Elektronische Musik sound der letzten Futures des

Ob in den 1950er Jahren Studios Paris oder Köln, wurden die ersten elektronischen Klänge der Zukunft durch Transplantat und Experimente geschmiedet. Jetzt sprechen die Werke anschaulich ihrer Zeit

Nichts geht schneller als die Zukunft. Alle pop-Platte anhören und die Zeit am präzisesten stellenweise ist das, das was einmal so neu und glänzend war. Die elektronische Zukunft ist besonders anfällig für dieses Alterungsprozesses; die Synthesizer-Solo am Ende von Ike und Tina Turner "Nutbush City Limits" ist völlig 1973; die Auto-Tune auf Chers "Believe" ist eine Zeitkapsel von 1998.

Es scheint wie ein Paradoxon. Teil des Reizes der elektronischen Musik seit jeher die vermeintliche Neutralität seine Sounds. Ein Hinweis auf ein Cello gespielt mit Geschichte befrachtet ist, aber ein Sinus-Ton ist ein Ton so einfach, dass es in der natürlichen Welt zu existieren scheint. Die elektronischen Musikstudios der 1950er Jahre, die analogen Synthesizern der 60er und 70er Jahre und die Computer, die wiederum sie ersetzt haben haben alle diese einfache Klänge als ihre grundlegenden Bausteine verwendet, aber pass einen Sinus-Ton durch eine elektronische Schaltung und ergibt sich Date‑stamped mit dem Alter der Technologie und den Bestrebungen der Musiker benutzen.

Der Science-Fiction-Film zurück zu der Forbidden Planet ist ein klassisches Beispiel. Im Jahr 1956, als der Film gedreht wurde, war die Zukunft elektrisch, so der Film-Soundtrack voller Oszillatoren Brummen, Rauschen und Piepen wie Raumkreuzers C57D Kreisen Planeten Altair IV. Es ist schwer zu sagen, wo der Sound-Effekte-Ende und die musikalische Unterstreichung beginnt; in der Tat scheinen die Macher des Soundtracks, Louis und Bebe Barron, in den Titel-Credits nicht als "Komponisten", sondern als Schöpfer der "elektronischen Tonarten".

Im Jahr 1956 war die Zukunft fremd und jenseitigen. Von 1974 Kraftwerk nutzten elektronische Musik um zu erzählen uns, dass es hier und jetzt, die Roboter-Wiederholungen der "Autobahn" ein Ausdruck der Netze, in denen wir unser Leben gelebt. Ein Jahrzehnt später, in verlassenen Lagerhäusern, looping, Melodien, Basslinien und Drum-Tracks abgepumpt die Nachricht, dass es keine Zukunft gab: nur jetzt, nur schwärmen. Die Zukunft scheint vor kurzem eine Sache der Vergangenheit geworden sind. Neuer Musik ist voll von alten elektronischen Klängen, keiner mehr als Auto-Tune, allgegenwärtig, wie wir sehnen sich für die Zukunft, die wir verwendet, um zu glauben.

Es ist nicht nur die alten Klänge, die Gegenstand dieser Ernüchterung betriebene Nostalgie; Es ist die Maschinen, die sie auch gemacht. Der erbarmungslose Marsch des Fortschritts von Valve, Chip, Band, Festplatte, Laptop, Studio wurde angehalten, während Musiker auf der Rückseite der Schrank stöbern herausziehen alten Tonbandmaschinen und schwelgen in der malerischen mechanische Aura geben sie auf jeden Ton, die sie durchläuft. Im Jahr 2002 nahm die White Stripes ihre Elefanten -CD die altmodische Art und Weise, auf Band; in diesem Jahr hat es am Vinyl auf Jack White Label erneut veröffentlicht worden. Er bestreitet, ist er ein Luddite: "Es ist wie ich nicht stolz darauf sein kann, es sei denn, ich weiß, wir haben eine Art des Kampfes."

In den 50er Jahren wurden Bandmaschinen das Herzstück jedes Studio. Zum ersten Mal in der Geschichte könnte klingt nicht nur in der Zeit aber in Zentimetern, Länge des Magnetbandes Reisen vorbei an die Aufzeichnung und Wiedergabe Staats-und Tonbandgeräte gemessen werden. Klingt könnte umgekehrt, verlangsamt, beschleunigt und geschichtet, immer und immer wieder. Für seine Williams Mixverbrachte John Cage drei Bits des Magnetbandes zusammenkleben. Die Bänder waren in sechs Kategorien – "Stadt", "Land", "electronic", "manuell hergestellt", "wind" und "klein" – und eine zufriedenstellende Bund im Gefüge der Musikgeschichte, sie für Cage von Louis und Bebe Barron, Barrons von The Forbidden Planetaufgenommen wurden. Alles andere wurde durch Zufall bestimmt: von welchem der sechs soliden Kategorien jedes Bit des Bandes kommen sollte, wie lange es dauern sollte, und schließlich war es in den acht Band Sequenzen geklebt werden. 1953 wurde die Collage abgeschlossen und alle acht Bänder gleichzeitig gespielt wurden: vier Minuten und 15 Sekunden von sonic Chaos.

Cages Werk war Teil der privat finanzierte "Projekt für Musik für Magnetband". In Europa war die Verwendung von Bandmaschinen bei seiner abenteuerlichsten in die staatlich geförderte Radiosender, nirgendwo mehr noch als in Paris und Köln. Aber es eine ideologische Spaltung gab: Paris war die Heimat der Musique Concrète, Musik von Aufnahme und Umwandlung die Klänge der Welt um uns; Köln war das Hauptquartier der Elektronische Musik, mit der angewandten Wissenschaft der Oszillatoren und Filter, um neue Klänge für eine neue Welt zu bauen. Es ist eine ästhetische Achse um die Musiker noch sich zu orientieren. Fangen Sie mit einem Sound, aufgenommen von der realen Welt, mit seinem inneren Leben, oder erstellen Sie neue Sounds aus dem nichts?

Am einfachsten ist es eine Unterscheidung zwischen Surrealismus und Abstraktion. Das Mikrofon ist eine Linse, die Geräusche um uns erfasst werden, wodurch dann beschnitten, gedehnt, gegenübergestellt. "Kunst existiert um uns helfen, das Gefühl des Lebens [...] die Technik [...] zu erholen ist"unbekannt"machen", sagte Viktor Shklovsky 1916, aber es hätte der Pionier der Musique Concrète, Pierre Schaeffer, erklären die Ästhetik des Paris Studios. Oder es hätte Schaeffer es Kollege Pierre Henry 1963 zu erklären, wie er das Knarren der Tür-Scharnier und eine Ausatmung in einer Reihe von 25 Variationen für eine Tür und einen Seufzer verwandelte.

In der Tat schrieb Sklovskij russische Literaturtheorie, Einführung in sein Konzept der "Ostranenie" (was seltsam) – eine Idee, die warten auf der Technologie, um es von Wörtern in Töne zu verwandeln. Aufnahme, Schnitt, Stick, Schleife – ist es eine faszinierend Technik, die wahrscheinlich ins Massenbewusstsein 1973 mit Pink Floyd Registrierkasse Riff auf "Geld" gekreuzt. Sicherlich waren die Universität Musik Text-Bücher der Zeit gerne behaupten, die Mischung aus Synthesizer und Klangcollage auf Der dunklen Seite des Mondes als eine Bestätigung der elektronischen Musik und der Musique ConcrèteKapazität, mit einer Pop-Sensibilität zu engagieren.

Aber Tonaufnahme ist immer ein Mittel, um seltsame. Es ist ein Akt der Auswahl: welche Art von Mikrofon, wohin damit, wann man anfängt, wann beendet? Öffnen und schließen unsere Augen ist einfach; Es ist viel schwieriger, unsere Ohren, die Entscheidung zu hören nur das, denn nur das lange, ziemlich unnatürlich zu schließen. Dennoch gibt es Komponisten und Klangkünstler, die sich die Illusion, dass die Welt in Ton aufgezeichnet die Welt selbst verschrieben haben. Es ist eine Idee, die hindurch immer wieder: in den 1970er Jahren, Hildegard Westerkamp und R Murray Schafer versucht verschwindenden akustischen Ökologie mit ihrem Projekt Soundscapes zu dokumentieren. Heutzutage heißt es "Field Recording" und der Doyen ist Chris Watson, der letztes Jahr In Brittens Spuren, eine Audio-Erholung von der Landschaft rund um Brittens Haus in Aldeburgh gemacht.

Meine Lieblings Soundscape ist eine glorreiche Hybrid, Luc Ferrari Presque Rien (1967 – 70). Es klingt wie ein Feld aufnehmen – am frühen Morgen in einem kroatischen Fischerdorf – aber es kann nicht sein: erstes Licht des Tages ist in knapp 20 Minuten, getarnt als Natur Kunstgriff komprimiert. Vielleicht Hybriden am besten gedeihen. In den 1950er Jahren Stockhausen arbeitete in den Kölner Studios des Westdeutschen Rundfunks und seine erste Band arbeitet, zwei Elektronische Studienwurden Elektronische Musik auf der großen ästhetischen Kluft. Im Jahr 1955 entschied er sich, begeben Sie sich auf ein Hybrid, und sein neue Werk, Gesang der Jünglinge (Lied der Jugendlichen), rein elektronische Klänge in Kombination mit der aufgezeichnete Stimme eine junge singen Passagen aus die alttestamentliche Geschichte von den drei jungen Männern, die wie durch ein Wunder überlebte, in König Nebuchadnezzar Feuerofen geworfen.

Es ist eine außerordentlich ambitioniert Konzeption: mehr als 13 Minuten, es ist länger als jede andere elektronische Arbeit der Periode, und zwar zu einem Zeitpunkt komponiert als Stereo noch ein Novum war, es ist in fünf-Kanal-Sound. Vor allem ist es voller Leben. Stockhausen – damals hatte ein römischer Katholik – soll eine "elektronische Masse" zu schaffen, sondern die lebendige Gegenüberstellung der Knabenstimme, allein, aber entschlossen, inmitten der Hexenkessel des elektronischen Sound erwies sich eine viel bessere Idee. Die Menschheit von einer Solostimme inmitten einer abstrakten elektronischen Landschaft ist eine leistungsstarke und wiederkehrende musikalische Bild, sei es in Milton Babbits 1964 Philomele für Solosopran und Tonband oder Donna Summer "Ich fühle mich lieben".

Gesang der Jünglinge war ein technischer und ästhetischer Durchbruch, aber nächste Studioprojekt Stockhausens war umso bemerkenswerter. In Kontakte (Kontakte) die reale Klänge sind live, spielt ein Pianist und ein Perkussionist und Stockhausen bringt eine Reihe von spektakulären akustische Illusionen in der aufgezeichnete Band klingt zu imitieren, antizipieren und die Klängen der live-Instrumente vor dem Start in eine andere Welt von ihren selbst zu verwandeln scheinen. Stockhausen die Banken der Oszillatoren, Filter und Modulatoren im Kölner Studio zu produzieren solche erstaunlichen Trompes oreille schikanieren konnte ist eine Hommage an seine Phantasie und seine Industrie: Es dauerte mehr als zwei Jahre in Anspruch.

In diesen Tagen würde Kontakte Wochen anstatt Jahre dauern. Die Instrumentenklänge könnte abgetastet, analysiert und umgebaut in einem der eine Reihe von leicht verfügbaren Softwareprogrammen, und vielleicht ist das ein weiterer Grund, warum die Zukunft ist nicht so interessant wie früher. Computer begann in der Musik in den 50er Jahren durch die Emulation der einfachere elektronische Geräte der Zeit – Oszillatoren und Filter brauchen nicht viel Verarbeitung Leistung – und in seinen frühen Tagen, Computermusik war genau das: Musik, die Klang, als ob es aus einem Computer gekommen war. Aber wie Computer schneller und kräftiger wuchs, wurde sie mehr zurückhaltend; anstelle von Summen und Piepen, fingen sie an bekannten Musikinstrumente zu imitieren. Yamaha DX7, der intelligenteste Synthesizer in der Stadt in den frühen 80er Jahren verwendet anspruchsvolle Mathematik Simulacra von akustischer Instrumentenklänge Herstellung. Es konnte nicht sie genau replizieren, aber mitten in einem Pop-Song-Mix, die Geräusche waren überzeugend genug, eine Art musikalische Mock-Tudor.

Heutzutage können Computer neu, nicht nur das Instrument, sondern die akustische drumherum. Ob Aufnahme und Bearbeitung der realen Welt oder Generierung von neuen Sounds, ist es ganz einfach mit einem Laptop; unter der Tastatur, an der ich diesen Artikel schreibe, gibt es Raum für das digitale Äquivalent des Zimmer voller Equipment aus dem alten Köln und Paris Studios. Nur allzu leicht? Das ist möglich. Gesang der Jünglinge und Kontakte sind Meisterwerke. Deshalb sind sie in der Southbank Centre einjährigen Feier der Musik des 20. Jahrhunderts vorgestellten, The Rest is Noise. Aber zumindest zum Teil, sie sind Meisterwerke durch den Widerstand des Materials mit denen Stockhausen hatte zu arbeiten, die Standhaftigkeit alles, was alte Technologie. Vielleicht ist es Zeit, eine neue Zukunft zu erfinden.

• Christopher Fox wird Stockhausens Gesang der Jünglinge und Kontakte in der Queen Elizabeth Hall, London SE1, heute Abend vorstellen. southbankcentre.Co.UK.