Zehn Jahre; Der Sturm; Die Küche; Parade-Überprüfung

St. Katharine Docks; Theatre Royal Haymarket; Olivier, Nationaltheater; Southwark Playhouse, ganz London

Zahlen sind gegen eine lange Glasscheibe gedrückt. Sie sind gespreizt, als ob dort von einem riesigen Wind und entsetzt geblasen. In einem Restaurant treffen sich ein Trio von Witwen auf ihren gemeinsamen Geburtstag zu erzählen die Geschichte des Jahres: man ist bestrebt, die Tradition, die anderen ungeduldig, weiterzuziehen. Ein muslimischer Kaufmann wird durch einen gut betuchten Stammkunden besucht: sie chucks einen Ziegelstein durch sein Fenster.

In zehn Jahrenhat Rupert Goold auf 20 Autoren, Szenen von 9/11 und sein Vermächtnis bieten gezogen und einen ungleichmäßigen aber absorbierenden Abend gemacht. Seine erste gute Entscheidung ist es, die Skepsis zu lösen, die meisten Menschen auf die Idee, eine Katastrophe zu einem theatralischen Ereignis fühlen werden. Miriam Buether Design setzt das Publikum in die Fenster auf der Welt-Restaurant im World Trade Center, mit weitem Blick über Manhattan blau-auf Skiern. Gruppieren sich um kleine Tische, mit Blick auf das Spektakel über Menüs, kann man nah am geschehen, sondern was wir sind ist unausweichlich: Voyeure.

Seine zweite gute Wahl ist, vertraute Bilder meiden: Es gibt keine einstürzenden Türme oder Fernsehbildschirmen; Mobiltelefone werden nur in einer trotzigen Tanz-Sequenz angezeigt. Die Folgen reichen von schulmeisterlichen (Simon Schama), schlicht und informativ (Samuel Adamson Version von einem Engländer Erinnerungen). Die meisten bohrenden Szenen sind meist schräg. Eine scharfe Episode von Ella Hickson verfügt über ein junger Mann an dem Geschenk-Zähler am Ground Zero Tribut Centre, Zugriffe auf die Frauen kommen wieder feuchte Wangen von den Touren: mit Hilfe von Geweben und "never forget" pins (und die Tatsache, dass obwohl er aus Panama kommt, er als Araber passieren kann), er hat eine Erfolgsquote von zwei in 10. In Ben Ellis außerordentlichen Beitrag versucht eine Frau, die den Zusammenbruch der Türme durch Zufall überlebt – sie war auf den Kaffee laufen zur Zeit – Speed-dating. Wie sie ihren Weg durch eine Reihe von hoffnungsloser Begegnungen trinkt, reibt sie an ihrem Ekzem, so dass ihre Arme mit riesigen roten Flecken durchzogen sind. Nichts wird gesagt, über Trauma oder nicht in der Lage, Dinge allein zu lassen oder die Tatsache, die dass die Flocken der Haut wie fallende Asche zu schauen. Noch ist das Bild von der hervorragenden Emma Fielding "skinning und scalping" sich unvergesslich. Am Ende der Szene kommt jemand auf – wie ein Arbeiter am Ground Zero – die Trümmer hinwegfegen.

Trevor The Tempest ist Soft-Fokus, Zucker überzogen und klebrigen zentriert. Aber es gibt gute Dinge über sie gesagt werden. Man nennt sie Nicholas Lyndhurst und Ralph Fiennes. Lyndhurst, so dass sein Gesicht fast so lang wie seine Beine scheint nur schlendern Sie durch die Linien und über die Bühne, aber er macht den Clown Szenen aussehen Teil des Stücks Form-Verschiebungen. Dennoch ist niemand wahrscheinlich zu Shakespeares klagend Abschied Drama auf dem off-Chance von glucksend in den komischen Szenen gehen. Eine gute Prospero, auf der anderen Seite sehenswert in einer Wüste einer Produktion ist. Und Fiennes ist gut. Achselzucken aus der erzogene Lieferung einmal seine Bühnen-Performance beschränkt, er zuerst kommt auf als traurig, aber stattlichen Einsiedler, schwebt um Elisabeth Hoppers adrette Miranda als zutiefst liebevolle Vater und einem heillosen Durcheinander wie ein Prophet des alten Testaments mit seinen zerlumpten Mantel und Stab. In diesen Modi spricht er den Vers, natürlich und mit Autorität, und als er seine magischen Kräfte verlässt er reißt eine außergewöhnliche Leistung. Schwillt seine Stimme, sein ganze Körper erweitert: er sieht eigentlich größer, als wenn er eine andere Ordnung des Seins wird: ein menschliches Wesen.

Wenn nur er den Rest der Produktion mit ihm nehmen könnte. Nunn, macht eine der kürzeren Shakespeares letzten drei Stunden, hat mit Fee Features spangled aber beraubt sie der Magie und Melancholie. Stephen Brimson Lewis Design, eindrucksvoll beleuchtet von Paul Pyant, deutet darauf hin, dass etwas von dem Drama ätherische Qualität, mit einer nackten grauen Raum, der gefüllt ist, für eine kurze Zeit mit John Martin-ähnliche nebligen Bergen aber Shaun Daveys Musik weedy ist und der Gesang schwach.

Viel des Restes der Produktion könnte aus einem 50er Jahre aufgetaucht Spielzeugkiste. Tom Byam Shaws Ariel kann schwingen auf einem Trapez von Zeit zu Zeit, aber seine Rede – zunächst merkwürdig länglich, dann gabbled – erdgebunden ist und er Reisen rund um die Bühne, als wäre er ein zuvorkommender Ballett-Student, anstatt eine scharfkantige Sprite. Giles Terera Caliban ist keine Bedrohung: nur festigen: seine "Ban Ban Caliban" Riff wird durch sein ironisch von zwei Clowns gesungen, als wären sie die Andrews Sisters; vermindert sein Bruch mit Prospero zu chummily gelöst. Jedes jetzt und dann Mitglieder der Besetzung, gut gebohrt in Körper Strümpfe, kommen Sie zu tänzeln als Nymphen, Spirituosen und Eckzahn Kreaturen, als ob sie darauf warten, für einen musikalischen Cue. Nach Katzen, Hunde?

Wir sind jetzt Restaurant Wut auf dem Bildschirm verwendet. Es ist seltener (Saignant) auf der Bühne, aber Arnold Wesker hat es dort vor fast einem halben Jahrhundert. Köche rant, eine Kellnerin stürzt auf den Boden, einem Beil geschwungen, Teller zerschlagen, ein wilder Tanz zwischen den Öfen gewebt ist, heult der Qualen steigen bis unters Dach. Die Küche ist die Hölle, die Küche ist Hierarchie, die Küche ist für eine nur sehr wenige Menschen eine Quelle der Glückseligkeit und Verwirklichung.

In seinem Stück 1959 zog Wesker auf seine Erfahrungen als Küche Arbeiter, eine Drama zu schaffen, die die Geschicklichkeit, zeigt die Geschwindigkeit und die vernichtende Mahlen der schlecht bezahlten Arbeit den Vorsitz ein Tyrann. Er stützte sich auf seine Erfahrungen mit der Nachkriegszeit Großbritannien zu eine Gesellschaft vorsichtig und voller Missverständnisse und sehr männliche zeigen (es gibt nur eine Köchin, die anderen Frauen in der 30-köpfige Besetzung sind Kellnerinnen), aber kämpfen, um an einem Strang ziehen. In dieser Küche kocht Deutsch (einer von ihnen, der gefühlvollen Held, eindringlich gespielt von Tom Brooke) Licht die Gasöfen neben irischen und Griechisch und Englisch.

Bijan Sheibanis tänzerischen Produktion – verfügt über der Bühne an Seilen baumelnd Kellnerinnen – fliegt auf eine zentrale und vorausschauend Qualität von Wesker Drama: The Kitchen rutscht zwischen den praktischen und den traumhaften und Bewegung von Wörter übernehmen können. Kulinarischen Meisterleistungen der schlagen, klopfen, kratzen und schlagen erfolgen in Mime aber nehmen auf ein Leben in Dampf und brutzeln wie die unsichtbare Zutaten heiße Wannen und Jets des Feuers getroffen. Stille Ensembles von Messer-Reiniger Einfrieren als Liebhaber oder Rivalen, quadratischen bis zu einander. Wenn die Sprache versagt – und die Rede hier ist manchmal karg, manchmal allzu emphatischen und ziemlich oft seltsam akzentuierte – ein Whirligig Tätigkeit übernimmt. Als es Karten, die Ebbe und Flut eines Tages, in dem alle Aktionen jedermanns, The Kitchen beeinflussen – wie die Stücke von August Wilson – ist nicht in erster Linie ein Individuum Drama: Es ist das nun leider ungewöhnliche Ding, eine kollektive Angelegenheit.

Jason Robert Brown Parade – eine unerschrockenen Geschichte der Kleinstadt-Antisemitismus und Korruption verhaften Musik soll – ist ein tolles Stück, das beweist, dass eine Musical das Genre rückwärts denken Tendenz entziehen kann. Die Wildheit und Full-throatedness der Thom Southerland des pent, Nahaufnahme, schnörkellos Produktion, in der jeder stimmt und Alastair Brookshaw als kleinlichen desolate Opfer ist hervorragend, bedeutet, die dass die kleinen Southwark Playhouse, die früher in diesem Jahr ein Ausreißer mit dynamischen Zart Napalmgetroffen hatte, nun hat Gastgeber eines der musikalischen Ereignisse des Jahres. Kein Grund, auf diese ParadeRegen: Es hat eine Woche laufen, und Publikum darauf ausgeführt werden.