Die turbulenten Ruf von Henry Moore

Wenn Moores Skulpturen zunächst wurden angezeigt, sie waren so schockierend Gegner sie enthauptet und sie mit Farbe beschmiert. Eine Retrospektive in der Tate Britain erforscht die Impulse, die zu dieser umstrittenen Werke geführt. Es ist eine herrliche Rehabilitation sagt Hilary Spurling

Die einzige Zeit, die ich je getroffen, Henry Moore habe wurde in den 1960er Jahren, als eines meiner ersten Jobs als eine temporäre British Council Handlanger war, ein Besuch des israelischen Bildhauers auf einer Reise zu Moores Hauptquartier viel Hadham in Hertfordshire zu begleiten. Wir fanden ihn in seinem Studio ein paar Assistenten überwacht, alle drei durch den Schatten gestellt die abfallenden Hügel und Hohlräume der kolossalen Work In Progress aus weißem Polystyrol gefertigt. Es gehörte zu einem stetigen Strom von öffentlichen Stücke Werbebande aus viel Hadham bereit feststehen, wie Moore, aus Bronze oder Marmor erklärt. Wir begeben uns auf einen motor Tour durch die Anlage. Wenn wir ein weiteres mächtiges Stück positioniert an der Unterseite eines Feldes erreicht, Moore hielt der Wagen, sprang heraus und wir fühlten uns beide liegen flach auf dem Boden unter seine Skulptur. "Ich möchte, dass Sie es anschauen und denken der Unendlichkeit", wies er seine angesehenen Gast.

Zeitlosigkeit, Monumentalität und Dauerhaftigkeit wurden wesentliche Eigenschaften für Moore. Er war der letzte große Künstler zu sehen, Skulptur in diesen Begriffen, und er war sicherlich bei weitem erfolgreichste standard ergänzend zu den wuchernden Bürohäuser und kommunale Bauten auf einer bisher beispiellosen Skala aus den 1950er-Jahren weltweit zu vermarkten. Für zwei oder drei Jahrzehnte veranschaulicht er offiziell städtische Nachkriegsrekonstruktion (und zwangsläufig im Laufe seiner Misserfolge). "Ich wuchs auf mit einem betäubenden Gefühl der Vertrautheit zu seiner Arbeit,", sagt einer der Young British Artists im Katalog der Tate neue Show zitiert. "Es ist etwas zutiefst unexotic über Moores Arbeit."

Seine glatten, glänzenden Oberflächen und elephantine Masse, seine Türme und Triumphbögen, die scheinbare Beruhigung und Nostalgie für eine verlorene Stabilität ausstrahlen verbreitet überall. "Ich kann nicht die Idee des öffentlichen Raums und der Kunst gesehen im Rahmen der Stadtplanung, Moore trennen", sagt Gareth Jones (deren eigenen letzten Präferenz ist für elegantes Understatement Werke in Materialien wie Fablon, Zeitungspapier und Spanplatten). Provisionen aus den 1950er Jahren Englisch Neustadt, sofort gefolgt von der Unesco in Paris und das Lincoln Center in New York, machte einen Bronze oder Marmor Moore eine internationale Abzeichen von Prestige und Rang.

Städte wetteiferten um seine Aufmerksamkeit. "Toronto Hick Town," meinte der Bürgermeister, erklärt, wie die Stadt kaufte seine erste Moore 1966 in einem erfolgreichen Versuch, sein Bild rückgängig zu machen: "Ich war daran interessiert, dass es über den Berg zu einer großen Metropole" (Toronto ist der Tate-Partner in dieser Ausstellung). Zehn Jahre später ein Rathaus Moore hat ähnlich für Dallas.

Moores Fortschritt betäubt seine Künstlerkollegen. Für die jüngeren Generationen war seine Arbeit eine brütende Präsenz, schwer durchzukommen, und unmöglich zu entkommen. Die Moore-Bronze auf dem Vorplatz der Chelsea School of Art als Student Steve Claydon "wie eine unwillkommene Onkel dessen offensichtliche Absicht es war, Sie vor Ihren Freunden blamieren" empfunden. Moore selbst hatte eine vorausschauende Zeichnung 1942, Masse mit Blick auf ein Tied-Up-Objekt, zeigen ein Wirrwarr von kleinen, dünnen, nervösen Menschen anstarren eines hoch aufragenden Monolithen, gewickelt und Paketschnur wie eines Moores eigenen späteren Werken auf der Durchreise. Aufeinanderfolgende Wellen der Bildhauer hatte zu wehren oder werden von ihm erstickt. "Ein Großteil meiner frühen Arbeit war eine Art der Entlassung von Moore," sagt der Stein-Carver Peter Randall-Page. "Ich nenne ihn Heinrich Moore,", sagt Michael Sandle.

In 1967 17 führenden britischen Künstler – darunter Anthony Caro, schrieb ein ehemaliger Assistent von viel Hadham und sich jetzt der große alte Mann der britischen Skulptur – an die Zeiten zurück, Moore und alle er stand. Das Problem war, dass für die meisten von ihnen waren es Moore selbst, die die Wege eröffnet hatte, denen er gleichzeitig abgesperrt. Ihre missliche Lage wurde zwei Jahre später in Bruce McLeans Reclining Nude, voll drapiert, ein Foto von einem menschlichen Körper eingehüllt in eine enorme zerwühlten Laken kurz und bündig zusammengefasst. "Es ist mir (eigentlich vollständig bekleidet) unter diesem Dustsheet" sagte McLean.

Seit den ersten 40 Jahren hatte Moores Leben eine andere Geschichte. Stein war sein bevorzugtes Medium, und obwohl er immer Anhänger hatte, sein Werk blieb weitgehend unbekannt außerhalb der kleinen Kreise der britischen Avantgarde. Vor 1939 gab es praktisch keine Bronzen. Was er wollte war knallte in Stein mit Punsch und Krug oder hewing Baumstämme mit der Axt. Extremer Gewalt – "klopfen, schnitzen oder platzen Stücke aus" – folgten endlosen Wochen oder Monate von Minute Arbeit, "wie eine Maus nagt ein Loch in einer Wand". Das Ziel war eine Freisetzung von Spannungen im Gestein, die irgendeine Art von Innendruck in der Bildhauer selbst zu entsprechen schien.

Moore gemacht sein Frühwerk von ungeraden Platten aus Naturstein abgeholt billige Maurer Yards. Oft spürt man noch die Grenzen der rechteckigen Blöcke kamen sie aus, aber sie scheinen bereits nehmen mehr Speicherplatz als sie tatsächlich einnehmen. Die Tate Show mit einem massiv kompromisslose Mutter und Kind in dunklem Grau Hornton Stein – öffnet sagte "einen kleinen Berg eines Werkes" Antony Gormley – Konfrontation mit Allcomers in einem leistungsstarken, lebhaft, komplizierte Knoten der ineinandergreifenden Köpfe und Arme. Frau mit erhobenen Armen sieht von hinten wie ein Berg selbst, eine blasse, sommersprossige Weite des schrägen Stein mit einem langen, geraden Haar Verschütten nach unten zwischen ihren Schulterblättern.

Landschaft und die weibliche Figur ("in meiner Arbeit Frauen müssen als Männer von mindestens fünfzig-to-One") verschmolzen in Moores Vorstellung von Anfang an. Die schöne Fließgewässer Liegende Figur von 1929, geschnitzt aus einem Stein als schlammig, weich und wässrig wie das englische Wetter, behält Spuren von wässrigem Ursprünge in der glänzenden braunen rieselt einige Lagerstätte animieren, Ellbogen und Knie, und in den wellenförmigen Bands von tristen grau und schmutzig gelb-tracking horizontal durch die rhythmische Geometrie des robusten Oberschenkel und Unterarme. Es ist zum Teil ihre Vieldeutigkeit, die diese Werke eine geballte Energie, die allzu oft fehlt auch die poliert Moores Experimente mit reinen Abstraktion gibt. Sie vereinen Minute und stark komprimierten Beobachtung mit der rücksichtslosen Vision eines Praktizierenden, die nie aufgehört, es nie bereut, habe nie zweimal das gleiche arbeiten, als ob er seine Zukunft mit jedem neuen Stück riskierte.

Eine Gruppe von einem Dutzend junge Frauen mit kleine, wachsam, ausdrucksstarke Köpfe und expansive Körper erwarten Aufmerksamkeit in den ersten Raum. Gesicherte und humorvoll, Faulenzen in vollen Länge oder balanciert ruhig auf schlanke, aufrechte Torsi, vermitteln sie dennoch eine greifbare kollektive Ratlosigkeit und Unruhe. Einige Pressen ihre Hände. Mit eingeschlossenen Zunge, punktgenaue Nase und zusammengekniffenen Augen scheint, dir rund um die Show zu folgen. Eine noch beunruhigende Figur, glitzern wie glänzend, gefleckten Frogskin behebt ihre starren auf den Raum über dem Kopf. Diese Zahlen haben viel zu der ethnischen Prototypen, die Moore im British Museum und so viel vielleicht Cézannes Badenden, Akte studiert "aus dem Berg Fels geschnitten", die als Offenbarung kam, als er zuerst sie in Paris als Schüler sah verdanken.

Seine Studien der Frauen, die ihre Kinder Spanferkel empört Zeitgenossen in den 1930er Jahren, und es ist nicht schwer zu sehen, warum. In der Tate-Mutter-Kind-Zimmer Mütter wieder ausweichen oder schauen verständnislos irgendwo anders als bei den Säuglingen, vollgestopft und schläfrigen oder aufmerksamkeitsstarke und fressen auf der Brust. Emotionale Luxation gipfelt in einer ungewöhnlich explizite Mutter mit gezackten Kopf, der scheint, wie Lyndsey Stonebridge in ihrem Katalogbeitrag "zu drosseln, ihr Kind", selbst ein vogelartigen Kreatur, alle bösartigen picken Schnabel und erschreckend lange Prügel Hals sagt.

Aber es war die Eindämmung der innere Störung, die immer Moores Spezialität geblieben. Er war 41, als er eine Liegende Figur an der Contemporary Art Society im Jahre 1939 als Geschenk für die Tate deren berüchtigtsten Direktor, JB Manson, im Jahr zuvor erklärt hatte verkaufte, dass Moore würde die Galerie über seine Leiche zu gelangen. Manson wurde ersetzt und das Geschenk angenommen innerhalb von 12 Monaten. Liegerad Figur ist eines der Highlights der vorliegenden Show, eine luftige, anmutige Masse von gekerbten Stein, das Gewicht und die Dichte auf die wogenden Linie der Schulter, Gesäß, Hüfte und Oberschenkel, umfasste eine gewundene Kurve wie eine Welle mit Wappen an beiden Enden auf Kopf und Knie kapituliert. Der Kauf war eine entscheidende Etappe in Moores Umzug von der privaten in die öffentliche Arena. Zwei Jahre später gab er schließlich Lehren, ein Vollzeit-Künstler zu werden. "Es nie so für mich vor gewesen", sagte er im Jahre 1941, als der Krieg Künstler Ausschuss kaufte seine Zeichnungen von Menschen Zuflucht in der Londoner u-Bahn vom Nazi-Bomben, und bat um mehr.

Wenn Moores Tierheim Zeichnungen den Punkt, an dem ersten übertraf Angebot und Nachfrage markiert, berührte sie auch tiefe Gemeinschaftserlebnis, die weder er noch sonst jemand vor erforscht hatte. Moore sagte, das einzige, was, das er mit dem London-Unterständen vergleichen könnte, von einem Sklavenschiff halten. Die Zahlen sank unter diesen höhlenartigen Gewölbe in Mooreish Posen – abfallenden Beine und unterstützt Arme ragen aus mounded Körper mit breiten, runden hohlen – repräsentieren auf Grund eine unheroische zivile Vision von Passivität, Hilflosigkeit und Elend des Krieges. "sie leben, die Dinge (schreckliche Dinge) durchgeführt werden", schrieb Geoffrey Grigson zur Zeit. Im Nachhinein sah einige sie als Vorgeschmack von Bergen-Belsen und Buchenwald. Sicherlich waren sie Vorläufer der hagere, fleischlosen, leeren Augen, Slack-bellied Bronzefiguren machte er in der Folge des Holocaust.

Moore wurde einstimmig kurz nach dem Krieg als dieses Landes Vertreter der modernen Kunst, eine Rolle gefördert, die erwies sich als ein Teil Galionsfigur auf drei Teile Boxsack. Es ist jetzt schwierig, den Grad der Unwissenheit hinter dieser bemerkenswerten Umkehr zu begreifen, oder vermitteln die schieren Mangel an verfügbaren Informationen in Großbritannien ohne TV, geschweige denn das Internet, zu einer Zeit als es keine billige Reisen ins Ausland, keine Galerien für zeitgenössische Kunst, keine erschwinglichen Artbooks noch, nicht einmal Hochglanzmagazine. Wie die meisten meiner Generation wuchs ich wissen über moderne, aus Punch Karikaturen in Wartezimmern Zahnärzte. Ich habe verstanden, dass es aus Frauen mit Stecknadelköpfe und Löcher bestand, wo ihr Herz sein sollte, lange bevor ich meine erste echte Moore sah.

Dies war keine spezifisch britischen Zustand, obwohl es zugegebenermaßen durch physische und moralische Insellage verschärft wurde. Die Feindseligkeit, die in diesem Land durch zwei ehemalige Präsidenten der Royal Academy, Alfred Munnings und Charles Wheeler (noch protestieren in der Times über "Bronze Merkwürdigkeiten" so spät wie 1967), angeführt wurde in städtische Kriegsführung in ganz Europa und Amerika repliziert, wo es öffentlich vorgeschlagen wurde, zu kaufen oder zu Moores Arbeit zeigen. Seine Skulpturen wurden enthauptet in Dumfries und beschmiert mit blauer Farbe in Leeds. Seinem Liegerad Figur hatte den Kopf abgehackt Leihgabe einer während des Krieges an MoMa in New York, sein Stück Spindel mit Metallketten in Houston verwüstet wurde, und seine Drapiert sitzende Frau endete, geteert und gefedert im Ruhrgebiet.

Die aktuelle Show versucht, hinter Moore es glatt wohltätige öffentliche Gesicht auf die geheime Impulse gehen zurück, die diese viszerale Reaktion aufgefordert. Seinen Katalog erforscht die Turbulenzen und Schrecken was alle, die ihn kannten vereinbart war ein wilder Innenleben und zeichnet seine Antworten auf den spanischen Bürgerkrieg als auch hinsichtlich der beiden Weltkriege, die, denen er durchlebt. Die Show endet in den späten 50er Jahren, weit hinter der industriellen Produktionslinie er schließlich zur Aufnahme erheblich gesteigerter Produktion und "Incomings gründete". Es ist eine herrliche Rehabilitation, aber es könnte die Arbeit mit dem Argument, die Moore in seinem letzten zwei Jahrzehnten, wenn er seine Arbeit aus billig, dünnes Materialien wie Gips, Wachs und Polystyrol modelliert, war immer noch wie weit vor seiner Zeit als er immer fertig haben.

"Es ist die Idee wie es zu tun, das schwierig ist," er sagte, "nicht die körperliche Anstrengung." Moores Werk höchst visuelle und taktile in frühen Phasen, sinnliche blieb intensiv reflektierende bis zum Ende. Er sagte, dass er nie ein Buch in einem Zug aus Angst, etwas außerhalb des Fensters fehlt lesen konnte. Er begann aus Yorkshire Moors, die ihn, in der Kindheit umgaben, in seine Arbeit integrieren die Formen ihrer Bestandteile: Höhlen, Felsen, Hügel, Feuersteine, Kieselsteine, Muscheln und Knochen. "Man spürt, dass ein Knochen irgendeine Art von Verwendung in seinem Leben hatte; Es hat Spannungen erlebt, Gewichte unterstützt und hat eine biologische Funktion tatsächlich durchgeführt."

Man könnte sagen das gleiche Moores Arbeit über die gesamte Spannweite seiner Karriere. Seine frühen Stücke gehen zurück in eine Welt in gewisser Weise fast unvorstellbar anders als unsere eigenen. Er fuhr fort, in seinem Werk spiegeln eine kommunale Nachkriegszeit Antwort auf Großhandelszerstörung, Grausamkeit und Ausbreitung sowie die langsame, brutale Prozess des Wiederaufbaus, die folgten. Er landete als Ergänzung auf globaler Ebene die riesigen, Faden, unpersönlichen Konstruktionen der sich entwickelnden städtischen Landschaft, die war sein so viel wie bei uns.

Henry Moore ist bis 8 August in der Tate Britain. Tel: 020 7887 8888. Tate.org.UK/Britain/