Les Rencontres Arles 2011 – review

Hochkarätige Fotofestival Europas ist eine unzusammenhängende Angelegenheit dieses Jahr, aber es lohnt sich die Reise zu die atemberaubenden Schaufenster der mexikanischen Arbeit sehen

Der Untertitel des diesjährigen Rencontres Arles – wohl Europas wichtigste Fotofestival – leicht hätte "was Fotografie ist für?" Es ist eine Frage sein fragte mit einiger Intensität und ein Maß an Unfug im Internet wie Google Images, Flickr und Photobucket, und von einer Vielzahl von Künstlern, die für die Photographys riesigen Archiv von den fremden, schönen und der weltlichen ist eine unendliche Fundgrube für Aneignungen werden manipuliert und ad infinitum hinzugefügt.

Schnelle und lockere Ansatz durch eine neue Generation von digital Artists ist eines der beherrschenden Themen des diesjährigen Rencontres, neben einem historischen Schleppnetz durch die mexikanischen Fotografie von der Revolution bis zum heutigen Tag. Es sorgt für eine manchmal unruhig Mischung aus ernst und die vorsätzlich Amateur. Besucher hier sind in der Regel Fotografie-Fans aus ganz Europa und den USA, und scheinen jünger und trendiger in diesem Jahr. Das Werk spiegelt die Festival-Besucher: ich oft fühlte ich wanderte durch ein globales Dorf von Bildern, mit der Unebenheiten und Mangel an einen leitenden Strom, eine Metapher für laufende Identitätskrise der Fotografie.

Dafür lohnt sich fast popping über nach Arles nur für Republik, das Festival im Rahmen des Festivals, die mexikanischen Fotografie gewidmet ist. Der logische Ort zu beginnen ist der Espace Van Gogh, wo zwei außergewöhnliche Ausstellungen nebeneinander sitzen – Mexiko: Fotografie und Revolution und eine Retrospektive gewidmet Graciela Iturbide, eine außergewöhnliche Fotografin keine Kamera bis zu den 40er Jahren abholen als ihre Tochter starb. Die erste sammelt rühren, oft poetische Bilder aus der mexikanischen Revolution von Leuten wie Manuel Ramos, Sabino Osuna und Armando Salmerón, darunter dessen unvergesslichen Porträt einer gut aussehend und trotzig Emiliano Zapata. Die zweite ist eine Hommage an eine Frau, die unter der verstorbene, großartige Manuel Alvarez Bravo studiert und dann half mexikanischen Porträtmalerei, Dokumentarfilm und Landschaftsfotografie in den 80ern und 90ern mit ihren eindrucksvollen schwarz-weiß-Bildern neu zu definieren. Ihre Serie in Frida Kahlos Bad genommen, einschließlich eines Künstlers gequetscht und geschwollene Füße und ein weiteres von ihr orthopädisches Korsett sind fast das Gegenteil der des Künstlers Darstellungen der Leiden in ihrer Nacktheit und Understatement.

Quer durch die Stadt, in der stillgelegten Eisenbahn-Hallen, die jährlich aktiviert sind in riesigen Ausstellung Stadien, ist ein mexikanischer Meister der etwas anderen Art zu sehen. Wie wer seine Show in der Photographers' Gallery in London im Jahr 2003 sah bekannt sein dürfte, ist Enrique Metinidess Arbeit nicht für schwache Nerven. Schon der Titel – 101 Tragödien – bietet faire Warnung den Inhalt, wenn nicht die Form. Metinides ist Mexikos Weegee, ein Krankenwagen Chaser, deren Bilder Grafik im Extremfall sind: Nahaufnahmen der Unfallopfer im Straßenverkehr, Tatorte, Natur- und anderen Katastrophen. Oft ähneln Filmstills, Metinides Farbfotos scheinen auch hyper-Real in der Art und Weise der Gregory Crewdson des reich verzierten erstellt Szenarien. Sie sind jedoch nur allzu real und absolut faszinierend in ihrer Mischung der Menschheit – der traurige Blick der Zuschauer –, die zarten Ministerium für Polizisten und Rettungsmannschaften und grafische Voyeurismus.

Sensationslust und Menschlichkeit Zusammenstoß wieder in die gegensätzlichen Welten von Daniela Rossell und Dulce Pinzón aufgezeichnet. Rossell inszenierte Portraits der reichen und berühmten mexikanischen Gesellschaft Frauen in aufreizenden Posen löste einen Sturm als vor acht Jahren erstmals in Mexiko gezeigt. Sie betonen nicht nur die Opulenz von ihren Untertanen Lebensstile, aber ihre noch extravaganten Fantasien, die oft Barock bis hin zur Multiperspektivität – einen Whirlpool auf der Dachterrasse mit Blick auf die weitläufige Stadt.

Pinzón, zeigt dagegen mexikanischen Alltagsmenschen als Superhelden, die Wendung ist, dass Noe Reyes, der Mann auf dem Fahrrad als Superman und Maria Luisa Romero, die Frau in den Waschsalon, verkleidet als Wonder Woman, verkleidet sind Gastarbeiter in New York, die für lange Stunden für Niedriglöhne schuften. Pinzón feiert diese unsichtbaren Gemeinschaft offensichtlich aber rührende Weise. Sie zeichnet auch den strafenden Stunden sie arbeiten und die Menge des Geldes, die sie jede Woche nach Hause zu ihren Familien schicken; damit sie helfen, die mexikanische und amerikanische Wirtschaft über Wasser zu halten.

Zwei Meister der Kunst der Fotografie Kino sind auch in Arles gefeiert: Gabriel Figueroa –, die so viele atemberaubende Bilder für Luis Buñuel – und französischer Veteran Chris Marker, dessen Film Stills La Jetée, erstellt einen bleibenden Einfluss auf experimentell gesinnten Fotografen, die Auseinandersetzung mit den schier endlosen Möglichkeiten des digitalen Zeitalters ist. Die Figueroa-Ausstellung ist eine Reihe von riesigen Projektionen an den Wänden des schönen Eglise des Frères Prêcheurs, eine poetische Rekonfiguration der Erzählung und das Image der erstaunlichen Kraft und Schönheit.

Chris Marker Schau versammelt Arbeiten von seinen weltweiten Reisen, einschließlich Straße Porträts aus Korea und Bilder von Tagträumen Passagiere auf der New Yorker u-Bahn neben seiner eigenen impressionistischen Text-Gedichte.

Marker, unbewusst oder anderweitig, spürte die zukünftige Verwendungen der Fotografie, und Einblicke in seine demokratische Vision und unruhig Methodik sind offensichtlich in einem Großteil der neuen digitalen Arbeit auf dem Display in diesem Jahr. Die faszinierendsten und verwirrend – und einige könnten sagen, deprimierend – Show ist Von hier an, eine Art Manifest für die Zukunft der Fotografie unter anderem Joachim Schmid, eine wegweisende Benutzer des gefundenen Fotografien und die allgegenwärtigen Martin Parr kuratiert. Hier, Aneignung und Manipulation ist alles, aber ich verließ das große und oft verwirrenden Show Gefühl von Energie und Begeisterung für eine Zukunft entwässert so wenig Tiefe und so voller Jugendlicher In-jokiness. Eine visuelle Form der Probenahme vorherrscht, sondern dramatisch ungleiche enden. Toll, Monica Hallers brillanten war-reportage-memoir-with-a-difference Serie, Riley und seine Geschichte, die Aufmerksamkeit, die es, aber verdient zu sehen.

Das diesjährige Discovery Award Nominierungen wurden weniger uneben, als der übliche Mix aus humanen und zielstrebig freistehende kämpfte für die schwächelnde Aufmerksamkeit (die erste Woche des Festivals gipfelte in einer Preisverleihung gestern Abend). Ich mochte Mark Ruwedels trostlose poetischen Wüstenlandschaften in der Dämmerung (nominiert von Tate Modern Simon Baker) und Rut Blees Luxemburg Black Sunrise Reihe von traumhaften urban Meditationen. Jo Ratcliffe schwarz / weißen angolanischen Landschaften sind eine brillante Beschwörung von Gewalt und zu vergessen, während David Horowitz Fotografie Landart auf seine lange Spaziergänge entlang der gesamten kalifornischen Küste verwandelt. Es gibt einige dringend benötigte Humor in seiner Arbeit zu, und ich mag die Art, die er kleine Internet Eingriffe verwendet, um seine schelmischen Ideen zu verbreiten. (Seine Fotos von der Pazifik-Küste – oft mit ihm in ihnen – auf das Internet hochgeladen wurden und dienten als Standort Bilder auf Wikipedia. Nach einer langen Debatte haben sie seitdem entfernt bearbeitet oder.)

Yann Gross ist ein roving Fotograf, auch wenn der etwas anderen Art. Verwendung von Lynchs Film The Straight Story als sein Modell, reiste er ins Rhonetal auf einem Moped mit seinem Zelt und Kamera-Ausrüstung in einem kleinen gezogenen Anhänger. Seine Serie, Horizonville, zeichnet seine Interaktion mit der lokalen Gemeinschaft, von die viele Absicht auf die Schaffung ihrer eigenen amerikanische Herzland der ländlichen Schweiz scheinen. Dies ist eine eingebildete, die anderswo, das Brutto zu erstellen, auch in diese dazwischen Bilder von Drag Racer Harley Besitzer und LKW-Slaloms beigetragen hat.

Am Donnerstag Abend wurde in das römische Amphitheater, Vanessa Winship wunderschön schlichte Reportage, für die sie nur den Cartier-Bresson Preis gewonnen, eine zu kurze dia-Show gefeiert während Mitch Epstein seine Auszeichnung Prix Pictet in einer Projektion anerkannt, die seine epische amerikanischen Landschaften geeignet. Beide Künstler verwenden auf unterschiedliche Weise, Fotografie, um lange und tief in die Welt um sie herum zu suchen. Ihre Fotografie scheint sicher von sich selbst. An anderer Stelle, aber war statisch und Summen der ungewissen Zukunft der Fotografie die lauteste, am meisten störende Hintergrundgeräusche in einem neugierig fragmentierten Festival. Wir hatten besser daran gewöhnen.

Lesen Sie mehr von Sean O'Hagan auf Fotografie gehen Sie zu theguardian.com/ohaganphotography