mit jeder Komponist einhergehen. Aber, wie so oft in der Musikgeschichte, die Generation nach Bach entfernt einen Großteil der älteren Komponisten harmonische Komplexität, ausgezogen stattdessen mit einer dramatisch einfacher Palette von Harmonien schreiben. Die Vorlieben von Gluck, Mozart und Haydn erstellt einen ganz neuen Stil basiert, im Wesentlichen vier große Akkorde. Ein Großteil ihrer Musik basiert auf der Tonika, dominante und Subdominante – nur wie viel Rock ' n ' roll. Status Quo und die Ramones belegen sagen, dass die alten Formeln die besten sind. Einige der denkwürdigsten Mozarts Melodien in seiner Oper die Zauberflöte basieren auf sehr einfache harmonische Blöcke von drei oder vier Akkorde.

Mozart – anders als die meisten Komponisten vor ihm – war in der Lage zu Leben unabhängig von einer Institution oder ein einzelnes aristokratischen Gönner, aber er lebte oder starb durch was das Publikum hören wollte. Wenn Leute kamen, um eine seiner Opern ein zweites Mal zu hören, machte er mehr Geld auf die Einnahmen. Er diese tolle Melodien kapierte waren, was die Menschen geschenkt wurden, und dass wenn er lockte und sein Publikum begeisterte war er eher nicht nur einen weiteren Auftrag zu bekommen, sondern auch Menschen waren eher zurück, um seine Werke ein zweites und drittes Mal zu hören, wenn seine Songs unvergesslich waren.

Mozart war ein melodische Genie. Die Perfektion der Form seiner Melodien ist was mir auffällt, seinen wunderbaren Sinn für den Aufstieg und Fall einer Melodie und was macht es das Ohr zu fangen. Diese großartige Melodien nisten sich in unseren Köpfen. Dieses Geschenk für Melodien ist sehr selten. Ich denke, Mendelssohn, war auch ein Jahrhundert später, ein Komponist, der hatte eine unglaublich einfache natürliche Gabe und schrieb einige sehr schönen Melodien. In meinem Leben? Carole King hat schöne Lieder, aber nur eine Handvoll geschrieben. Richard Rodgers war jemand, der keine anständige Melodie schreiben konnte. Aber wenn Sie den schier unaufhaltsamen Fluss von Mozart oder Schubert, dann müssen Sie nur Lennon und McCartney.

Schubert erfindet die dreiminütigen pop-song

Die meisten pop-Songs basieren auf einem Dutzend oder so die bekanntesten Akkordfolgen, die im späten 18. Jahrhundert "entdeckt" wurden. In der heutigen Zeit ist jemand wie Adele ein original Sänger wegen ihrer Stimme, ihrer Einstellung und ihren Stil. Aber die Akkorde und Sequenzen, die sie und die meisten Pop-Autoren nutzen gibt es schon eine sehr lange Zeit. Vielleicht war des Urhebers der drei-Minuten-pop-Song John Dowland, Rückweg in Shakespeares Zeit, aber ich denke, dass die moderne pop-Song von Schubert erstellt wurde.

Schubert war ein bemerkenswertes Talent. Melodien aus ihm geschüttet. Er schrieb 600 Lieder, und wie die heutige Songwriter, seine Absicht war, Musik zu schreiben, die sofort angenehm wäre. Es gibt keinen Moment wo er versucht, Sie zu fangen oder wo musst du hören, 10mal bevor Sie Ihren Kopf um ein Lied. Er will Sie zu ersten Mal bekommen; Es gibt Vers-Chor, Gesang und Klavier unter, und er möchte, dass Sie an den Refrain erinnern.

Einige dieser einfachen Regeln des Songwritings weiterhin nur die einfachen Regeln des Songwritings sein, und es gibt nichts, was viel über Adele oder Simon & Garfunkel oder Cohens Songs, die Ausländer an den Wiener Komponisten in Bezug auf die Akkorde oder die Form, die Art und Weise der Vers vorgekommen wäre der Chor oder die Klavierbegleitung zuführt. In der Tat ist die Sache, die Schubert als sehr seltsam, über ein Adele Lied schlagen würde die Tatsache, dass eine Frau es anstatt dem Gesellschaftszweck schrieb.

Schubert war für viele der gleichen Schlussfolgerungen als moderner Songwriter –, dass die zufälligen Song zu schreiben, nachdem Song nutzlos ist, das Erstellen von 20 Songs und eine Reise viel befriedigender Form ist. Und das ist, was er mit seinem Liederzyklen hat. Sie sind längere Stücke, wo Menschen gehen auf eine Reise und jedes Lied bildet das nächste Bit der Geschichte.

Die Tatsache ist, dass wenn Sie Streifen, die alle Weg und Fragen, was es ist, dass er versucht zu tun, er wird versuchen, schreiben Lieder über die Liebe (oder seien wir ehrlich, unerwiderte Liebe) oder versuchen, sich mit den Geheimnissen des Lebens – und tun dies in einer Weise, die sofort angenehm ist. Er war ein junger Mann (nach unseren Maßstäben, sehr junge), so gibt es einige Naivität zu den Songs und es ist eine Delikatesse, die der modernen Welt für einige Leute passen nicht. Aber abgesehen, er versucht, etwas zu schaffen, die sofort von vielen Menschen gemocht und genießen sie in ihrem eigenen Zuhause oder in einem Salon.

Das ist nicht wirklich sehr anders als was unternimmt, Adele. Ihre Songs basieren auf einem Klavier Format mit Vers-Chor, das Thema der Liebe und Romantik und die Stimme rund um die Gestaltung; Emotionen werden ausgedrückt; die Länge; das Format – Adele will ihre Songs sofort genossen werden.

Beethoven und die turbulente Geniekult

Beethoven verändert den Punkt von dem, was für Musik. Er und seine Musik wurde unteilbar: es war ein Spiegelbild der seiner inneren Zerrissenheit. Seine Arbeit sitzt zum Zeitpunkt einer breiteren kulturellen Bewegung wo Künstler und Dichter das gleiche Taten, aber was ist ein musikalisches Gemeinplatz geworden wurde von ihm begonnen. Siebziger Jahre Gruppen so wie ja und Pink Floyd versuchte, das gleiche tun und zum Ausdruck bringen große Ideen in Instrumentengruppen auf Konzept-Alben.

Im Allgemeinen wurde Beethovens Auswirkungen viel stärker in der klassischen Musik als in Pop, gefühlt weil er über seine Gefühle ohne Worte schrieb. Wenn, am Ende seines Lebens schreibt er seine verzweifelt trostlos und private Streichquartette, es ist wie mit einer Pscyhoanalytic-Session mit ihm.

Aber der Kult des isolierten, göttliche oder dämonische Genies – von denen Beethoven der erste herausragende musikalische Beispiel war – wurde entwickelt, um eine ganz neue Ebene von Berlioz. Wir haben dieses französischen Komponisten Danke für das Bild des gestörten, Haar-herausgefordert, isolierte Komponisten, eine, die bis heute andauert. Er selbst war ein Grenzfall Psychopathen an der Spitze von der Mitte des 19. Jahrhunderts Obsession mit dem Untergang geweiht-Liebe, Tod und Schicksal, und schrieb Musik epischen Ausmaßes, Musik, die alles Leben umarmen würde. Er war besessen von Beethoven –, da wir noch heute, vielleicht zu stark sind. Wir haben dieses große Gebäude des Beethoven-the-Man auf seine Musik gebaut, aber wenn Sie das abstreifen und Fragen, was in dieser Musik, es ist nicht immer das gleiche.

Liszt lässt Musik die Geschichte erzählen

Beethoven, entwickelte die Idee, dass Sie in der Musik eine Geschichte erzählen können. Er geht in seiner Pastoral Symphony für einen Spaziergang in das Land; Er sieht Bauern lustig machen, gibt es eine Gewitter... aber das Stück ist alles über den Komponisten, seine Gefühle und seine Reaktionen. Liszt, erstellt jedoch das Konzept, dass die Musik selbst könnte die Geschichte zu erzählen. Als ein abstraktes Gebilde in Richtung Orchestermusik als Repräsentation von etwas außermusikalischen zog er weg von der Idee der Musik mit seiner Symphonischen Dichtungen. Tasso, Lamento e Trionfo folgte dem Weg von einer tatsächlichen Periode im Leben des italienischen Dichters aus dem 16. Jahrhundert – auch weben in einem traditionellen Gondolieri Volkslied und die Schaffung eines angstvollen ersten Abschnitts über die Irrenanstalt wo Tasso eine Zeitlang gefangen gehalten wurde. Die Form des Stückes war entscheidend, diktiert durch die Geschichte. Der Höhepunkt seiner Hunnenschlacht (The Battle der Hunnen), gewidmet Kaulbachs 1850 Gemälde von Attila der Hunne Kampf gegen das Imperium von Christian Roman, enthält die Art des Schwergewichts-gedeihen in den Partituren der unzähligen Hollywood Abenteuerfilme hörte. Die Vorlage vorgesehenen Liszt in seinen Tondichtungen Generationen Filmkomponisten. Wenn ich eine Schlachtszene für einen Film scoring war, würde ich viele der Techniken verwenden, die Liszt erstmals eingesetzt. Sein Einfluss ist enorm, und er hatte eine enorme Auswirkung auf Musik im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert – so sehr, dass ich mich gefragt, warum wir ihn besser heute lieben nicht zu finden. Ich denke, es kommt auf die Tatsache, dass er keine natürliche Melodus. Aber meines Erachtens Liszt ist der Riese, der wichtigsten Komponisten des 19. Jahrhunderts, die Turbo-aufgeladenen Musik.

Dvoráks Probenahme Funken eine Debatte

Komponisten haben immer Elemente von einander und von der ethnischen Musik entlehnt. Musik beobachten nicht Rasse oder nationalen Grenzen. Können Sie "es selbst"? Nirgendwo waren die moralischen Fragen rund um diese stärker hervorgehoben, die in den USA im späten 19. Jahrhundert, wo der tschechische Komponist Dvorák fand sich in der Mitte eine sehr kontroverse Debatte. Die Quelle-Melodien für seine neue Welt Symphonie entlehnt waren – ob absichtlich oder absorbiert unbewusst – von indianischen und afrikanischen amerikanischen Folk-Songs, die warf die Frage auf ob es legitim ist, die Musik von einer anderen Gemeinde kulturelles Erbe zu plündern und legen Sie sie in ein fremdes, künstliche Milieu für ein ganz anderes Publikum.

Dvorak hatte nur gute Absichten – die Veredelung der afroamerikanischen Kultur – aber es ist wichtig, nicht zu sehen, ein Musikstück isoliert von seinen Zeiten. Seine Sinfonie entstand während einer Periode als alles, die Indianer und Afro-Amerikaner gehörten, wurde bewusst wird ihnen weggenommen durch eine weiße Kultur – und ein Werk eines europäischen Komponisten durchgeführt in einem Konzertsaal in New York war an, die Zeit, ein Stück weißen Kultur.

Wir können nie wissen, wer die Melodien in Dvoráks Sinfonie schrieb vielleicht schrieb er jede Note selbst. Aber die Rätsel gibt es dennoch, weil es so banal für weiße Musiker, die die Musik der schwarzen Bevölkerung Abzocke geworden. Drei Jahrzehnte später, fand Gershwin, mit seinem Rhapsody in Blue, sich in der Mitte eine ähnliche Debatte wenn seine Aufnahme des Jazz – als schmuddelig, street Musik wahrgenommen – Mittelklasse-Konzertbesucher empört.

Heute gibt es Menschen, die antagonistisch zu populären Kultur aller Art, die schimpfen über nichts Gutes im Fernsehen, wie es ist, dass junge Menschen Vorlieben, Gewohnheiten und Moden sind alle abweisend zu ihnen. Aber es war immer so. Für ein "schweren" Komponisten wie Gershwin, ein Stück Klassik Jazz umzusetzen war zutiefst bedrohlich und spielte zu befürchten, dass irgendwie, es "ernste" Musik verschmutzen würde. Aber Sie können Stile auseinander bleiben. Sie kommen zusammen, egal was passiert.

Wie gesagt, Imogen Tilden.

Die Howard Goodall Geschichte der Musik beginnt am BBC2 um 21:30 am Samstag 26. Januar. Radio 3 ist die Geschichte der Musik in 50 Stück mit Howard Goodall und Suzy Klein beginnt am 28. Januar auf Wesentliche Klassiker und Einstellen. Goodalls Buch The Story of Music wird herausgegeben von Chatto & Windus, Preis £18.